일본 미술

Japanese art
일본 미술
목판화 에도시대 호쿠사이 가나가와 앞바다의 대파도
12세기 초 헤이안 시대 에마키 겐지모노가타리의 장면 (국보)
미술사
기간
지역
중동의 예술

아시아의 예술

유럽의 예술

아프리카의 예술

아메리카의 예술

호주의 예술

오세아니아 예술
종교
기술
종류들

일본의 미술은 고대 도예, 조각, 수묵화, 비단이나 종이 서예, 우키요에 회화와 목판화, 도자기, 종이접기, 그리고 최근의 만화나 애니메이션 등 다양한 예술 양식과 매체를 다루고 있다.기원전 10세기 무렵에 일본에 인류가 정착하기 시작한 것부터 현재의 나라까지 오랜 역사를 가지고 있다.

일본은 새로운 사상의 갑작스런 침입에 시달려 왔고, 그 후 오랜 기간 외부와의 접촉이 거의 없었다.시간이 흐르면서 일본인들은 그들의 미적 취향을 보완하는 외국 문화의 요소들을 흡수, 모방, 그리고 마침내 동화시키는 능력을 발전시켰다.일본 최초의 복합 미술은 7세기에서 8세기에 불교와 관련하여 만들어졌다.9세기에는 일본인들이 중국을 외면하고 토착 표현의 형태를 발전시키기 시작하면서 세속적인 예술이 점점 더 중요해졌다; 15세기 후반까지 종교와 세속적인 예술이 모두 번성했다.오닌 전쟁 (1467–1477년) 이후, 일본은 1세기 이상 지속된 정치적, 사회적, 경제적 혼란기에 접어들었다.도쿠가와 막부의 주도로 등장한 국가에서는 조직적인 종교가 사람들의 삶에 차지하는 비중이 훨씬 낮았고, 살아남은 예술은 주로 세속적이었다.메이지 시대(1868-1912)는 서양의 스타일이 갑자기 유입되어 계속 중요해졌다.

일본에서 그림은 아마추어와 프로가 함께 실천하는 예술적 표현이다.근대까지 일본인들은 펜이 아닌 붓으로 글을 썼고 붓 기술에 익숙하기 때문에 특히 그림의 가치와 미학에 민감하게 반응했다.에도시대의 대중문화의 발흥과 함께 목판화의 양식이 대세가 되어, 그 기술을 세밀하게 조정해 형형색색의 판화를 만들어 냈다.이 시기에 일본인들은 조각이 예술적 표현에 있어 훨씬 덜 공감적인 매체라는 것을 알게 되었다; 대부분의 큰 일본 조각은 종교와 관련이 있고, 전통적인 불교의 중요성이 줄어들면서 그 매체의 사용은 감소하였다.

일본의 도자기는 세계에서 가장[citation needed] 뛰어난 것으로 알려진 가장 오래된 일본 공예품을 포함하고 있으며, 일본의 수출 도자기는 여러 면에서 주요 산업이었다.일본의 칠기는 세계 유수의 예술 공예품 중 하나이며, 마키에로 화려하게 장식된 작품은 유럽과 중국에 수출되어 [1][2]19세기까지 중요한 수출품이었다.건축에서는 일본인의 천연재료 선호와 내외부 공간의 상호작용이 뚜렷하게 표현되어 있다.

일본 미술사

중기의 조몬 꽃병, 기원전 3000년 경~2000년 경

조몬 미술

일본 최초의 정착민(기원전 [3]10,500년경~300년경)은 점토 그릇의 표면을 장식하는 끈 표시로 이름 붙여진 유목 수렵 채집인으로, 후에 조직 농사를 지었고, 수백 명에서 수천 명이 넘는 인구를 가진 도시를 건설했다.그들은 흙에서 온기를 공급하기 위해 얕은 흙 구덩이에 나무와 초가지로 간단한 집을 지었다.그들은 호화롭게 장식된 도자기 보관함, 도구라고 불리는 점토 조각상, 수정 보석 등을 만들었다.

