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도일리 카르테 오페라단

D'Oyly Carte Opera Company
미카도 극장 포스터

도일리 카르테 오페라단(D'Oly Carte Opera Company)은 1870년대부터 1982년까지 길버트와 설리번의 사보이 오페라를 거의 1년 내내 영국에서 공연하고 때로는 유럽, 북미 등지에서 순회공연을 한 영국의 전문 경극단입니다. 이 회사는 1988년부터 2003년까지 짧은 기간과 투어를 위해 부활했으며, 2013년부터 스코틀랜드 오페라와 4개의 오페라를 공동 제작했습니다.

1875년 Richard D'Oly Carte는 극작가 W.S. Gilbert와 작곡가 Arthur Sullivan에게 저녁의 오락을 해결하기 위해 짧은 코믹 오페라를 공동 작업할 것을 요청했습니다. 그 작품인 트라이얼 바이 쥬리가 성공을 거두자, 카르테는 길버트와 설리번의 장편 작품인 The Sorcer(1877)를 제작하기 위해 신디케이트를 구성했고, H.M.S. Pinafore(1878)가 그 뒤를 이었습니다. 피나포레가 국제적인 인기를 얻은 후, 카르테는 어려운 투자자들을 버리고 길버트, 설리번과 새로운 파트너십을 맺어 도일리 카르테 오페라단이 되었습니다. 이 회사는 이후 10개의 길버트와 설리번 오페라와 많은 다른 오페라와 동반자 작품을 제작했는데, 대부분은 1881년에 카르테가 그 목적으로 지은 런던의 사보이 극장에서 제작되었습니다. 이 회사는 또한 영국, 뉴욕 및 기타 지역에서 투어를 진행하며, 일반적으로 여러 회사를 동시에 운영합니다. 카르테의 유능한 조수인 헬렌 레누아르는 1888년에 그의 아내가 되었고 1901년 그가 사망한 후 1913년에 그녀 자신이 사망할 때까지 회사를 운영했습니다. 이 무렵, 그것은 길버트와 설리번 투어 레퍼토리 회사가 되었습니다.

카르테의 아들 루퍼트가 회사를 물려받았습니다. 1919년부터 그는 새로운 세트와 의상 디자인으로 런던에서 새로운 시즌을 맞이하는 한편 영국과 해외에서 일년 내내 투어를 이어갔습니다. 지휘자 J. M. Gordon과 지휘자 Isidore Godfrey의 도움으로, Carte는 35년 동안 회사를 운영했습니다. 그는 1928년 사보이 극장을 재설계하고 오페라가 인기를 유지하는 데 도움이 되는 여러 해 동안 일련의 녹음을 후원했습니다. 1948년 루퍼트가 사망한 후, 그의 딸 브리짓은 회사를 물려받아 프레데릭 로이드를 총지배인으로 고용했습니다. 이 회사는 매년 35주 동안 투어를 계속했고, 새로운 음반을 발행했으며, 길버트와 설리번의 런던 시즌을 연주했습니다. 1961년 길버트와 설리번 오페라에 대한 마지막 저작권이 만료되었고, 브리짓은 1982년 비용 증가와 공적 자금 부족으로 회사가 문을 닫을 때까지 오페라를 제공하는 자선 신탁을 설립하고 기부했습니다. 1988년 브리짓 도일리 카르테(Bridget D'Oly Carte)가 남긴 유산을 가지고 다시 결성되었으며, 짧은 투어와 런던 시즌을 소화했으며, 몇 가지 인기 있는 음반을 발행했습니다. 영국 예술 위원회로부터 상당한 자금 지원을 거부당했고, 2003년에 제작을 중단했습니다. 스코틀랜드 오페라와 함께 2013년에는 '펜잔스의 해적', 2016년에는 '미카도', 2021-22년에는 '곤돌리어유토피아'를 공동 제작했습니다.

그 회사의 몇몇 연주자들은, 수십 년에 걸쳐, 당대의 스타가 되었고, 종종 뮤지컬 극장이나 그랜드 오페라에서 경력을 쌓았습니다. 이 회사는 호주와 영국 및 다른 지역의 수많은 아마추어 극단에 오페라 공연을 허가하고 오케스트라 부품과 고용을 위한 안내서를 제공했습니다. 이 회사는 사보이 오페라를 한 세기 이상 대중의 눈에 띄었고, 녹음뿐만 아니라 새로운 프로덕션에서 계속 모방되는 프로덕션 스타일과 무대 비즈니스의 지속적인 유산을 남겼습니다.

역사

비기닝스

리처드 도일리 카르테

1874년, 음악가이자 야심찬 젊은 연출가Richard D'Oly Carte는 런던에서 오페레타를 제작하기 시작했습니다.[1] 그는 그 해 자신의 작품들 중 하나인 "London에 경극을 위한 영구적인 거주지를 마련하는 것이 저의 열망입니다."[2]라고 프로그램의 전면에 자신의 야망을 발표했습니다. 옵서버는 "도일리 카르테 씨는 숙련된 관리자일 뿐만 아니라 훈련된 음악가이며, 대중이 진정한 오페라 부페로 알려진 것에 싫증을 느끼기 시작하고 있다는 사실을 파악하고 음악가가 만족스럽게 연출할 수 있는 것과 같은 더 높은 수준의 음악적 오락을 환영할 준비가 된 것으로 보인다"[3]고 보도했습니다. 그는 당시 런던 음악 무대를 지배했던 프랑스의 오페레타와 오페라 부페의 거친 풍자와 각색과는 대조적으로 가족들에게 매력적인 영국 코믹 오페라의 단체를 설립하고 싶었습니다.[4]

1875년 초, 카르테는 런던의 로얄티 극장을 관리하고 있었습니다. 인기 있는 오펜바흐 오페라 레타 라 페리홀을 주인공으로 하는 저녁의 오락을 완성하기 위해 짧은 작품이 필요했기 때문에 그는 W.S. 길버트아서 설리번을 함께 모았습니다.[n 1] 1871년 투어에서, 카르테는 1874년 런던에서 부활한 [6][n 2]설리번의 단막 코믹 오페라 콕스박스를 지휘했습니다. 1873년 길버트는 영국 법정에 대해 카르테에게 자유를 제안했지만, 그 당시 카르테는 그것을 음악에 맞출 수 있는 작곡가가 없다는 것을 알고 있었습니다.[7] 카르테는 길버트의 리브레토를 기억하고, 설리번이 단막 코믹 오페라인 트라이얼 바이 쥬리의 음악을 작곡할 것을 길버트에게 제안했고, 이는 빠르게 작곡되어 1875년 3월 로열티 청구서에 추가되었습니다.[8][9] 재치 있고 "매우 영국적인" 이 작은 작품은 라 페리촐레보다 훨씬 더 인기가 있다는 것이 증명되었고, 1875년부터 1877년까지 300회의 공연을 하고 많은 부흥을 즐겼을 뿐만 아니라 그의 영국 코믹 오페라 학교를 설립하려는 카르테의 계획의 첫 번째 큰 성공이 되었습니다.[10]

1875년 9월 아일랜드 더블린의 The Theatre Royal에서 Trial by Jury의 첫 투어를 관리하던 중, Carte는 극장의 주인인 Michael Gunn을 만났고, 그는 영국 코믹 오페라를 홍보하기 위해 회사를 설립하려는 Carte의 비전에 매료되었습니다. 건은 이후 카르테의 경영진에 합류했습니다.[11] 그럼에도 불구하고, 카르테는 1876년 여름, 프랑스 오페라 부페의 세 개의 영어 각색과 두 개의 단막 영어 커튼 레이저(Happy Hampstead and Trial by Jurior)로 구성된 레퍼토리로 순회 공연을 계속했습니다. 카르테 자신은 이 여행사의 음악 감독이었는데, 이 여행 이후 해체되었습니다.[12][13]

헬렌 레누아르, 후에 헬렌 카르테

카르테는 4명의 재정적 후원자들을 찾았고, 1876년에 다른 영국 작사/작곡팀들과 함께 길버트와 설리번의 작품들을 더 많이 제작하기 위해 코미디 오페라 컴퍼니를 설립했습니다.[1][14] 이 극단과 함께, 카르테는 여러 번의 실패 끝에 마침내 새로운 장편 길버트와 설리번 오페라를 제작할 수 있는 재정적인 자원을 갖게 되었습니다.[15] 카르테는 스트랜드에서 떨어진 작은 극장인 오페라 코미크를 임대했습니다.[16] 1877년 2월, 카르테는 스코틀랜드의 초보 여배우 헬렌 레누아르와 투어 공연에서 작은 역할을 맡으려고 약혼했습니다. 그녀는 곧 투어를 떠났고 카르테의 연예 기획사에서 자리를 얻었습니다. 레누아르는 교육을 잘 받았고, 세부 사항과 외교에 대한 이해는 물론 조직력과 사업적 통찰력까지 카르테를 능가했습니다. 에라의 편집자 프랭크 데스프레즈는 "그녀의 성격은 그의 부족한 점을 정확하게 보완했습니다."라고 썼습니다.[17] 그녀는 그의 모든 사업에 깊이 관여하게 되었고, 곧 회사의 많은 책임들, 특히 투어와 관련된 일들을 관리하게 되었습니다. 그녀는 수년 동안 회사의 뉴욕 계약과 미국 투어의 세부 사항을 마련하기 위해 미국을 수없이 여행했습니다.[18]

