실험 영화

실험 영화, 실험 영화 또는 아방가르드 영화는 영화적 관습을 엄격하게 재평가하고 전통적인 이야기나 ^[2]작업 방법에 대한 비내러티브 형식이나 대안을 탐구하는 영화 제작 방식이다.많은 실험 영화들, 특히 초기 작품들은 다른 분야의 예술과 관련이 있거나, 그림, 춤, 문학, ^[3]시와 같은 새로운 기술 ^[4]자원의 연구와 개발에서 비롯된다.

일부 실험 영화들은 주류 채널을 통해 배급되거나 심지어 상업 스튜디오 내에서 제작되었지만, 대부분은 최소한의 제작진이나 1인만으로 매우 낮은 예산으로 제작되었으며, 자기 자금으로 제작되거나 소액의 ^[5]보조금을 통해 지원되었습니다.

실험 영화 제작자들은 보통 아마추어에서 시작하며, 일부는 실험 영화를 상업적인 영화 제작이나 학술적인 직책으로의 전환의 발판으로 사용합니다.실험 영화 제작의 목적은 상업 영화처럼 ^[6]예술가의 개인적 비전을 표현하거나 재미를 주거나 수익을 창출하기보다는 새로운 기술에 대한 관심을 촉진하는 것일 수 있습니다.

정의.

실험 영화라는 용어는 주류 상업 및 다큐멘터리 영화 제작의 관행과 자주 다르거나 종종 반대되는 다양한 영화 제작 스타일을 묘사합니다.아방가르드도 프랑스, 독일, 러시아 등지에서 20년대에 촬영된 영화들에 이 작품을 묘사하기 위해 사용되고 있으며, 60년대에 언더그라운드가 사용되었지만 다른 의미도 있었다.오늘날 "실험 영화"라는 용어가 널리 쓰이고 있는데, 왜냐하면 문화 분야에서 아방가르드적인 움직임 없이 실험 영화를 만드는 것이 가능하기 때문이다.

"실험적"이 광범위한 연습을 포괄하는 반면, 실험 영화는 종종 선형 서술의 부재, 초점이 맞지 않는 다양한 추상화 기법, 필름의 페인팅 또는 스크래치, 신속한 편집, 비동기적(비다이제틱) 사운드의 사용 또는 심지어 사운드 트랙의 부재로 특징지어진다.목표는 종종 관객들을 영화에 대해 보다 적극적이고 사려 깊은 관계로 만드는 것이다.적어도 1960년대까지는, 그리고 그 이후에도, 많은 실험 영화들은 주류 문화에 대해 반대 입장을 취했다.

대부분의 실험 영화들은 아주 적은 예산으로 제작되고, 자기 자금으로 제작되거나, 소규모의 보조금을 통해 제작되며, 극소수의 제작진이나, 종종 단 한 명의 제작진만 출연하기도 한다.일부 비평가들은 많은 실험 영화가 더 이상 사실 "실험적"이 아니라 사실 주류 영화 ^[7]장르가 되었다고 주장해왔다.영화의 구성에 대한 비내러티브, 인상주의 또는 시적 접근과 같은 보다 전형적인 특징들은 일반적으로 "실험적"^[8]으로 이해되는 것을 정의한다.

유럽 아방가르드의 역사

시작

1920년대에, 두 가지 조건이 유럽으로 하여금 실험 영화의 출현을 준비하게 만들었다.첫째, 영화는 대중매체로 성숙했고 대중 오락에 대한 고상한 거부감이 사라지기 시작했다.둘째, 시각예술의 아방가르드 운동이 번성했다.다다이스트와 초현실주의자들은 특히 영화를 보러 갔다.프란시스 피카비아, 마르셀 뒤샹, 맨레이가 출연한 르네 클레어의 엔트락테(1924년)는 에릭 사티의 음악과 함께 매드캡 코미디를 비시퀀스로 만들었다.