조몬 시대 초기

초기 조몬 시대([3]기원전 5000~2500년)에는 마을이 발견되기 시작했고 끓는 물을 담는 도자기 항아리 등 평범한 생활용품이 발견됐다.이 시기에 발견된 화분들은 바닥이 평평했고 대나무와 같은 재료로 만들어진 정교한 무늬를 가지고 있었다.또 다른 중요한 발견물은 [3]가슴과 엉덩이가 부풀어 있어 번식 대상으로 사용됐을 가능성이 있는 초기 조몬 조각상입니다.

조몬 시대

항아리, 조몬 중후기, 기원전 35~11세기

중기의 조몬 시대([3]기원전 2500~1500년)는, 많은 점에서 초기 조몬 시대와 대조를 이뤘다.이 사람들은 유목민들의 수가 줄어들었고 마을에 정착하기 시작했다.그들은 그들이 채집하고 사냥한 음식을 가공할 수 있는 유용한 도구를 만들어 그들의 삶을 더 쉽게 만들었다.이 시기에 발견된 수많은 미적 만족스러운 도자기들을 통해, 이 사람들은 안정된 경제와 아름다운 작품들을 만들기 위한 더 많은 여가 시간을 가졌음을 알 수 있다.또, 중세 조몬 시대의 사람들은, 예를 들면,[3] 물건을 보관하기 위해서 항아리를 생산하는 등, 기능에 따라서 그릇을 발전시켰기 때문에, 이전의 조상들과는 다릅니다.이들 그릇의 장식은 초기 조몬 도자기와는 달리 더욱 사실적으로 보이기 시작했다.전체적으로, 이 시기에 작품 제작이 증가했을 뿐만 아니라, 이러한 개인들은 그것들을 더욱 장식적이고 [3]자연스럽게 만들었다.

조몬 말기

미야기현 오사키시 에비스다 유적 도구상(기원전 1000~400년)

말기와 말기 조몬 시대([3]기원전 1500~300년)에는 날씨가 추워지기 시작했고, 따라서 그들은 산에서 멀리 떠나야만 했다.이 시기의 주요 식량 공급원은 물고기였고, 이것은 그들이 낚시 용품과 도구를 개선하도록 만들었다.이러한 발전은 이 시기에 매우 중요한 성과였다.또한 그릇의 수가 크게 증가하여 집집마다 자신의 조각상이 전시되어 있었다고 볼 수 있다.조몬 후기와 말기에 여러 그릇이 발견되었지만, 이 조각들은 훼손된 채 발견되어 제사에 사용되었을 가능성이 있습니다.또한, 피규어들도 발견되었는데, 살찐 몸과 [3]눈처럼 생긴 고글이 특징이었다.

도구상

주요 기사:도구

도구(e (")는 조몬 시대 [4]후기에 만들어진 작은 인형과 동물상입니다.그것들은 [4]오키나와를 제외한 일본 전역에서 만들어졌다.일부 학자들은 도구가 일종의 동정 [5]마법을 보여주는 사람들의 인형처럼 행동했다고 이론화한다.도구는 점토로 만들어지고 일반적으로 10에서 30cm의 [6]높이로 작은 크기이다.대부분의 조각상들은 암컷을 모델로 한 것으로 보이며, 큰 눈과 작은 허리,[4] 넓은 엉덩이를 가지고 있다.그들은 많은 사람들에게 여신들의 대표자로 여겨진다.많은 사람들이 임신과 관련된 큰 복부를 가지고 있어, 조몬 신들은 그들을 [6]모신이라고 여겼다는 것을 암시한다.

야요이 미술

그 다음 이민자 물결은 야요이족이었다.야요이족은 그들의 정착지의 잔해가 처음 발견된 도쿄의 지역에서 이름을 따왔다.기원전 [7]300년경 일본에 도착한 이들은 습지 쌀 재배, 구리 무기와 청동 종(도타쿠), 수레바퀴로 가마솥을 굽는 도자기 등의 지식을 가져왔다.

고훈미술

일본 사카이에 있는 닌토쿠 천황의 무덤.열쇠구멍 모양의 무덤은 길이 486m, 바닥 폭 305m, 지름 245m이다.