코미디 오페라 회사가 제작한 최초의 코믹 오페라는 런던의 마법사와 같은 무역업자에 관한 길버트와 설리번의 마법사였습니다. 1877년 11월, 설리번의 조수 알프레드 첼리어의 음악과 길버트와 설리번의 친구인 아서 세실의 말이 있는 커튼 레이져인 도라의 꿈과 함께 문을 열었습니다.[19] 빅토리아 시대의 극장처럼 극장 주인이 작품을 제작하는 대신, 길버트, 설리번, 카르테는 자신들의 재정적 지원으로 쇼를 제작했습니다. 따라서 그들은 이미 극장에서 종사하고 있는 배우들을 의무적으로 사용하지 않고 자신의 출연진을 선택할 수 있었습니다. 그들은 재능 있는 배우들을 선택했는데, 그들 대부분은 잘 알려지지 않은 스타들이었고, 높은 출연료를 명령하지 않았으며, 그들에게 그 당시에 흔히 사용되었던 것보다 더 자연주의적인 스타일의 공연을 가르칠 수 있었습니다. 카르테의 탤런트 에이전시는 많은 아티스트들에게 새로운 작품에서 공연할 수 있도록 제공했습니다. 그리고 나서 그들은 그들의 작업을 이 공연자들의 특정한 능력에 맞추었습니다.[20] 주요 코미디언 조지 그로스미스(George Grossmith), 리차드 템플(Richard Temple), 러틀랜드 배링턴(Rutland Barrington)을 포함한 일부 출연진은 거의 15년 동안 회사에 머물렀습니다. 이 회사의 다른 두 명의 오랜 멤버들은 마법사와 함께 도일리 카르테 투어 회사에서 시작한 로지나 브랜드람과 1878년 오페라 코미크에서 피나포레 그룹에 합류한 제시 본드였습니다.[21] 그로스미스가 1888년에 썼듯이, "우리는 모두 매우 행복한 가족입니다."[22]

길버트와 설리번이 영국 경극의 질과 존경심을 높여 관객을 넓히겠다는 비전을 공유한 것을 알고, 카르트는 길버트에게 감독으로서 빅토리아 시대의 제작자들 사이에서 관습적인 것보다 더 넓은 권한을 주었고, 길버트는 무대 연출, 디자인, 움직임 등 제작의 모든 측면을 엄격하게 통제했습니다.[23] 길버트는 대부분의 사보이 오페라를 안무하기 위해 가이트 극장의 발레 거장 존 도반을 고용했습니다.[24][25] 길버트와 설리번이 그들의 연주자들을 사용한 기술은 청중들에게 영향을 미쳤습니다. 비평가 허먼 클라인은 다음과 같이 썼습니다. "우리는 [길버트의 변덕과 부조리]가 말하고 행해진 자연스러움과 편안함에 비밀리에 경탄했습니다. 그때까지 무대 위에서 이렇게 이상하고 괴상하면서도 강렬한 인간을 본 사람은 없었습니다. [그들은] 지금까지 알려지지 않은 순수한 기쁨의 만화 세계를 창조했습니다."[26] 주술사는 178회 공연에 나섰는데, 당시 건실한 운영으로 수익을 냈고,[27] 카르테는 1878년 3월 순회공연단을 내보냈습니다.[21] 쇼의 악보들은 잘 팔렸고, 거리의 음악가들은 멜로디를 연주했습니다.[28] The Sorcer의 성공은 Carte, Gilbert, Sullivan에게 가족 친화적인 영국 코믹 오페라에 미래가 있다는 것을 보여주었습니다.[29]

인내심 에 선 피나

1886년 사보이 극장 기념품 프로그램의 장면

다음 길버트와 설리번의 협업인 H.M.S. Pinafore는 1878년 5월에 문을 열었습니다. 오페라의 초기 사업이 더딘 것은 일반적으로 답답한 오페라 코미크를 특히 불편하게 만드는 폭염 때문이었습니다.[30][31] 코미디 오페라단의 카르테의 파트너들은 쇼에 대한 자신감을 잃고 폐막 공지를 올렸습니다.[32][33] Carte가 홍보 노력을 하고 Sullivan이 Covent Garden에서 진행한 몇몇의 산책로 콘서트에 Pinafore 음악을 포함시킨 후, Pinafore는 히트를 쳤습니다.[34] 오페라 코미크는 1875년 공중보건법에 따라 배수와 하수의 수리를 위해 1878년 크리스마스에 문을 닫아야 했습니다. 카르테는 극장의 강제 폐쇄를 이용하여 H.M.S. Pinafore의 초기 운영 이후 Pinafore와 Sorcer의 권리를 Gilbert와 Sullivan에게 반환하는 계약 조항을 발동했습니다.[35] 그 후 1879년 2월 1일부터 6개월간 극장을 임대했습니다.[36] 카르테는 1879년 7월 코미디 오페라단과의 원래 계약이 만료되었을 때, 그들 세 사람 사이의 사업 협력이 그들에게 유리할 것이라고 길버트와 설리번을 설득했습니다.[37] 이들 3명은 각각 1천 파운드를 내걸고 '미스터 리처드 도일리 카르테의 오페라 컴퍼니'라는 이름으로 새로운 파트너십을 맺었습니다.[38] 파트너십 계약에 따르면, 일단 생산물을 설치하는 비용이 공제되면, 세 사람은 각각 수익의 3분의 1을 받을 수 있습니다.[1]

1879년 7월 31일, 길버트와 설리번과의 합의 마지막 날, 코미디 오페라단의 감독들은 공연 중에 세트를 강제로 소유하려고 시도했고, 이로 인해 유명인사들이 난동을 부렸습니다.[39] 카르테의 무대 손들은 무대 뒤의 공격자들을 물리치고 풍경을 지켜냈습니다.[40][41] 코미디 오페라단은 런던에서 H.M.S. Pinafore의 경쟁작을 열었지만, 그것은 D'Oly Carte 작품만큼 인기가 없었고, 곧 문을 닫았습니다.[42] 권리의 소유권에 대한 법적 조치는 카르테, 길버트, 설리번의 승리로 끝났습니다.[37][43][n 3] 1879년 8월 1일부터, 나중에 도일리 카르테 오페라단이라고 불리는 이 회사는 길버트와 설리번의 작품들의 유일한 제작자가 되었습니다.[37]

피나포레는 피아노 악보가 10,000장 팔릴 정도로 성공을 [45]거두었고, 카르테는 곧 두 개의 회사를 추가로 지방 투어에 내보냈습니다.[46] 이 오페라는 런던에서 571회 공연을 했는데, 이는 그 당시까지 뮤지컬 연극 역사상 두 번째로 긴 공연이었습니다.[47] 미국에서만 150개 이상의 무허가 제작물이 생겨났지만, 당시 미국 법은 외국인들에게 저작권 보호를 제공하지 않았기 때문에 길버트, 설리번, 카르트는 이를 막을 방법이 없었습니다.[48][49] 미국에서 그들의 오페라의 인기로 약간의 돈을 벌기 위해, 카르테는 1879년 12월에 시작하여 브로드웨이에서 "진정한" 피나포레 작품을 선보이기 위해 길버트, 설리번 그리고 회사와 함께 뉴욕으로 여행을 떠났고, 미국 투어도 증가했습니다.[50] Pinafore를 시작으로, Carte는 J.C.를 라이선스했습니다. 윌리엄슨은 호주와 뉴질랜드에서 작품을 제작하는 회사입니다.[51][52]

1881년 인내를 위한 연극 프로그램

그들의 다음 오페라인 '펜잔스해적들'의 허가받지 않은 미국 작품들을 막기 위한 노력으로, 카르테와 그의 파트너들은 1880년 런던 초연 전인 1879년 12월 31일 뉴욕에서 그것을 열었습니다.[50] 파이어리츠는 미국에서 공식 초연을 가진 유일한 길버트와 설리번 오페라였습니다. Carte와 그의 파트너들은 다른 사람들이 복사하기 전에 미국에서 공인된 제작과 투어를 설립하고 악보와 리브레토의 출판을 지연시킴으로써 더 이상의 "해적"을 방지하기를 희망했습니다. 그들은 그 모험의 직접적인 수익을 유지하는 데 성공했지만,[48] 그들의 오페라에 대한 미국 공연 저작권을 통제하기 위해 여러 해 동안 성공하지 못했습니다.[53][54] 해적들은 뉴욕과 그 후 런던에서 즉시 히트를 쳤고, 가장 인기 있는 길버트와 설리번 오페라 중 하나가 되었습니다.[55] 영국 판권 확보를 위해 뉴욕 초연 전날 오후에는 헬렌 레누아르가 기획한 데본주 페인턴의 로열 비쥬 극장에서 형식적인 공연이 있었습니다.[56]

다음 길버트와 설리번 오페라인 '인내심'은 1881년 4월 오페라 코미크에서 개막해 또 한번 큰 성공을 거두며 시리즈 중 두번째로 오래 공연된 작품이 됐고 수많은 외국 작품을 감상했습니다.[57] 인내심은 문학, 미술, 장식 예술, 인테리어 디자인에서 도덕적 또는 사회적 주제보다 미적 가치를 강조한 19세기 유럽 운동의 일부인 1870년대와 80년대 영국의 독선적인 미적 운동을 풍자했습니다.[58][59] 처음부터 D'Oly Carte Opera Company는 다른 회사에서 공연자들이 비난 받는 것과 같은 추문을 피하기 위해 소속 배우들을 위한 엄격한 규칙을 세웠습니다. 제시 본드가 자서전에서 묘사한 바와 같이:

에 대한 미련도 허용되지 않았고, 다른 배우들과의 험담도 허용되지 않았습니다. 여자 분장실은 무대 한쪽에, 남자 화장실은 다른 쪽에 있었고, 우리가 실제로 연기를 하지 않을 때 우리는 염소들과 엄격하게 분리된 각각의 좁은 계단을 동시에 올라가야 했습니다. 한번은, 어머니가 런던에서 저를 보러 왔을 때, 금으로 된 호화로운 집에 살고 있는 것을 발견하고, 훨씬 더 오래 전에, 저는 어머니를 뒤로 데리고 가서, 전통적으로 내핍 상태에 있는 배우들을 위한 준비를 보여주었습니다. 저는 그렇게 엄격한 규칙에 따라 극장을 운영한 적이 없다고 생각합니다. 제가 경험한 모든 20년 동안 스캔들의 숨결은 그것을 건드리지 않았습니다. 길버트는 무대 뒤나 무대 위에서 어떤 느슨한 말이나 몸짓에도 시달리지 않았고, 용처럼 우리의 젊은 여성들을 감시했습니다.[60]

사보이 극장의 원래 정면, c. 1881

길버트와 설리번 오페라의 성공과 그의 콘서트 및 강연 기관(그의 재능 명단에는 아델리나 패티, 클라라 슈만, 오펜바흐, 오스카 와일드, 찰스 구노드가 포함)의 수익으로,[14] 카르테는 1881년에 사보이 극장을 지은 템즈 제방의 앞길과 함께 스트랜드를 따라 부동산을 구입했습니다.[61] 그는 사보이 궁전을 기리기 위해 그 이름을 선택했습니다.[62] 사보이 극장은 기술, 편안함, 장식에 대한 새로운 기준을 세운 최첨단 시설이었습니다. 이 건물은 전깃불이[16] 완전히 켜진 세계 최초의 공공 건물이었고 거의 1,300명의 사람들이 앉았습니다 (오페라 코미크의 862명과 비교).[63]