예술가 한스 리히터, 장 콕토, 마르셀 뒤샹, 저메인 둘락, 바이킹 에글링은 모두 다다이스트/수르리얼리즘 반바지에 기여했다.Fernand Leger, Dudley Murphy, Man Ray는 다다이스트,^{[citation needed]} 큐비스트 또는 퓨처리스트로 묘사된 영화 Ballet Mécanique를 만들었다.뒤샹은 추상영화 아네믹 시네마를 만들었다.

Alberto Cavalcanti는 Rien que le heures(1926), Walter Ruttmann은 베를린을 감독했습니다. 메트로폴리스 교향곡(1927년)과 지가 베르토프는 각각 파리 베를린 키예프의 실험적인 도시 교향곡인 영화 카메라를 든 남자(1929년)를 촬영했다.

유명한 실험 영화는 루이스 부뉴엘과 살바도르 달리의 운첸달루이다.한스 리히터의 애니메이션 반바지, 오스카 피싱거의 추상 영화, 렌 라이의 GPO 영화는 보다 추상적인 유럽 아방가르드 영화의 예이다.^[9]

프랑스.

프랑스에서 활동하면서, 다른 영화 제작자 그룹도 후원금을 내고 씨네 클럽을 통해 영화를 배급했지만, 그것들은 아방가르드 학파에 얽매이지 않은 이야기 영화였다.영화학자 데이비드 보드웰은 이러한 프랑스 인상파 화가들을 아벨 캉스, 장 엡스타인, 마르셀 르비에, 그리고 디미트리 키르사노프를 포함시켰다.이 영화들은 이야기 실험, 리드미컬한 편집과 카메라 워크, 그리고 캐릭터 주관성에 대한 강조를 결합한다.^[10]

1952년 프랑스 레트리스트 아방가르드 운동이 칸 영화제에서 폭동을 일으키면서 이시도르 이수 감독의 '독과 영원의 특성'이 상영됐다.1952년 파리에서 열린 '채플린 라이트' 기자간담회에서 찰리 채플린을 비판한 후, 이 운동 내에는 분열이 있었다.울트라 레트리스트들은 영화의 종말을 선언하고 그들의 새로운 하이퍼그래픽 기술을 보여주었을 때 계속해서 혼란을 야기했다; 가장 악명 높은 예는 1952년의 드 사데를 지지하는 가이 데보드의 하울링이다.

소비에트 연방

소련 영화제작자들 역시 몽타주 이론에서 모더니즘 회화와 사진의 대항마를 찾았다.지가 베르토프, 세르게이 아이젠슈타인, 레프 쿨레쇼프, 알렉산더 도브젠코, 그리고 브세볼로드 푸도프킨의 영화는 고전 할리우드에 의해 제공된 모델로부터 다른 모델을 제공하는데 중요한 역할을 했다.실험영화는 아니지만 아방가르드 영화 언어에 기여했다.^[11]

전후 미국의 아방가르드: 실험 영화의 탄생

미국은 2차 세계대전 전에 찰스 쉴러와 폴 스트랜드 감독의 맨하타(1921년), 슬라브코 보카피치와 로버트 플로리의 9413년의 삶과 죽음: 할리우드 엑스트라(1928년)와 같은 아방가르드 영화들이 있었다.하지만, 전쟁 전의 많은 실험 영화 문화는 종종 고립된 채 영화 프로젝트에서 일하는 예술가들로 구성되었다.1930년대 초, 화가 엠렌 에팅(1905-1993)은 실험적인 것으로 여겨지는 댄스 영화를 감독했다.상업 예술가 (새터데이 이브닝 포스트)와 일러스트레이터 더글러스 크록웰 (1904–1968)^[12]은 뉴욕 ^[13]글렌스 폴스에 있는 자신의 스튜디오에서 유리 사이에 물감 방울을 눌러가며 애니메이션을 만들었습니다.