일본 선사시대의 세 번째 단계인 고분시대(기원후 [3]300년~710년)는 야요이 문화의 변형을 나타내며, 이는 내적 발전이나 외적 힘에 기인한다.이 시기는 무덤문화와 더불어 청동거울과 하니와라는 점토조각이 무덤 밖에 세워진 것이 가장 주목할 만합니다.고훈시대에는 언덕 꼭대기와 능선에 세워진 작은 무덤에서 [8]평지에 조성된 훨씬 큰 무덤으로 발전했습니다.일본 최대의 고분인 닌토쿠 천황의 무덤에는 46기의 무덤이 매장되어 있으며, 열쇠 [9]구멍 형태로 되어 있어 고훈 이후의 무덤에서 [8]볼 수 있는 독특한 특징이 있습니다.

아스카와 나라 미술

페가수스 문양을 새긴 용두통, 은도금 청동, 아스카시대, 7세기 옛 호류지 보물

542년부터 645년까지[3] 아스카 계곡과 784년까지 나라시에 일본 정부의 소재지가 있었기 때문에 붙여진 아스카와 나라 시대에는 처음으로 대륙 아시아 문화가 일본에 유입되었다.

불교의 전승은 중·일 간의 접촉에 최초의 자극제가 되었다.일본인들은 중국 문화의 양상을 인식했다: 사상과 음성을 글로 변환하는 시스템; 역사학; 효과적인 관료제 같은 복잡한 정부 이론; 그리고 예술에 있어서 가장 중요한 것은, 새로운 기술, 새로운 건축 기술, 더 발전된 방법.청동으로 새기고, 그림을 그리는 새로운 기술과 매체.

그러나 7세기와 8세기에 걸쳐 일본과 아시아 대륙 간의 접촉에서 가장 중요한 초점은 불교 발전이었다.불교가 일본에 들어온 552년에서 일본의 수도가 나라로부터 이전된 784년 사이의 다양한 시기에 적용되는 의미 있는 날짜와 적절한 명칭에 대해 모든 학자들이 동의하는 것은 아니다.가장 일반적인 명칭은 스이코 시대(552~645년), 하쿠호 시대(645~710년), 덴표 시대(710~784년)이다.

일본의 불상 중 가장 오래된 것은 6세기에서 [10]7세기 사이입니다.그것들은 궁극적으로 중국의 예술적 특성이 중첩된 흐르는 옷 패턴과 사실적인 [11]표현으로 특징지어지는 1세기에서 3세기 간다라의 그리스 불교 예술에서 유래했다.중국 북위 불교 예술이 한반도에 침투한 후, 다양한 [12]이민자들에 의해 불교 아이콘들이 일본으로 건너왔다.특히 미륵상은 고류지 미로쿠보사츠상이나 싯다르타상 [13]등 일본에 전해진 고도의 고대 그리스 미술 양식으로 개조됐다.많은 역사학자들은 한국을 [14]불교의 전달자로 묘사한다.삼국, 특히 백제는 538년 또는 552년에 [15]일본에 불교 전통이 도입되고 형성되는 데 있어 적극적인 역할을 한 도구였다.그것들은 우리 시대의 처음 몇 세기 동안 실크로드 예술이 전해진 종착점을 보여준다.다른 예는 일본 후진풍신,[16] 니오신,[17] 사찰 [18]장식에서 고전적인 꽃무늬의 발달에서 찾을 수 있다.

일본 최초의 불교 건축물과 극동에서 가장 오래된 목조건물이 나라 남서쪽 호류지에 있다.7세기 초에 쇼토쿠 황태자의 개인 사찰로 처음 지어진 이곳은 41개의 독립된 건물로 구성되어 있다.가장 중요한 것은 본당인 금당(金堂)과 오층탑(五 pagoda pagoda)으로 지붕이 있는 회랑으로 둘러싸인 탁 트인 장소의 중앙에 서 있다.중국 예배당 양식의 곤도는 2층 건물로, 이리모야(pped,)로 덮인 기와지붕이다.