인내심은 1881년 10월 10일 새 극장에서 처음으로 공연을 시작했습니다. 첫 번째 발전기는 너무 작아서 건물 전체에 전기를 공급할 수 없다는 것이 증명되었고, 집 앞 전체에 전기 불이 켜졌지만 1881년 12월 28일까지 가스로 무대에 불이 켜졌습니다. 그 공연에서 카르테는 무대에 올라 관객들 앞에서 빛나는 전구를 깨뜨려 신기술의 안전성을 입증했습니다.[64] 타임즈는 그 극장이 "목적에 맞게 훌륭하게 적응되어 있고, 음향 품질이 뛰어나며, 편안함과 취향에 대한 합리적인 요구를 모두 충족한다"고 결론지었습니다.[65] 카르트와 그의 매니저인 조지 에드워드(훗날 게이티 극장의 매니저로 유명)는 번호가 매겨진 좌석을 포함하여, 그 극장에서 몇 가지 혁신적인 것들을 소개했습니다. 무료 프로그램 책자, 피트와 갤러리를 위한 "큐" 시스템(미국식 아이디어), 그리고 망토방이나 다른 서비스에 팁을 주지 않는 정책.[64] 극장의 일일 경비는 티켓 판매에서 얻을 수 있는 수입의 절반 정도였습니다.[16][66] 길버트와 설리번의 코믹 오페라 중 마지막 여덟 편은 사보이에서 초연되었습니다.

길버트와 설리번 오페라가 작곡되던 몇 년 동안, 이 회사는 또한 다른 작곡가-리브레티스트 팀에 의해 오페라를 제작했습니다. 길버트와 설리번 작품의 커튼 레이져로, 또는 투어 작품으로, 그리고 사보이 오페라 사이의 사보이 극장을 채우기 위한 다른 작품들로, 그리고 카르테는 또한 길버트와 설리번 오페라를 광범위하게 순회 공연했습니다. 예를 들어, 런던에서의 인내 250회 공연과 뉴욕에서의 100회 공연을 기념하는 기념품 프로그램은 이 작품을 제외하고, 카르테가 인내심으로 투어하는 두 회사, 다른 길버트와 설리번 오페라로 투어하는 두 회사를 동시에 제작하고 있다는 것을 보여줍니다. 미국의 클로드 듀발을 순회하는 올리브와 함께하는 회사(찰스 윈덤과 공동 제작), 뉴욕 극장에서 운영되는 청춘의 제작, 아치볼드 포브스(전쟁 특파원)의 강연 투어, J.C.와 연계한 인내, 해적, 클로드 듀발, 빌리 테일러의 제작. 무엇보다도 호주에 있는 윌리엄슨.[67]

1880년대에 카르테는 또한 아마추어 연극 협회들이 그의 권리를 가지고 있는 작품들을 발표하기 위해 그들의 인기와 악보와 리브레티의 판매, 그리고 밴드 부품의 대여를 증가시키는 관습을 도입했습니다.[68][69][n 4] 이것은 일반적으로 아마추어 연극에 중요한 영향을 미쳤습니다. 셀리에와 브리지먼은 1914년 사보이 오페라가 만들어지기 전에 아마추어 배우들이 전문가들로부터 경멸을 받았다고 썼습니다. 아마추어 길버트와 설리번이 오페라 공연을 허가받은 후, 전문가들은 아마추어 사회가 "음악과 드라마의 문화를 지지한다"고 인식했습니다. 그들은 이제 합법적인 단계를 위한 유용한 훈련 학교로 받아들여지고 있으며, 자원봉사자 계급에서 많은 현대인들이 선호하고 있습니다."[70] 첼리어와 브리지먼은 아마추어 그룹의 질과 명성의 상승을 "길버트와 설리번 오페라의 인기와 공연에 대한 감염 열풍"에 크게 기인한다고 생각했습니다.[71] 1899년에 국립극극단협회가 설립되었습니다. 1914년, 거의 200개의 영국 협회가 그 해 길버트와 설리번 오페라를 제작하고 있다고 보고했습니다.[71] 카르테는 아마추어 회사들이 D'Oly Carte Opera Company의 신속한 책을 사용하여 무대를 따라야 한다고 주장했습니다.[69] 1961년 말 저작권이 만료된 후에도 이 회사는 전 세계 회사에 밴드 부품을 대여하는 일을 계속했고 지금도 계속하고 있습니다.[72]

곤돌리에에를 사랑합니다.

아이올란테 포스터

인내심을 거쳐 1882년에 문을 연 Iolanthe를 생산했습니다. 운영 기간 중 1883년 2월, 카르테는 길버트와 설리번과 5년 파트너십 계약을 체결하고 6개월 전에 회사를 위해 새로운 오페라를 창작하도록 의무화했습니다.[73] Sullivan은 Gilbert와 함께 즉시 새로운 작품을 집필할 의도는 없었지만, 그의 브로커가 1882년 11월에 파산했을 때 심각한 재정적 손실을 입었고 그의 보안에 필요한 장기 계약을 느꼈을 것입니다.[74] 하지만 그는 곧 갇히는 느낌을 받았습니다.[75] 길버트의 학자인 앤드류 크라우터는 이 합의에 대해 다음과 같이 언급합니다. "실제로, 그것은 [길버트와 설리번] 카르테의 직원들을 만들었고, 그것은 그들 자신의 분노를 만들어낸 상황입니다."[76] 이 파트너십의 다음 오페라 아이다 공주는 1884년 1월에 문을 열었습니다.[77] 카르테는 곧 아이다가 박스오피스에서 힘없이 달리고 있는 것을 보고 그의 파트너들에게 새로운 오페라가 쓰여질 것을 요구하기로 합의서를 발동했습니다. 파트너십이 시작될 때부터 음악계는 설리번에게 코믹 오페라를 포기하라는 압력을 [n 5]가했고, 그는 곧 5년 계약에 서명한 것을 후회했습니다.[75] 1884년 3월 설리번은 카르테에게 "길버트와 나 자신이 이미 쓴 캐릭터의 다른 작품을 하는 것은 불가능하다"[76]고 말했습니다.

미카도의 석판화

1880년대의 이 갈등과 다른 사람들 사이에서, 카르테와 헬렌 르누아르는 종종 우정과 사업적인 재능을 혼합하여 파트너들의 의견 차이를 해결해야 했습니다.[79] 설리번은 여러 차례 파트너십에서 풀려날 것을 요청했습니다.[80] 그럼에도 불구하고, 그들은 1880년대에 길버트와 설리번으로부터 여덟 편의 코믹 오페라를 회유했습니다.[81] 공주 아이다가 9개월이라는 비교적 짧은 기간을 끝내고 문을 닫았을 때, 파트너십 역사상 처음으로 다음 오페라는 준비되지 않았습니다. 설상가상으로, 길버트는 사람들이 마법의 로젠지를 한 후 그들의 의지에 반하여 사랑에 빠지는 줄거리를 제안했는데, 이것은 설리번이 이전에 거절했던 시나리오이고, 그는 이제 "로젠지 줄거리"를 다시 거절했습니다. 길버트는 결국 새로운 아이디어를 생각해 냈고 1884년 5월에 일을 시작했습니다.[82]

이 회사는 새로운 작품이 완성되기를 기다리는 동안 트라이얼 바이 쥬리(Trial by Juriary), 그리고 어린이 출연진이 연기하는 펜잔스 해적단(The Pirates of Penzance)과 함께 첫 번째 마법사(The Sorcerer)를 부활시켰습니다. 이것은 1885년 3월에 개막한 파트너십의 가장 성공적인 오페라인 미카도가 되었습니다.[83] 이 작품은 영국 제도를 가상의 일본을 배경으로 풍자했습니다. 동시에 일본의 '그림 같은' 풍경과 의상을 활용해 이국적인 극동지역에 대한 빅토리아 열풍을 이용했습니다.[84] 미카도는 그 당시까지의 어떤 뮤지컬 극장 작품보다도 두 번째로 긴 672회의 공연을 사보이 극장에서 즐기면서 파트너십에서 가장 오래 지속된 히트작이 [n 6]되었고, 미국과 전 세계에서 이례적으로 인기를 끌었습니다.[1] 그것은 가장 자주 공연되는 사보이 오페라로 남아있습니다.[86] 미카도를 시작으로, 리세움 극장헨리 어빙의 화려한 셰익스피어 작품 세트의 디자이너인 Hawes Craven은 1893년까지 D'Oly Carte 세트를 모두 디자인했습니다.[87][n 7]

파트너십의 다음 오페라는 1887년 1월에 문을 연 루디고레였습니다. 빅토리아 시대의 주식 멜로 드라마의 요소를 풍자하고 사용했습니다.[88] 이 작품은 수익성은 높았지만, 미카도의 놀라운 성공 이후 상대적으로 실망스러웠습니다.[89] 루디고레가 단 9개월간의 운영 끝에 문을 닫았을 때, 이 회사는 거의 1년 동안 길버트와 설리번 오페라의 부활을 이루어냈습니다. 길버트가 설리번에게 "로젠지 플롯"을 설정하도록 설득하려는 또 다른 시도를 한 후, 길버트는 1888년 10월에 초연근위병의 여멘을 위한 진지한 코믹 플롯을 쓰면서 그의 협력자를 만났습니다.[90] 이 오페라는 뉴욕과 투어 공연이 호조를 보이며 1년 넘게 계속되며 성공을 거두었습니다. 1889년 3월, 달리던 중, 설리번은 길버트가 "더 큰 음악적 스케일의 드라마 작품"을 쓸 것인지를 물으며 또 다른 코믹 오페라를 쓰는 것에 대해 다시 한 번 난색을 표했습니다.[91] 길버트는 거절했지만, 설리번이 최종적으로 수락한 타협안을 제시했습니다. 두 사람은 사보이를 위해 가벼운 오페라를 썼고, 동시에 설리번은 카르테가 영국의 그랜드 오페라를 선보이기 위해 건설 중인 새로운 극장을 위한 그랜드 오페라(이반회)를 작업할 수 있었습니다.[92] 새로운 코믹 오페라는 1889년 12월에 개막하여 파트너십의 가장 큰 성공 중 하나가 된 곤돌리에(The Gondoliers)였습니다.[93] 1885년 카르테의 첫 번째 부인이 사망한 후, 카르테는 1888년에 Helen Lenoir와 결혼했는데, 그는 이때까지 카르테 자신만큼 회사를 관리하는 데 거의 중요했습니다.[18]