뉴욕 로체스터에서, 의사이자 자선가인 제임스 시블리 왓슨과 멜빌 웨버는 The Fall of the House of Usher (1928)와 Lot in Sodom (1933)을 감독했다.Harry Smith, Mary Ellen Bute, 예술가 Joseph Cornell, 그리고 Christopher Young은 유럽의 영향을 받은 여러 실험 영화를 만들었다.스미스와 부테는 오스카 피싱거의 영향을 받았고 많은 아방가르드 애니메이터와 영화제작자들이 영향을 받았다.1930년, 잡지 Experimental Cinema가 ^[14]발행되었다.편집자는 루이스 제이콥스와 데이비드 플랫이었다.2005년 10월, 그 시대의 많은 영화 컬렉션이 복원되어 DVD로 재발매되었다. "Unseen Cinema: Early American Avant Garde Film 1894-1941"^[15]이라는 제목이다.

슬라브코 보르카피치와 함께, 존 호프만은 두 개의 시각적인 음색시, 즉 '무드 오브 더 씨'와 '숲의 속삭임'을 만들었다.전작의 배경은 펠릭스 멘델스존의 헤브리데스 서곡이며 2004년 영화 보존 전문가 데이비드 셰퍼드에 의해 복원되었다.

마야 데렌과 알렉산더 해미드가 만든 메쉬 오브 더 애프터눈(1943)은 초기 미국 실험 영화이다.그것은 16mm의 자체 제작과 배급 모델을 제공했고, 곧 Cinema 16과 다른 영화 협회에 의해 채택되었다.마찬가지로 중요한 것은 실험영화가 할 수 있는 미학적 모델을 확립했다는 점이다.메시는 장 콕토와 초현실주의자들에게 귀를 기울이는 꿈 같은 느낌을 가졌지만, 똑같이 개인적이고 새롭고 미국인처럼 보였다.케네스 앵거, 스탠 브라케지, 셜리 클라크, 그레고리 마코풀로스, 요나스 메카스, 윌러드 마스, 마리 멘켄, 커티스 해링턴, 시드니 피터슨, 리오넬 로고신, 그리고 얼 M. 필그림의 초기 작품들도 비슷한 맥락으로 이어졌다.의미심장하게, 이 영화 제작자들 중 많은 수가 로스엔젤레스와 뉴욕에서 설립된 선구적인 대학 영화 프로그램의 첫 번째 학생들이었다.1946년, 프랭크 스타우퍼허는 샌프란시스코 현대 미술관에서 실험 영화 "아트 인 시네마" 시리즈를 시작했는데, 그곳에서 오스카 피싱거의 영화가 몇몇 특별 프로그램에 소개되었고, 조던 벨슨과 해리 스미스 같은 예술가들에게 실험 애니메이션을 만들도록 영향을 주었다.

그들은 블랙마운틴 칼리지(현재는 사라짐)와 샌프란시스코 아트 인스티튜트에 "대체 영화 프로그램"을 설치했다.아서 펜은 블랙 마운틴 칼리지에서 가르쳤는데, 블랙 마운틴 칼리지에서는 아방가르드족과 상업은 결코 만나지 않는다는 예술계와 할리우드의 일반적인 오해를 지적한다.이러한 오해에 대한 또 다른 도전은 니콜라스 레이와 비도르 왕 모두 그들의 할리우드 경력이 끝난 후 인생의 후반기에 아방가르드 영화를 만들었다는 것이다.

영화 이론가 P. 애덤스 시트니는 "비전 영화"의 개념을 제공하며, 1943년부터 2000년대까지 ^[16]미국 아방가르드 지역에서 실험 영화의 역사적 형태학을 묘사하기 위해 신화 영화, 구조 영화, 트랜스 영화, 참여 영화 등 몇 가지 장르 카테고리를 발명했다.