콘도 안에는 커다란 직사각형 단상에 있는 그 시대의 가장 중요한 조각품들이 있다.중앙의 불상은 조각가 토리부시(7세기 초)가 최근 사망한 쇼토쿠 태자에게 경의를 표하기 위해 청동으로 주조한 두 개의 보살과 함께 있는 역사적 부처인 샤카 삼위일체(623년)이다.승강장 네 귀퉁이에는 650년경 나무로 조각된 사방수호의 왕이 있다.또한 호류지에는 높은 나무기둥에 옻칠을 혼합한 광물 안료를 매개로 한 그림으로 장식된 곤도의 목조 모조품인 다마무시 신사가 있다.

8세기의 절 건축은 나라( temple nara)의 도다이지를 중심으로 이루어졌다.도다이지(東大寺)는 각 지방에 있는 사찰 네트워크의 본부로 건설된 것으로, 일본에서 불교 신앙의 초기 수세기에 세워진 가장 야심찬 복합 종교 시설이다.대불전에 안치된 16.2m(53피트)의 불상은 도다이지가 불교의 후원을 받아 일본 전역에 전파된 것과 마찬가지로 불교의 본질을 나타내는 불상입니다.원래의 불상은 일부만 남아 있으며, 현재의 전각과 중앙 불상은 에도시대 중건물이다.

경사가 완만한 언덕길의 다이부쓰덴 주변에는 많은 제2의 홀이 있다.그 주된 이미지는 옻칠(옻칠을 하고 나무 전기자 위에 있는 천)으로 만든 후쿠켄자쿠 관음(福j k k),),),),),),),),),),),),),),),),),),),),),),),),),),),),),),),),,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,),),,,,,,,,,,,,,,,,사천왕과 쇼소인이라는 창고가 있습니다.이 마지막 건물은 752년 봉헌식, 루샤나상 눈뜨는 의식, 황실 소유의 정부 문서 및 많은 세속적인 물건들이 보관되어 있기 때문에 예술사적 보관소로서 매우 중요하다.

금속 조각이나 조각의 예술인 초킨은 나라 [19][20]시대에 시작된 것으로 생각된다.

헤이안 미술

서기 9세기 비단 족자에 그려진 타이조카이 만다라
다이사쿠텐 ś라, 839, 도지

794년, 일본의 수도는 헤이안쿄(현재의 교토)로 공식적으로 이전되어 1868년까지 유지되었다.헤이안 시대란 겐페이 전쟁 말기에 가마쿠라 막부가 세워진 794년부터 1185년까지를 말합니다.이 시기는 헤이안(平安) 전기와 헤이안(平安) 후지와라(藤原) 시대로 나뉘며, 주중제국 대사관이 공식적으로 폐지된 해인 894년을 중심으로 한다.

초기 헤이안 미술: 나라에서의 조직화된 불교의 부와 힘의 증대에 대응하여, 쿠카이 스님(사후 직함 고보 다이시, 774–835)은 806년에 일본에 들여온 와자야나 불교의 일종인 신곤을 공부하기 위해 중국으로 갔다.신곤 숭배의 중심에는 영적 우주의 도표인 만다라가 있으며, 이것이 사원 설계에 영향을 미치기 시작했다.일본 불교 건축도 중국식 탑에 인도식 건축 형태인 스탑을 채택했다.

이 새로운 종파를 위해 세워진 사원은 궁궐과 수도의 평신도로부터 멀리 떨어진 산속에 지어졌다.이들 부지의 불규칙한 지형은 일본 건축가들이 사찰 건축의 문제점을 재고하도록 강요했고, 그렇게 함으로써 좀 더 토착적인 디자인 요소를 선택하게 되었다.편백나무 지붕은 도자기 기와 지붕을 대체하고, 흙바닥 대신 널빤지를 사용했으며, 주성소 앞에는 평신도를 위한 별도의 예배 공간을 추가했다.

헤이안신곤 초기 사찰의 정신을 가장 잘 반영하는 절은 나라 남동쪽 산속 편백나무 심부에 자리 잡은 무로지(9세기 초)다.무로지의 두 번째 건물에 안치된 '역사적' 부처의 목상(9세기 초)은 초기 헤이안 조각의 전형적인 형태이며, 육중한 몸체에 두툼한 주름이 혼파식(-波式)으로 조각되어 있고, 그 엄격하고 절제된 표정으로 덮여 있다.