순회광고, c. 1890

이 기간 동안, 이 회사의 높은 제작 가치와 오페라의 품질은 그들에게 국내적이고 국제적인 취향을 만들어 주었고, 이 회사는 지방 전역, 미국(일반적으로 헬렌이 관리), 유럽[1] 및 기타 지역에서 순회 제작을 진행했습니다.[52] 빅토리아 여왕은 1891년 윈저 성에서 곤돌리에의 왕립 지휘 공연을 요청함으로써 그 회사를 기렸습니다.[16] 버나드 쇼는 1893년 10월 '세계'에 기고한 글에서 "무대 위 직물과 색상의 회화적 처리, 합창단의 육성과 지성, 오케스트라의 질, 사보이 공연을 암흑시대의 공연과 비교할 수 있는 나이가 된 사람들"이라고 평했습니다. 그리고 예술적으로 훌륭한 육성의 정도, 말하자면 교장들로부터 기대되는 것은 도일리 카르테씨에 의해 얼마나 대단한 발전이 이루어졌는지를 가장 잘 알고 있는 것입니다."[94]

카펫 싸움과 파트너십의 끝

1890년 4월 22일, 곤돌리에 극장이 운영되는 동안, 길버트는 극장의 전면 로비를 위한 새로운[95] 카펫을 포함한 극장의 유지비가 카르테가 부담하는 대신 파트너십에 부과된다는 것을 알게 되었습니다. 길버트는 카르테에게 맞섰고, 카르테는 진술을 재고하기를 거부했습니다. 비록 혐의의 액수가 크지는 않았지만 길버트는 그것이 카르테의 진실성과 관련된 도덕적인 문제라고 느꼈고, 그는 그것을 지나칠 수 없었습니다. 길버트는 설리번에게 보낸 편지에서 "저는 그가 올라왔던 사다리를 걷어찬 것이 실수였다는 말을 남겼습니다"[76]라고 썼습니다. Helen Carte는 Gilbert가 Carte에게 "당신이 불쾌한 메니얼에 익숙해졌다고 생각하지 말아야 할 방식으로" 연설했다고 썼습니다.[96] Gilbert는 소송을 제기했지만, Sullivan은 Royal English Opera House를 짓고 있던 Carte의 편을 들었고, 그의 첫 작품은 Sullivan의 다가오는 대 오페라였습니다.[1] 길버트는 소송에서 이겼지만 파트너십은 해체되었습니다.[97]

설리번의 오페라 이반회는 성공적으로 운영되었지만, 카르테는 극장에 적합한 후계자를 찾지 못했고, 곧 실패했습니다.[1] 그는 그것을 팔았고, 그것은 나중에 궁전 극장이 되었습니다.[98]

곤돌리에가 1891년에 문을 닫은 후, 길버트는 그의 리브레티에 대한 공연권을 철회하고 사보이를 위해 더 이상 오페라를 쓰지 않겠다고 맹세했습니다.[97] D'Oly Carte 회사는 사보이를 위해 새로운 작곡팀으로 전향하여 조지 댄스, 데스프레즈, 에드워드 솔로몬에 의해 처음으로 'The Nautch Girl'을 제작했습니다. 이 작품은 1891-92년에 만족스러운 200개의 공연으로 진행되었습니다. 다음은 1892년 여름까지 연주된 솔로몬과 시드니 그룬디의 '브레이대리인'의 부활이었습니다. 그룬디와 설리번의 해든 홀은 그 후 1893년 4월까지 무대를 유지했습니다.[99] 사보이에서 새로운 작품들과 부활을 선보이는 동안, 카르테의 투어 회사들은 영국 전역과 미국에서 계속 연주했습니다. 예를 들어, 1894년에, 카르테는 영국을 순회하는 4개의 회사와 미국에서 연주하는 1개의 회사가 있었습니다.[100]

그로스미스대공의 실패 후 카르테를 위로합니다.

길버트의 공격적인 법적 조치는 성공적이었지만 설리번과 카르트를 괴롭혔지만, 카르트 부부는 결국 길버트와 설리번의 재결합을 추구했습니다. 화해는 마침내 사보이 오페라에 악보를 출판한 톰 채펠의 노력으로 이루어졌습니다.[101] 1893년에 이 회사는 궁극적으로 길버트와 설리번의 협업인 유토피아, 유한회사를 제작했습니다. 유토피아가 준비되는 동안, 이 회사는 어니스트 포드의 음악과 함께 J.M. 배리아서 코난 도일의 제인 애니를 제작했습니다. 배리와 코난 도일의 인기에도 불구하고, 이 쇼는 실패작이었고, 단 51회의 공연 후 1893년 7월에 막을 내렸습니다.[102] 유토피아는 지금까지 사보이아에서 가장 비싼 작품이었지만, 1894년 6월까지 비교적 실망스러운 245회 공연을 진행해 매우 적은 수익을 올렸습니다.[99] 그 후 이 회사는 안드레 메세거가 작곡한 미레트를 처음으로 연주했고, 그 다음F. C. 버나드와 설리번이 작곡한 치프테인을 연주했습니다. 이들은 각각 102회와 97회 공연을 진행했습니다.[103] 치프테인이 폐막한 후, 이 회사는 런던 교외를 순회했고, 카르테는 사보이 극장을 칼 로사 오페라단에 임대했습니다. 극장은 1895년 여름에 어두웠고, 11월에 미카도의 부흥을 위해 다시 문을 열었습니다.[104] 뒤를 이어 1896년에는 123회 공연을 했고 길버트와 설리번의 유일한 재정적 실패작이었던 그랜드 듀크가 이어졌습니다. 곤돌리에는 길버트와 설리번의 마지막 히트작으로 밝혀졌고, 대공 이후남자는 다시는 협력하지 않았습니다.[99]

1894년 카르테는 그의 아들 루퍼트를 조수로 고용했습니다. 루퍼트는 1897년 5월 사보이에서 근위병의 여멘을 처음으로 부활시키면서 카르테 부인과 길버트를 도왔습니다.[105] 1890년대 후반 내내, 카르테의 건강은 악화되었고, 카르테 부인은 점점 더 오페라단을 운영하는 책임을 맡았습니다. 그녀는 극장과 지방 투어 회사들을 수익적으로 경영했습니다.[18] 이 기간 동안의 사보이의 공연들은 길버트와 설리번 오페라의 부활뿐만 아니라, 폐하(1897), 제롤슈타인대공녀(1897), 미녀 돌(1898), 행운의 별(1899)을 포함하여 비교적 짧은 상영을 받았습니다.[104] 설리번의 'The Beauty Stone'은 단 50회의 공연을 진행했습니다.[106] 1899년 Savoy는 마침내 213회 공연을 한 Sullivan과 Basil HoodThe Rose of Persia로 새로운 성공을 거두었습니다.[107] Carte와 Sullivan 둘 다 Sullivan and Hood's The Emerald Isle (1901)의 제작을 보기 위해 살지 않았으며, Edward German은 이 점수를 완성했습니다.[108]

20세기 초

카르테는 극장, 오페라단, 호텔을 가업을 완전히 장악한 아내에게 맡겼습니다.[109] 그녀의 런던과 투어 회사들은 영국과 해외에서 사보이 오페라를 계속 선보였습니다.[110] 그녀는 1901년 윌리엄 그리트에게 사보이 극장을 임대했고, 이올란테의 부활과 에메랄드 섬(1901), 메리 잉글랜드(1902), 켄싱턴 공주(독일어의 음악, 후드의 리브레토)를 포함한 여러 새로운 코믹 오페라의 제작을 감독했습니다. 1903년 초에 4개월 동안 진행된 후 순회 공연을 했습니다.[111] 켄싱턴 공주가 사보이에서 문을 닫았을 때, 카르테 부인은 1906년 12월 8일까지 극장을 다른 경영진들에게 임대했습니다. 이 회사의 운은 한동안 나빠졌고, 1904년까지 영국 지방을 거치는 유일한 투어 회사가 있었는데, 그 때 7개월간의 남아프리카 투어를 했습니다.[104]

1906-07년에 카르테 부인은 사보이 극장에서 레퍼토리 시즌을 치렀고 길버트는 감독으로 돌아왔습니다.[112] 여멘(Yeomen), 곤돌리에(The Gondoliers), 인내심(Perentity), 이올란테(Iolanthe)가 포함된 이 시즌은 센세이션을[104] 일으켰고 1908-09년에 미카도(The Mikado), 피나포레(Pinafore), 이올란테(Iolanthe), 해적(Pirates), 곤돌리에(The Gondoliers), 이올란테(Yeomen)[113]를 포함한 또 다른 시즌으로 이어 하지만 그 후, 카르트의 건강이 그녀를 더 이상 런던에서 활동할 수 없게 했습니다.[114] 그녀는 은퇴하고 극장을 C에게 임대했습니다. H. 워크맨과 이 회사는 영국 전역을 계속 순회했지만 1919년까지 런던에서 다시 공연하지 않았습니다.[115]

루퍼트 도일리 카르테

1911년 길버트가 사망한 후, 이 회사는 1982년까지 레퍼토리에서 오페라를 계속 제작했습니다. 1911년 Helen Carte는 J. M. Gordon을 무대 매니저로 고용했습니다. 1922년 무대 연출가로 승진한 [116]고든은 길버트의 지휘 아래 악단의 일원이자 무대 관리자로 활동했으며, 28년 동안 악단의 공연 전통을 정확하게 세밀하게 치열하게 보존했습니다.[117] 일부 컷을 거쳐 새로운 서곡을 받은 루디고레를 제외하고는,[118] 길버트와 설리번이 오페라를 제작했기 때문에 오페라의 텍스트와 음악에 거의 변경되지 않았고, 회사는 길버트의 시대 설정에 충실했습니다. 고든이 죽은 후에도 길버트의 많은 감독 개념은 리브레티에 인쇄된 무대 방향과 회사 안내서에 보존된 상태로 살아남았습니다. 독창적인 안무도 유지했습니다.[119] 길버트와 설리번 팬들은 이 회사의 무대 연출 중 일부를 전통적인 것으로 받아들였고, 이러한 전통적인 무대 연출 중 많은 부분은 오늘날에도 아마추어와 프로 회사 모두의 작품에서 모방되고 있습니다.[120][121][122]