뉴아메리칸 시네마와 구조-물질주의

영화 사회와 자기 자금 모델은 이후 20년 동안 계속되었지만, 1960년대 초에는 미국의 아방가르드 영화 제작자들의 작품에서 다른 견해를 볼 수 있게 되었다.마이클 스노우, 할리스 프램튼, 켄 제이콥스, 폴 샤리츠, 토니 콘래드, 그리고 어니 게일과 같은 영화 제작자들은 P에 의해 고려된다. 아담스 시트니는 그가 "구조 영화"라고 부르는 것의 핵심 모델이 될 것이다.시트니는 구조용 필름의 핵심 요소는 고정 카메라 위치, 깜박임 효과, 스크린 외 사진 재촬영, 루프 인쇄라고 말합니다.예술가 브루스 코너는 영화 (1958년)와 우주 레이 (1962년)와 같은 초기 사례들을 만들었다.시트니가 지적한 바와 같이, 스탠 브라케이지와 초기 미국 실험주의자들의 작품에서, 영화는 문학에서 최초의 인물과 동등한 영화인 제작자의 개인의 의식을 표현하기 위해 사용된다.Brakhage의 Dog Star Man(1961-64)은 개인적인 고백에서 추상화로의 전환을 예시했고, 또한 그 시대의 미국 대중 문화에 대한 거부감을 증명했다.한편, 케네스 앵거는 때때로 뮤직비디오에 대한 기대라고 불리는 그의 전갈자리 라이징 (1963년)에 록 사운드 트랙을 추가했고, 할리우드 신화에 대한 캠프 해설을 포함시켰다.잭 스미스와 앤디 워홀은 캠프 요소를 그들의 작품에 포함시켰고 시트니는 워홀이 구조 영화와의 연관성을 가정했다.

일부 아방가르드 영화 제작자들은 이야기에서 더 멀어졌다.New American Cinema가 추상화, 캠프, 미니멀리즘에 기초한 서술에 대한 비스듬한 견해에 의해 특징지어진 반면, Hollis Frampton과 Michael Snow와 같은 구조 물질주의 영화 제작자들은 매체 자체를 전제로 하는 매우 형식주의적인 영화를 만들었다: 틀, 투영, 그리고 가장 중요한 시간.비록 프램튼의 후기 작품들이 에드워드 웨스턴, 폴 스트랜드 등의 사진에 큰 빚을 지고 있고, 사실 환상을 찬양하고 있지만, 필름을 맨손으로 분해함으로써 그들은 반 환멸주의 영화를 만들려고 노력했다는 주장이 있다.게다가, 많은 영화 제작자들이 P에 의한 Film Culture의 기사 발표 이후 다소 학술적인 "구조 영화"를 만들기 시작했다.1960년대 후반 애덤스 시트니는 기사에 언급된 많은 영화 제작자들이 이 용어에 반대했다.

구조주의자들에 대한 비판적인 리뷰는 아트 저널 아트 인 아메리카 2000년호에 실렸다.그것은 영화 제작의 보수적인 철학으로서 구조 형식주의를 검토했다.

1960~70년대 및 현재:개념 예술 풍경에서의 시간 예술

1970년대에, 개념 예술은 더 멀리 나아갔다.캘리포니아에 기반을 둔 예술가인 로버트 스미스슨은 그의 토공과 부속 프로젝트에 대한 몇 편의 영화를 만들었다.오노 요코가 컨셉트 영화를 만들었다.그 중 가장 악명 높은 것은 Rape로, 한 여성이 도망치려 할 때 카메라로 침입당하는 것에 초점을 맞추고 있다.이 무렵, 새로운 세대가 이 분야에 진출하고 있었는데, 그들 중 다수는 초기 아방가르드주의자들의 제자였습니다.레슬리 손튼, 페기 아웨쉬, 수 프리드리히가 구조주의자들의 작업을 확장하여 자기반사적 형태를 유지하면서 더 넓은 범위의 콘텐츠를 통합했습니다.