Helen Carte는 1913년에 사망했고, Carte의 아들 Rupert는 회사를 물려받았습니다.[n 8] 제 1차 세계 대전 동안, 그는 영국 해군에서 복무 중이었습니다.[64] H. M. 월브룩(H. M. Walbrook)에 따르면, "대전의 세월 동안 [그 회사는] 전국적으로 투어를 계속했고, 모든 곳의 크고 감사한 관객들을 끌어 모았습니다. 그들은 그 엄중한 시기에 국민들의 정신을 유지하는 데 도움을 주었고, 그렇게 함으로써 승리를 거두는 데 도움을 주었습니다."[124] 이 회사는 1927년 캐나다 투어를 시작으로 북미에서도 여러 차례 투어를 했습니다.[125]

그러나 루퍼트 도일리 카르테는 회사의 제작물이 점점 더 "어색하다"는 것을 알게 되었고, 전쟁에서 돌아온 후, 그는 세트를 위해 W. 브리지스-아담스, 그리고 의상을 위해 조지 셰링엄휴고 럼볼트를 포함한 새로운 디자이너들을 데려오면서 그것들을 새로 고치기로 결심했습니다. 그는 또한 나중에 사보이 오페라의 오리지널 제작을 위해 길버트, 리처드 도일리 카르테와 함께 작업했던 퍼시 앤더슨의 새로운 의상을 의뢰했습니다.[126] Charles RickettsThe Mikado (1926)와 The Gondoliers (1929)를 위해 세트와 의상을 다시 디자인했습니다. 미카도를 위한 그의 의상은 1982년까지 모든 그 이후의 디자이너들에 의해 유지되었습니다. 1919년 8월 The Observer에서 한 인터뷰에서, 카르테는 오페라를 공연하기 위한 그의 정책을 세웠습니다: "그것들은 단어의 변경이나 최신의 것을 가져오려는 어떠한 시도 없이, 그것들의 원래의 형태로 정확히 연주될 것입니다."[127] 이 타협적이지 않은 선언은 이후 인터뷰에서 수정되었는데, 그는 "연극은 모두 다시 무대에 올려지고 있다. 길버트의 말은 변경되지 않을 것이지만 렌더링 방법에는 약간의 신선함이 있을 것입니다. 예술가들은 자신의 개성에 대한 범위가 있어야 하고, 새로운 가수들은 옛날에 성공한 사람들을 노예처럼 따라 할 수 없습니다."[64]

기념품 프로그램 커버, 1919-20 시즌

주요 회사는 1919-20 시즌 프린스 극장에서 런던으로 의기양양하게 돌아와 대부분의 길버트와 설리번 오페라를 레퍼토리로 연주하고 새로운 세트와 의상을 선보였습니다.[128] 이 시즌의 성공은 1921-22년, 1924년, 1926년에 런던 시즌을 추가로 이끌었고, 회사는 그 해의 나머지 기간을 순회했습니다.[125] 카르테의 첫 번째 런던 시즌은 오페라에 대한 새로운 관심을 자극했고, 1920년까지 그는 더 작은 마을들을 순회하는 두 번째, 더 작은 회사를 설립했습니다. 회사는 여러 투어를 동시에 운영하는 경우가 많았지만 1927년에 해체되었습니다.[126] 런던 시즌 동안, 카르테는 초대 지휘자인 제프리 토이, 그리고 말콤 서전트와 함께 설리번의 원고 악보를 검토하고 오케스트라 부분을 청소했습니다. 너무나도 놀라운 것은 사겐트가 만들어낸 관현악 소리여서 언론은 그가 악보를 다시 만졌다고 생각했고, 카르테는 그들의 오류를 바로잡아야 하는 즐거운 의무가 있었습니다. 타임스에 보낸 편지에서 그는 "오케스트라의 세부사항들이 너무 신선하게 들렸기 때문에 비평가들 중 일부는 그들이 실제로는 새로운 것이라고 생각했다"고 언급했습니다. 그 오페라는 바로 어젯밤 설리번이 쓴 것처럼 연주되었습니다."[129] 카르테는 또한 투어 회사에서 시작한 해리 노리스를 고용했는데, 그는 뮤지컬 감독이 되기 전에 토예의 조수였습니다.

1917년 이 회사는 길버트와 설리번 오페라인 '더 미카도'를 그라모폰 컴퍼니(후에 '마스터의 목소리'로 알려짐)를 위해 처음으로 완전 녹음했습니다.[n 9] 루퍼트 도일리 카르테(Rupert D'Oly Carte)는 1924년까지 8개의 어쿠스틱 녹음을 더 포함하여 1920년대 후반과 1930년대 초에 일련의 전기 녹음을 감독했습니다. 데카 레코드에는 1940년대 후반과 1950년대 초, 그리고 1950년대 후반과 1960년대 초에 스테레오 녹음이 있었는데, 모두 루퍼트가 사망한 후 그의 딸 브리짓 도일리 카르테가 감독했습니다.[131]

새 사보이 극장

1921 만화: 도일리 카르테 관객

루퍼트 도일리 카르테는 사보이 극장을 다시 디자인하기도 했습니다. 1929년 6월 3일 사보이는 문을 닫았고, 프랭크 A에 의해 디자인으로 완전히 재건되었습니다. 바질 이오나이데스의 장식이 있는 터그웰.[132] 오래된 집에는 3층이 있었고 새 집에는 2층이 있었습니다. 좌석 수는 986석에서 1,158석으로 늘렸습니다. 이 극장은 135일 후인 1929년 10월 21일 리케츠가 디자인하고 사겐트가 지휘하는 곤돌리에(The Gondoliers)[133]로 다시 문을 열었습니다.[134] 셰링엄은 H.M.S. Pinafore, The Penzance and Patients (1929, Rumbold에 의해 다른 디자인 기여)를 위해 그 시즌에 새로운 작품을 디자인했고,[135] 그는 나중에 Trial by JuriorIolanthe를 위한 의상을 디자인했습니다.[136]

사보이는 또한 1930-31, 1933, 1941, 1951, 1954, 1961, 1963-64, 1975년에 런던 시즌을 개최했습니다. 대부분 새들러 웰스(Sadler's Wells)와 같은 다른 극장에서의 런던 시즌은 1935년부터 1939년, 1942년, 1947년부터 1950년, 1953년, 1971년, 1975년, 1977년과 1980년, 그리고 1956년부터 57년, 1958년부터 59년, 1960년부터 61년, 1963년부터 64년, 1965년부터 66년, 1967년부터 68년, 그리고 1969년부터 70년과 1981년부터 82년 사이의 겨울 시즌을 포함했습니다.[137] 이 회사는 런던에 없을 때도 영국 지방과 해외를 계속 순회했으며, 이러한 순회 공연에는 런던 교외도 포함되는 경우가 많았습니다.[138] 1929년(1925년부터 조연출) 이시도레 고드프리(Isidore Godfrey)는 사보이 극장 100주년 시즌의 일부로 1968년까지 이 자리를 유지했으며 1975년 게스트로 이 회사를 지휘했습니다. Godfrey의 재임 기간 동안 객원 지휘자는 Sargent와 Boyd Neel이었습니다. 헨리 리튼(Henry Lytton)은 주요 코미디언으로 25년 만에 1934년에 은퇴했고, 회사는 새로운 주요 코미디언 마틴 그린(Martyn Green)과 함께 8개월 간의 북미 투어를 매우 성공적으로 마쳤습니다. 1938년에 많은 회사원들이 제프리 토이가 제작하고 지휘한 미카도의 테크니컬러 영화에 참여했습니다.[139]

1939년 9월 3일, 제2차 세계 대전이 발발하자 영국 정부는 모든 극장의 즉각적인 무기한 폐쇄를 명령했습니다. 카르테는 가을 투어를 취소하고 회사를 해체했습니다.[140] 극장들은 9월 9일부터 다시 문을 열 수 있었지만,[141] 회사를 다시 설립하는 데 몇 주가 걸렸습니다. 마틴 그린을 포함한 몇몇 공연자들은 이미 다른 곳에서 헌신했고, 그레이엄 클리포드는 그의 역할을 수행하기 위해 약혼했습니다. 이 회사는 1939년 크리스마스에 에든버러에서 투어를 재개했습니다.[142] 이 회사는 전쟁 내내 투어와 런던에서 공연을 계속했지만 1940년 독일의 폭격으로 콕스와 박스, 마법사, H.M.S. 피나포레, 아이다 공주와 루디고레의 다섯 공연 세트와 의상이 파괴되었습니다. 피나포레콕스와 박스의 오래된 작품들은 전쟁 직후에 다시 만들어졌고, 루디고레는 카르테가 계획했지만 그가 죽은 후에야 볼 수 있는 새로운 작품을 받았습니다. 다른 두 오페라는 회사 레퍼토리에 다시 참여하는 데 더 오랜 시간이 걸렸습니다.[n 10] 반면에, 첫 번째 전시 시즌으로, 카르테의 딸 브리짓의 제자인 피터 고핀은 1940년 1월에 처음 본 근위병의 여인들의 새로운 작품을 디자인했고, 그의 새로운 루디고어는 1948년에 데뷔했습니다. 1947년 미국으로 돌아온 것은 매우 성공적이었고, 회사는 빈번한 미국 방문을 재개했습니다.[139]

리케츠의 1926년 미카도 디자인

루퍼트는 1948년에 사망했고 딸 브리짓에게 강한 회사를 맡겼습니다.[145] 그녀는 곧 프레데릭 로이드를 총지배인으로 고용했습니다. Bridget과 Lloyd는 또한 의상과 풍경을 다시 디자인하기 위해 디자이너들을 끌어들이며 작품을 신선하게 유지하기 위한 조치를 취했습니다. 이 회사를 위해 여멘(1939)과 루디고어(1948)를 다시 디자인한 피터 고핀(Peter Goffin)은 6개의 작품을 더 제작하기 위해 브리짓을 위한 새로운 설정과 의상을 만들었습니다. 미카도 (1952년; 세팅만, 대부분의 유명한 리케츠 의상은 유지됨), 인내심 (1957년), 곤돌리에 (1958년), 트라이얼 바이 쥬리 (1959년), H.M.S. 피나포레 (1961년; 여성 의상) 그리고 이올란테 (1961년). 1954년에 제작된 아이다 공주의 새로운 작품은 제임스 웨이드에 의해 디자인되었습니다.[146] 그러나 Eleanor Evans는 1949년부터 1953년까지 회사의 무대 감독 중 한 명으로, 무대의 업데이트와 신선화를 꺼린다고 합니다.[147] 1957년 Goffin은 투어를 쉽게 하기 위해 회사를 위한 유닛 세트를 디자인하여 풍경을 운반하는 데 필요한 밴의 수를 20대에서 9대로 줄였습니다.[146] 1957년 《타임즈》에 실린 《여멘》의 리뷰는 "사보이 오페라의 지속적인 생명력"에 대해 찬사를 보냈으며, "오페라는 여전히 매혹적이며, 전반적으로 노래하는 것은 이전에 듣던 것보다 더 훌륭하고 음악적인 것 같다"고 언급했습니다. 그로부터 30년이 지난 지금, 그리고 그 연기는 그 당시의 풍부한 연기들 중 일부가 부족하지만, 아마도 그것은 더 나쁘지 않을 것입니다."[148] 1949년, 이 회사는 데카와 함께 전쟁 후 회사로 돌아온 그린을 주인공으로 하는 새로운 녹음 시리즈를 시작했고, 그의 후계자인 피터 프랫과 함께 시리즈를 이어갔습니다.[149] 이 회사는 1953년 영화 길버트와 설리번이야기의 제작에 협력했는데, 이 영화는 이 회사의 전 멤버들을 캐스팅에 사용했습니다. 1955년 회사는 첫 미국 제작 75주년을 기념하기 위해 7개월 동안 미국을 방문했습니다.[150] 1959년에 회사는 매 런던 시즌 마지막 저녁에 "어젯밤"을 여는 전통을 시작했습니다.[146]

말년과 폐막

길버트와 설리번 공연에 대한 도일리 카르테 독점이 끝나갈 무렵, 1961년 길버트의 말에 대한 저작권이 만료되었을 때(설리번의 음악은 1950년 말에 이미 저작권에서 벗어났습니다), 브리짓 도일리 카르테는 회사와 모든 자산을 독립적인 자선 신탁에 기부했습니다. 그녀는 회사의 풍경, 의상, 밴드 파트 및 기타 자산과 현금 기부금으로 신탁을 수여했으며 1982년 경제적 필요성으로 인해 회사가 문을 닫을 때까지 신탁을 대신하여 오페라 제작을 감독했습니다.[151] 알고 보니, 길버트와 설리번의 경쟁적인 전문 제작은 회사에 해를 끼치지 않았습니다.[152] 1959년부터 프랫의 후계자리드와 함께 오페라의 대부분을 재녹음하고,[n 11] 그 외 다수의 설리번 작품도 녹음했습니다. 1966년에 미카도 영화를 제작하였고, 1965년에 인내심(Panient)과 1973년에 H.M.S. Pinafore(H.M.S. Pinafore)의 제작을 텔레비전 방송에 녹화했습니다.[154] 또한 루디고레의 만화 영화 (1967)의 사운드트랙도 제공했습니다.[155] 1960년대에 이 회사는 다섯 번의 북미 투어를 제공했습니다.[156] 마이클 헤이랜드(Michael Heyland)라는 새로운 무대 연출가는 1969년에 고용되어 1978년까지 있었습니다.[157] 그의 새로운 작품들 중에는 1971년의 마법사, 1975년의 유토피아, 그리고 1977년의 이올란테가 있었습니다.[158][n 12]

1975년 3월과 4월, 새들러 웰스에서 런던 정규 시즌이 끝난 후, 이 회사는 2주간의 100주년 기념 공연을 위해 사보이 극장으로 옮겼습니다. 살아남은 13개의 길버트와 설리번 오페라는 모두 연대순으로 공연되었습니다. 쥬리의 재판마법사, 피나포어, 해적들에게 커튼 레이져로, 그리고 대공의 뒤를 잇는 작품으로 네 번이나 주어졌습니다.[156] 네 번의 트라이얼 공연 중 첫 번째 공연 전에 윌리엄 더글러스 이 특별히 쓴 드라마틱 라이선스(Dramatic License)라는 커튼 레이져를 리처드 도일리 카르트 역으로 피터 프랫, 길버트 역으로 샌드포드, 설리번 역으로 존 에일던이 연기했고, 길버트, 설리번, 카르트는 1875년 배심원단에 의한 트라이얼의 탄생을 계획했습니다. 해롤드 윌슨과 브리짓 도일리 카르테가 각각 짧은 연설을 했습니다.[160] 이번 시즌의 하이라이트는 Utopia Limited의 새로운 무대(후에 Royal Festival Hall에서 다시 제공)로, 이 회사의 첫 번째 부활이었습니다. The Grand Duke는 BBC 진행자인 Richard Baker에 의해 내레이션과 함께 콘서트 공연으로 주어졌습니다. 1971년부터 1979년까지 이 회사의 음악 지휘봉을 잡은 로이스턴 내쉬가 대부분의 공연을 지휘했으며, 이시도레 고드프리(피나포레)와 찰스 매케라스 경(해적미카도)이 객원 지휘자로 나섰습니다. 필립공과 앤드류는 곤돌리에를 보았습니다. 트라이얼 바이 쥬리의 마지막 공연에서, 일반적인 도일리 카르테 합창단은 이 회사의 14명의 전직 스타들에 의해 강화되었습니다. 실비아 세실, 엘시 그리핀, 아이반 멘지스, 존, 래들리 플린, 엘리자베스 니콜-린, 엘라 할만, 레너드 오스본, 신시아 모레이, 제프리 스키치, 앨런 바렛, 메리 샌섬, 필립 포터, 질리언 험프리스.[161][162] 1977년 엘리자베스 2세 여왕의 즉위 60주년 때 윈저 성에서 피나포레 왕립 지휘 공연을 열었습니다.[158]

1982년까지 이 회사는 1년에 평균 35주 동안(13주 런던 시즌 외에도) 20세기 전반에 걸쳐 순회하면서 "회사 내 결혼 건수와 많은 사람들이 오랫동안 이 회사에 머물렀다는 사실에 의해 강화된 강력한 가족 분위기"를 조성했습니다.[163] 수석 소프라노 발레리 마스터슨은 이 회사의 수석 플루티스트 앤드루 마치는 결혼했습니다. 그녀는 "사람들은 아파트나 집이 없었다… 투어는 당신의 삶이었다"고 설명했습니다.[164] 역사를 통해 회사는 엄격한 도덕적 기준을 유지했으며, 때때로 "Savoy Boarding School"이라고도 불리며 무대 안팎에서의 행동에 대한 정책을 시행하고 심지어 드레스 코드까지 시행했습니다.[165] 소프라노 신시아 모리(Cynthia Morey)는 예술가들이 회사에 대해 가지고 있는 강한 애정을 "회사의 창작자 길버트, 설리번으로부터 직접 내려온 독특한 가족 분위기에 기인합니다. 리처드 도일리 카르테, 그의 미망인 헬렌, 그의 아들 루퍼트, 그리고 마침내 그의 손녀 브리짓이 뒤를 이었습니다."[166] 회사는 또한 타임스가 "좋은 맛과 좋은 재미의 조합으로 요약될 수 있는 독특한 공연 스타일"이라고 부르는 것을 한 세기 이상 보존했습니다.[122]

까르떼 가족과 동료들을 기리는 사보이 호텔 앞 플랜터.

이 회사는 1970년에 덴마크를 방문했고 1974년에 로마를 방문했으며 1976년과 1978년에 마지막 미국 투어를 했습니다. 이 회사의 새로운 음악 감독인 프레이저 굴딩(Fraser Goulding)이 진행한 호주에서의 마지막 투어는 1979년에 성공적이었습니다.[156] 1979년 투어 이후, 일부 관대한 민간 기부에도 불구하고 정부 지원 없이 연중 전문 경극을 설치하는 비용이 증가하면서 회사는 손실을 점점 더 많이 입게 되었습니다.[167] 1980년 영국 예술 위원회의 음악 패널과 순회 위원회는 예술 위원회가 회사에 보조금을 줄 것을 권고했지만, 이 아이디어는 거절되었습니다.[168] 회사의 팬들은 사재를 마련하기 위해 노력했지만, 이것들은 가속화되는 손실을 만회하기에는 부족했습니다. 1981년 제작자 조지 워커는 길버트와 설리번 오페라를 모두 공연하는 회사를 촬영할 것을 제안했지만 철회했습니다.[169] Bridget D'Oly Carte는 리드와 마스터슨이 객원 아티스트로 돌아온 마지막 런던 시즌 이후 1982년 회사를 폐쇄해야 했습니다.[170] 1982년 2월 27일 아델피 극장에서 마지막 공연을 가졌습니다. 길버트와 설리번 오페라의 모든 곡이 포함된 이 공연의 3LP 녹음이 공개되었습니다.[171] 이 회사는 1875년 배심원단에 의한 재판(Trial by Jurious)이 시작된 이래 거의 107년 동안 지속적으로 운영되었습니다.[172] 폐업 후에도 회사의 생산량은 다른 회사의 생산량에 계속 영향을 미쳤습니다.[120]