팝아트의 배후에 있는 남자이자 다른 다양한 구술과 예술의 형태인 앤디 워홀은 1960년대 내내 60편이 넘는 영화를 만들었는데, 대부분은 실험적인 영화였다.최근 몇 년간 크레이그 볼드윈과 제임스 오브라이언(하이퍼퓨투라)과 같은 영화 제작자들은 사회정치적 함축성이 강한 매시업 시네마의 형태로 라이브 액션 내러티브와 결합된 스톡 영상을 사용해 왔다.크리스 마커의 '라 제테'(1962)는 대부분 내레이션을 수반하는 스틸 사진들로 구성되어 있으며, 요나스 쿠아론의 '못의 해'(2007)는 감독이 친구와 가족의 모습을 촬영한 무연기 사진을 사용해 허구적인 이야기를 들려준다.이 기법으로 21세기에 만들어진 영화의 다른 예로는 라스 폰 트리에의 도그빌과 데이비드 린치의 전체 필모그래피가 있다.

페미니스트 아방가르드 및 기타 정치적 오프쇼트

Laura Mulvey의 집필과 영화 제작은 전통적인 할리우드 서사가 성 규범과 가부장적 시선을 강화한다는 생각에 기초한 페미니스트 영화 제작의 번영을 시작했다. 페미니스트그들의 반응은 그 균열과 모순을 보여주는 방식으로 서술에 저항하는 것이었다.Chantal Akerman과 Sally Potter는 1970년대에 이러한 방식으로 작업한 대표적인 페미니스트 영화 제작자들 중 두 명일 뿐이다. 페미니스트비디오 아트는 이 시기에 매체로 등장했고, 마사 로슬러와 세실리아 콘딧과 같은 페미니스트들은 그것을 최대한 활용했다.

1980년대 페미니스트, 바바라 해머, 수 프리드리히, 트레이시 모팻, 새디 베닝, 아이작 줄리앙과 같은 영화 제작자들이 정체성 정치에 대한 그들의 질문에 도움이 되는 실험 형식을 찾으면서 게이와 다른 정치적 실험 작업이 계속되었다.

퀴어 운동은 1990년대에 G.B. 존스(운동의 창시자)와 후에 스콧 트릴리븐과 같은 실험적인 퀴어 영화 제작자들을 탄생시켰다.

대학 실험 영화

커티스 해링턴을 포함한 극소수의 예외를 제외하고, 이러한 초기 운동에 참여한 예술가들은 주류 상업 영화 및 엔터테인먼트 산업 밖에 남아 있었다.몇몇은 가끔 가르쳤고, 그리고 1966년부터 많은 사람들이 뉴욕 주립 대학, 바드 칼리지, 캘리포니아 인스티튜트 오브 더 아트, 매사추세츠 칼리지 오브 아트, 콜로라도 대학교 앳 볼더, 샌프란시스코 아트 인스티튜트와 같은 대학에서 교수가 되었다.

많은 실험 영화 제작자들은 비록 그들의 상영은 명성이 높지만 사실 대학 학위를 가지고 있지 않다.일부는 아카데미에서 만들어진 영화의 상태에 대해 의문을 제기했지만, Stan Brakhage, Ken Jacobs, Ernie Gher, 그리고 많은 다른 영화 교수들은 가르치는 동안 계속해서 그들의 관행을 다듬고 확장시켰다.그러나 실험 영화를 영화 강좌와 표준 영화사에 포함시킴으로써 이 작품은 더 널리 알려지고 더 쉽게 접근할 수 있게 되었다.

전시 및 배포

1946년부터 프랭크 스타우파허는 샌프란시스코 현대미술관에서 실험적이고 아방가르드적인 영화의 "아트 인 시네마" 프로그램을 운영했습니다.

1949년부터 1975년까지 벨기에 Knokke-Heist에 위치한 국제 영화제는 세계에서 가장 유명한 실험 영화 축제였다.그것은 1958년 Brakhage의 영화와 다른 많은 유럽과 미국의 영화 제작자들과 함께 미국의 아방가르드의 발견을 허락한다.