회사의 부흥

Dame Bridget D'Oly Carte는 1985년에 사망했고, 그녀의 유언장에 회사가 다시 살아날 수 있도록 100만 파운드의 유산을 남겼습니다. 이 회사는 나중에 이사회 의장이 된 마이클 비숍 경(Sir Michael Bishop)으로부터 후원을 받았습니다. 비숍은 이후 이사회 의장, 버밍엄 시의회 의장, BMI 브리티시 미들랜드 항공(British Midland Airways의 의장)이 되었습니다. Richard Condon은 부활한 회사의 첫 총지배인으로 임명되었고, Bramwell Tovey는 그 회사의 첫 음악 감독이었습니다.[173] 다음 시즌에, The MikadoH.M.S. Pinafore의 회사 작품들이 Olivier Awards 후보에 올랐습니다.[174] 1988년부터 2003년까지 길버트와 설리번 오페라의 작품들을 런던과 투어에 올려놓았고, 오펜바흐, 레하르, 스트라우스의 여러 오페라를 제작했습니다. 매년 최대 12개의 오페라를 1년에 48주 동안 정기적으로 공연했던 원래의 회사와 달리, 새로운 회사는 일반적으로 더 짧은 계절에 한두 개의 오페라만 선보였습니다.[173] 첫 번째 시즌인 1988년에 연주된 오페라는 둘 다 길리안 나이트가 주연한 IolantheThe Yeomen of the Guard. 1988년 4월 29일 선덜랜드 엠파이어 극장에서 첫 선을 보였고, 투어를 거쳐 7월 런던 케임브리지 극장에서 개관했습니다.[175] 특히 새 회사의 음악적 측면에 대한 언론 공지는 좋았습니다. 무대 연출에 대한 의견은 분분했습니다. 옵저버는 이 작품들이 "오래된 도일리 카르테의 후기 작품보다 우수하다; 더 잘 디자인되고, 더 잘 조명되고... 더 잘 재생되고 더 잘 노래된다"고 생각했습니다.[176] 가디언지의 한 리뷰는 음악적 기준을 높이 평가하면서도 "길버트와 설리번은 음악적 오락만큼 연극적이고 시각적인 측면에서 할 일이 많이 남아 있다"고 덧붙였습니다.[177]

1989년에 선보인 두 개의 오페라는 미카도와 펜잔스의 해적입니다.[178] 새 회사의 처음 세 작품은 무대에서 대체로 전통적이었습니다. 그러나 해적단은 거대한 장난감 상자와 접을 수 있는 장난감 배를 설치하는 등 전통적인 프레젠테이션으로 휴식을 취했습니다.[179] 1990년 회사는 브리짓 도일리 카르테가 남긴 유산에 대한 배신이라고 불평한 오래된 회사의 팬들로부터 많은 비판을 받은 PinaforeTrial(엄청난 임신한 안젤리나 포함)의 캠피어 버전을 선보였습니다.[180] 다음 시즌에는 골이 깊게 파여진 무대 바닥, "돌발", "초현실적이고, 원색적이고, 각이 뚜렷한 세트", 기믹한 주의를 산만하게 하는 비즈니스, 일반적으로 "정상을 훨씬 넘어선" 것으로 간주되는 무대 연출이 포함된 곤돌리에 제작의 본격적인 프레젠테이션에서 더 출발했습니다. 그것은 "분노한 야유의 폭풍에 공개되었습니다."[181] 대부분의 비평가들은 제작에 대한 대중의 불만을 공유했습니다. 타임스는 "사학적인 소동과 유머가 없는 유머에서는 풍자적인 점이 사라진다"[182]고 썼습니다. 그러나 일부 비평가들은 "소녀들은 예쁘고 소년들은 잘생겼으며, 젊은 신선함으로 노래하고 춤을 춘다"고 언급하면서, 이 작품을 "폭동적이고, 미친 짓이며, 전복적인…"이라고 부르며 오래된 회사의 "나쁜 그리고 게으른" 전통을 쓸어버릴 때라고 생각했습니다.[181] 또한 1991년, 봄 전국 투어와 여름 런던 시즌의 패턴은 영향을 받지 않았지만, 버밍엄의 알렉산드라 극장으로부터 거점을 마련하자는 제안을 수락했습니다.[183] 1997년 버밍엄 극장의 자금을 삭감한 후, 회사는 울버햄튼에 있는 대극장으로 거점을 옮겼습니다.[184]

또 다른 계획은 Richard D'Oly Carte의 날 이후 처음으로 외국 오페라를 무대에 올리는 것이었는데, 이것은 D'Oly Carte의 첫 번째 공동 제작이 될 것입니다. 선정된 작품은 오페라 노스가 1992년, 도일리 카르테가 1993년 설리번 탄생 150주년 기념 35주간의 순회공연의 일환으로 선보인 지하세계오르페우스.[185] 이 혁신은 예술 위원회 보조금을 [186]받으며 환영을 받았고,[187] 이후 회사는 Die Fendermau (1994),[188] La Vie Parisien (1995)[189]The Count of Luxemburg (1997)를 선보였습니다.[190] 사보이 오페라 중에서 새로운 회사는 흥행 잠재력이 부족하다고 말하면서 마법사, 인내심, 아이다 공주, 루디고레, 유토피아, 대공을 무대에 올리지 않았습니다.[191]

새로운 회사는 이전 회사와 달리 인지도가 있는 스타일의 영구적인 앙상블이 아니었습니다.[121] 몇몇 공연자들은 몇몇 프로덕션에 출연했지만, 각 프로덕션은 종종 영국 텔레비전의 게스트 스타들이 주연으로 출연하여 다양한 성공 정도를 보이며 새롭게 캐스팅되었습니다.[192] 새로운 회사의 코러스와 오케스트라는 이전 회사의 코러스보다 훨씬 작았습니다: 코러스는 32개(또는 그 이상)에서 20개로, 오케스트라는 38개에서 24개로 줄었습니다.[191][193] 1998년 퀸즈 극장에서 공연된 해적단의 경우, 오케스트라는 더 작았습니다. 가디언지는 "그 구덩이에서 벌어지고 있는 일들은 기운을 잃고 있습니다. 예산 제약으로 인해 회사는 9명의 악기 연주자 밴드의 악보를 다시 써야 했습니다. 그들은 충분히 경기를 잘 하지만, 설리번의 패러디 하나하나가 그 영향력을 잃고 있습니다."[194] 이 회사는 1997년 예술위원회의 보조금을 지원받아 지속적인 운영을 위해 1998년부터 런던 시즌을 위해 Raymond Gubbay로부터 민간 자금 지원을 받았습니다. 희박한 힘에도 불구하고, 이 회사는 이안 마틴의 경영 아래 다음 5년 동안 대체로 호의적인 평가를 받았습니다.[195] 일부 녹음은 좋은 평가를 받았습니다.[196] 이러한 많은 녹음들은 또한 길버트와 설리번 혹은 회사에 의해 수십 년 동안 단절되었던 음악들을 복원합니다.[197] Gubbay는 2003년까지 과도한 헌신을 느껴서 손을 뗐습니다. 15년 후, 예술위원회의 자금 지원이 이루어지지 않은 채, 회사는 2003년 5월에 제작을 중단했습니다.[198]

이 회사는 2003년부터 2012년까지 휴면 상태였지만, 1990년대에 납부한 부가가치세의 환급을 성공적으로 청구하여 생산에 복귀하는 데 도움이 되었습니다.[199] 스코티시 오페라는 2013년 5월부터 7월까지 도일리 카르테 오페라단과 손잡고 '펜잔스의 해적들'의 영국 순회공연 작품을 제작했지만 후자의 회사가 제작진에서 어떤 역할을 맡았는지는 보도되지 않았습니다. 리차드 수아트는 스탠리 소장을 연기했고 니콜라스 샤랫은 프레데릭을 연기했습니다.[200] 데일리 텔레그래프, 가디언, 타임즈는 각각 별 다섯 개 중 세 개를 제작사에 주었습니다.[201] 회사는 2016년 5월부터 7월까지 스코틀랜드 오페라와 공동 제작했으며, 마틴 로이드-에반스가 연출하고 수아트, 샤랫, 앤드류 쇼어, 레베카 드 폰 데이비스, 레베카 보톤이 출연했습니다.[202][203] 2019년 11월 26일, 도일리 카르테는 울버햄튼의 대극장에서 길버트와 설리번의 저녁 공연을 열었습니다. 이 회사는 1894년 유토피아, 리미티드의 공연으로 그랜드를 열었고 극장의 125년 역사를 통해 그곳으로 돌아왔습니다.[204] 2021년과 2022년에 이 회사는 Suart, Yvonne Howard, William Morgan, Mark Nathan, Charlie Drummond, Ben McCateer, Sioned Gwen Davies, State-Davies, State-Dress 버전Utopia공동 제작했습니다. 아서 브루스, 캣리오나 휴잇슨, 댄 셸비.[205]

인내의 번손 역의 조지 그로스미스

주요 출연자

길버트와 설리번 애호가들은 도일리 카르테 오페라단의 주요 코미디언들의 이름을 자주 사용하여 그 회사의 역사의 시기를 언급합니다.[206] 그래서 1875년에 배심원에 의한 재판에서 학식 있는 판사의 역할을 만든 설리번의 형 프레드가 갑자기 사망한 후, 1877년에 무명의 조지 그로스미스가 영입되었습니다. 그로스미스가 1889년에 회사를 떠나기 전에, 그는 9개의 오페라에서 주요 코믹 역할을 만들었고, 그래서 그 오페라에서 주요 코미디언 부분은 종종 "그로스미스" 역할이라고 불립니다.[206] 오페라의 원작에서 긴 시리즈의 역할을 만든 다른 공연자들은 바리톤 러틀랜드 배링턴, 메조소프라노 제시 본드, 소프라노 레오노라 브라햄, 로지나 브랜드람과 대조되는 테너 더워드 릴리, 베이스 바리톤 리처드 템플을 포함했습니다. 원래의 뉴욕시 작품들과 영국 투어 작품들에서, 소프라노 제랄딘 울마르, 바리톤 시뇨르 브로콜리니, 코믹한 조지 손, 베이스 바리톤 프레드 빌링턴이 특히 유명해졌습니다.[207]

그랜드 듀크에서 루돌프 역으로 패스모어

그로스미스가 회사를 떠난 후, 길버트의 남은 생애 동안 그의 역할 중 가장 주목할 만한 선수는 월터 패스모어(1894년부터 1903년까지 주요 코미디언)와 찰스 H였습니다. 워크맨은 1897년부터 회사 투어에서 역할을 맡았고 1906년에서 1909년 사이에 사보이에서 주요 코미디언으로 취임했습니다.[208] 이 두 연주자 모두 사보이 오페라의 노래를 녹음했습니다. 패스모어 시대에 이 회사의 주요 연주자들은 브랜드람과 배링턴을 비롯해 테너 로버트 이벳, 소프라노 이사벨 제이, 소프라노 루스 빈센트, 플로렌스 세인트를 포함했습니다., 테너 쿠르티스 파운드와 그의 여동생 메조소프라노 루이 파운드. 워크맨의 재임 기간 동안, 주요 연주자들은 루이 르네, 소프라노 클라라 다우, 레오 셰필드, 그리고 어린 헨리 리튼을 포함했습니다. 1920년대까지 이 회사의 활동적인 멤버들을 포함하는 오페라에 대한 완전한 녹음은 이루어지지 않았습니다. 워크맨과 W.S. 길버트는 1909년 폴른 요정들의 제작에 대해 논쟁을 벌였고, 길버트는 워크맨이 영국에서 그의 작품에 출연하는 것을 금지했습니다. 그렇지 않았다면 워크맨은 회사의 주요 코미디언으로 계속 활동했을 가능성이 높습니다.[209] 루퍼트 도일리 카르테는 1919년 워크맨에게 주요 코미디언으로 회사에 복귀할 것을 요청하는 편지를 썼지만 워크맨은 거절했습니다.[210]

1909년부터 1934년까지 주요 코미디언은 헨리 리튼(Henry Lytton)으로 1887년부터 꾸준히 다양한 역할을 수행해 왔습니다. 그는 회사에 오래 재직하는 동안의 성과로 기사 작위를 받았습니다.[211] 리튼의 목소리는 그의 후기 경력 동안 악화되었고, HMV가 제1차 세계 대전 이후 오페라의 일련의 완전한 녹음에 착수했을 때, 그는 그의 대부분의 역할을 녹음하도록 초대받지 못했습니다. 대신 콘서트 가수 조지 베이커를 대리인으로 데려왔습니다. 이 시기의 다른 공연자들로는 메조소프라노 넬리 브리어클리프, 베이스 바리톤 대럴 팬코트, 베사 루이스, 테너 데릭 올덤, 소프라노 엘시 그리핀, 바리톤 레오 셰필드, 시드니 그랜빌 등이 있습니다.[212]

1901년 헨리 리튼

리튼은 1939년 말부터 1946년까지 Graham Clifford가 그를 대체한 것을 제외하고 1951년까지 주요 코믹 파트를 연기했던 Martyn Green에 의해 1934년 승계되었습니다.[213] 그린의 회사에서의 시간은 오페라의 초기 데카 녹음으로 기억됩니다.[214] 그린의 재임 기간 동안, 오랜 기간 동안 활동했던 팬코트 외에도, 주요 연주자들은 바리톤 리처드 워커, 소프라노 헬렌 로버츠, 메조소프라노 마조리 에어, 바리톤 레슬리 랜드스, 그리고 엘라 할만과 대조를 이룹니다.[215] 그린의 뒤를 이어 피터 프랫(Peter Pratt)이 1959년 회사를 떠났는데, 그는 8년 넘게 주요 코미디언으로 활동하다가 아직 36살 밖에 되지 않았습니다.[216] 프랫의 임기 동안, 교장들은 베이스 바리톤 도널드 애덤스, 테너 레너드 오스본(후에 회사의 제작을 감독한), 앤 드러먼드 그랜트, 메조소프라노 조이스 라이트와 대조적인 인물들을 포함했습니다.[217]

프랫의 후임자는 20년 동안 주요 코미디언으로 활동했던 존 리드였습니다.[156] 이 시대의 다른 스타들은 토마스 라운드, 도날드 애덤스, 질리언 나이트, 발레리 마스터슨, 케네스 샌드포드 등이며, 마지막을 제외하고는 모두 코벤트 가든, 새들러 웰스, 잉글리시 내셔널 오페라, 엑상 프로방스 등의 더 넓은 오페라 무대를 위해 회사를 떠났습니다.[218] 리드가 1979년 회사를 떠났을 때, 1982년 회사가 문을 닫을 때까지 그의 제자인 제임스 콘로이-워드가 자리를 잡았습니다.[219]

1988년부터 부활한 회사는 각 프로덕션에 게스트 아티스트를 사용했습니다. 가장 자주 볼 수 있었던 주요 코미디언들은 에릭 로버츠와 리처드 수아트였는데, 그들은 모두 다른 오페라단에서 "Grosmith" 역할을 맡기도 했습니다.[220][221] 다른 사람들은 샘 켈리, 재스퍼 캐롯, 사이먼 버터리스를 포함했습니다.[222]

대중문화의 참고문헌

1948년 플랑드르와 스완은 "In the D'Oly Cart"라는 노래를 작곡했는데, 이 노래는 회사와 반복되는 것으로 비난 받는 "비즈니스"와 제스쳐에 대한 풍자입니다. 이 노래는 오페라 오렌지와 레몬 (1948)에서 처음 공연되었고 페니 플레인 (1951)에서 부활했습니다. 이 곡은 1974년에 방송되었고 1975년 플랑드르와 스완 앨범의 첫 번째 트랙으로 수록되었습니다.[223]

A "G. & S. 칵테일"이라고 불리는 단막 패러디, 혹은 Lauri Wylie가 Herman Finck의 음악과 함께 쓴 혼합 사보이 그릴은 1925년 3월 9일 런던 히프롬에서 더 나은 날들의 일부로 초연되었습니다. BBC에서도 방송을 했습니다.[224] 그것은 도일리 카르테 테너가 겪은 악몽에 관한 것이었습니다.[225][226] 이 회사는 1937년 뮤지컬 "I'd Watter Be Right"에 언급되어 있으며, 로저스 & 하트악보와 조지 S. 카우프만과 모스 하트의 책이 있습니다.[227]

1953년 영화 길버트와 설리번 이야기는 길버트와 설리번에 관한 전기 영화이며, 1870년대와 1880년대의 많은 제작물뿐만 아니라 리처드 도일리 카르테와 도일리 카르테 오페라단의 많은 구성원들을 묘사합니다.[61] Mike Leigh가 감독한 1999년 영화 Topsy-Turvy 또한 Mikado의 작곡과 제작에 이르기까지의 사건에 초점을 맞추어 회사를 묘사하고 있습니다. 영화는 엠파이어가 1만 명의 독자를 대상으로 투표를 실시한 2008년의 역대 가장 위대한 영화 500편 목록에 올랐습니다.[228]

도일리 카르테 오페라단이 사용한 의상을 입은 사보이 오페라의 등장인물들을 묘사한 일련의 담배 카드들이 플레이어의 담배 회사에 의해 발행되었고,[229] 도일리 카르테 공연자들의 사진이나 삽화, 오페라의 장면들과 함께 수많은 엽서들이 출판되었습니다.[230] 런던의 한 어린이 연극단은 "오일 카트"라고 불리는데, 이 연극단의 이름을 딴 연극입니다.[231]

노트, 참조 및 출처

메모들

  1. ^ 길버트와 설리번의 유일한 이전 협업인 Thespis(1871)는 다른 경영진을 위한 크리스마스 엔터테인먼트였고, 약간의 영향만 미쳤습니다.[5]
  2. ^ 작곡가의 형 프레드 설리번은 콕스를 연기했습니다.[6]
  3. ^ 문제는 1879년 7월 31일 오페라 코미크의 임대와 함께 이 회사가 작가들과 맺은 계약이 만료된 것인지 여부로 이어졌습니다. 법원은 그렇게 결정했습니다.[44]
  4. ^ 브래들리는 영국 아마추어 회사들의 로열티가 박스오피스의 10%에 밴드 부품과 안내책자에[69] 대한 고용 비용을 더한다고 지적했습니다.
  5. ^ 를 들어, Times는 H.M.S. Pinafore를 호의적으로 검토하면서 그럼에도 불구하고, "우리는 다른 모든 사람들보다 국립 음악 학교의 가능성이 먼저 좌우되는 작곡가가 자신을 아무리 매력적인 작품에 한정해야 한다는 것에 대해 유감의 말을 할 수 없습니다. 성취되고 진지한 예술가의 노력을 받을 가치가 거의 없습니다."[78]
  6. ^ 뮤지컬 극장에서 가장 오래 공연된 작품은 1886년 도로시의 기록적인 공연까지 그 자리를 지켰던 오페레타 레 클로체 드 코르네빌(Les Cloches de Corneville)이었습니다.[85]
  7. ^ 크레이븐은 일찍이 아이다 공주의 2막 세트를 디자인했습니다.[87]
  8. ^ 카르테의 큰 아들 루카스는 변호사였고 가족 사업에 참여하지 않았습니다. 그는 1907년 34세의 나이로 결핵으로 세상을 떠났습니다.[123]
  9. ^ 녹음은 "D'Oly Carte"라는 이름으로 발행되었지만, 실제로 녹음에 참여한 가수들 중에는 회사의 멤버가 없었습니다.[130]
  10. ^ 피나는 1947년 7월에, 콕스와 박스는 1947/48 시즌에, 루디고어는 1948년 11월에, 아이다 공주는 1954년 9월에 레퍼토리에 재진입했습니다.[143] 마법사는 1971년 4월이 되어서야 부활했습니다.[144]
  11. ^ 다른 가수들은 도날드 애덤스, 진 힌드마쉬, 질리언 나이트, 발레리 마스터슨, 토마스 라운드, 케네스 샌드포드[153] 포함했습니다.
  12. ^ 마법사오스버트 랭커스터의 의상과 세트 디자인을 가지고 있었습니다.[159]

참고문헌

  1. ^ a b c d e f g 제이콥스, 아서. "카르트, 리처드 도일리 (1844–1901)"는 2020년 8월 30일 웨이백 머신보관되었습니다. 옥스퍼드 국립 전기 사전, 옥스퍼드 대학교 출판부, 2004년 9월 12일 접속 (구독 또는 영국 공공도서관 회원 필수)
  2. ^ "우리의 대표자" 펀치, 1874년 10월 10일 151쪽
  3. ^ 관찰자, 1874년 8월 23일 3페이지
  4. ^ Ainger, 108–109쪽; Joseph (1994), 11쪽; 그리고 Stedman, 128–130쪽
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