1947년부터 1963년까지 뉴욕에 본사를 둔 시네마 16은 미국에서 실험 영화의 주요 전시 및 배급사 역할을 했다.Amos Vogel과 Marcia Vogel의 지도 아래, Cinema 16은 다큐멘터리, 아방가르드, 과학, 교육, 공연 영화를 계속 증가하는 ^[17]관객들에게 전시하는 비영리 회원 협회로 번창했습니다.

1962년, 조나스 메카스와 약 20명의 다른 영화 제작자들은 뉴욕에서 영화 제작 협동조합을 설립했다.곧 비슷한 예술가 협동조합이 다른 곳에도 결성되었습니다.샌프란시스코의 캐니언 시네마, 런던 영화 제작자 협동조합, 캐나다 영화 제작자 배급 센터.

시네마 16의 모델에 따라, 실험 영화들은 주로 상업 극장들, 마이크로 시네마, 박물관, 미술관, 아카이브, 영화제에서 전시되어 왔다.^[18]

유럽과 북미에 있는 몇몇 다른 단체들은 실험 영화를 개발하는 것을 도왔다.여기에는 뉴욕시의 앤솔로지 필름 아카이브, 밀레니엄 필름 워크샵, 런던의 영국 영화 연구소, 캐나다 국립 영화 위원회, 콜렉티브 포 리빙 시네마가 포함되었다.

앤아버 영화제, 뉴욕 영화제 '아방가르드에서의 풍경' 사이드바, 국제영화제 로테르담, 미디어시티 영화제^[19] 등 인기 있는 영화제들은 실험적인 작품들을 눈에 띄게 보여준다.

뉴욕 언더그라운드 영화제, 시카고 언더그라운드 영화제, LA 프리웨이브 익스페리멘털 미디어 아트 페스티벌, 믹스 뉴욕 실험 레즈비언 앤 게이 영화제, 토론토 이미지스 페스티벌 등도 이 작품을 지원하고 있다."지하"와 "아반트 가든"이 진정으로 같은 것을 의미하는지, 그리고 도전적인 비전통 영화와 미술 영화가 실제로 근본적으로 ^[20]관련이 있는지에 대한 논란이 있다.

Anthology Film Archives, San Francisco Cinematheque, 캘리포니아 버클리 Pacific Film Archive, Tate Modern, London 및 파리의 Centre Pompidou와 같은 장소에는 종종 역사적으로 중요한 실험 영화와 현대 작품이 포함됩니다.실험적인 작품을 다룬 상영 시리즈는 더 이상 뉴욕에서 볼 수 없습니다. 로버트 벡 메모리얼 시네마, 오큘리스, 콜렉티브 포 리빙 시네마가 포함됩니다.

이러한 모든 협회와 운동은 프랑스의 "보디 시네마"와 "포스트 구조" 운동,^[21] 영국의 "구조/물질주의"와 같은 국가 실험 영화와 학교들의 탄생과 발전을 허용했다.

주류 상업 매체에 미치는 영향

실험 영화는 비교적 소수의 실무자, 학계, 감정가들에게 알려져 있지만, 영화 촬영, 시각 효과, ^[22]편집에 영향을 미쳤고 계속해서 영향을 미치고 있다.

뮤직비디오의 장르는 실험영화의 많은 기법을 상업화한 것으로 볼 수 있다.타이틀 디자인과 텔레비전 광고 또한 실험 ^{[23][24][25][26]}영화에 의해 영향을 받았다.

많은 실험적인 영화 제작자들이 장편 영화도 만들었고, ^[27]그 반대도 마찬가지였다.

「 」를 참조해 주세요.

메모들

레퍼런스

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외부 링크

• 영화 취향에 관한 아방가르드 영화 입문 필수 영화 20편