후지와라 미술 후지와라 시대에는 아미다에 대한 신앙으로 쉽게 구원할 수 있는 정토불교가 유행했다.이 시기는 천황의 섭정으로서 통치한, 그 나라의 최고 권력자인 후지와라 가문의 이름을 따서 붙여진 것으로, 사실상 시민 독재자가 되었다.동시에 교토의 귀족들은 우아한 미적 추구에 전념하는 사회를 발전시켰다.그들의 세계는 너무나 안전하고 아름다웠기 때문에 그들은 천국이 크게 다르다고 생각하지 못했다.그들은 속세와 종교를 혼합한 새로운 형태의 불전인 아미다전을 만들어 귀족의 저택과 비슷한 구조 안에 하나 이상의 불상을 보관하고 있다.

교토시 우지시 료도인 봉황홀

교토 남동쪽 우지에 있는 u도원의 호오도(호엔관, 1053년 완성)는 후지와라 아미다관의 전형이다.대형 인공 연못의 가장자리에 설치된 2개의 L자형 날개 복도와 꼬리 복도로 이루어진 주 직사각형 구조로 구성되어 있다.내부에는 아미다(약 1053년)의 금빛 이미지가 높은 플랫폼에 설치되어 있다.아미다 조각은 조가 여러 개의 나무를 조개껍데기처럼 조각하여 안쪽에서 이어붙이는 새로운 비율의 조형물과 새로운 기법(요세기)을 사용하여 만들었다.이 홀의 벽에는 아미다가 서낙원에서 내려올 때 수행했던 것으로 추정되는 작은 부조 조각들이 새겨져 있으며, 아미다가 죽은 순간 신도들의 넋을 모아 연꽃으로 천국으로 이송했다.아미다불의 계보를 그린 호오도 나무문의 라이고 그림은 일본화인 야마토에의 초기 사례로 교토 주변의 풍경을 묘사하고 있다.

에마키 겐지 모노가타리의 '유기리'

E-maki: 헤이안 시대 마지막 세기에, E-maki(E-maki)라고 알려진 가로로 그려진 서사적 핸드스크롤.'그림 스크롤'이 등장했습니다.겐지모노가타리 에마키는 약 1130년 경으로 거슬러 올라가 현존하는 가장 오래된 야마토에 핸드롤이자 일본 회화의 하이라이트 중 하나입니다.쇼시 천황의 시녀 무라사키 시키부(村 shik shik)가 쓴 이 소설은 겐지(ji寺)와 헤이안(平安) 궁중의 사후 삶과 사랑을 다루고 있다.e-maki 버전의 12세기 아티스트들은 각 장면의 감정적인 내용을 시각적으로 전달하는 그림 컨벤션 시스템을 고안했다.20세기 후반에는, 연속적인 서사 삽화의 다른 생동감 넘치는 스타일이 인기를 끌었다.궁중의 음모를 다룬 두루마리 반다이나곤 에코토바(12세기 후반)는 빠른 붓놀림과 얇지만 선명한 색채로 묘사된 활발한 움직임의 인물들을 강조한다.

E-maki는 또한 오토코에(남자의 그림)와 온나에(여자의 그림) 스타일의 초기이자 가장 훌륭한 예이기도 하다.두 스타일에 많은 미세한 차이가 있어 성별의 미적 취향에 호소합니다.하지만 가장 쉽게 눈에 띄는 것은 주제의 차이일 것이다.겐지모노가타리로 대표되는 온나에에는 궁중생활, 특히 궁녀들의 낭만적인 주제를 다루고 있다.오토코에에는 역사적 사건, 특히 전투를 기록하는 경우가 많았다.헤이지모노가타리의 '산조궁 야습'에 묘사된 산조궁 공성전(1160년)이 그 유명한 예다.

가마쿠라 미술

오픈워크 금동물품(곤도수카시바리샤리토)

1180년, 가장 강력한 두 무사 가문인 다이라 가문과 미나모토 가문 사이에 전쟁이 일어났고, 5년 후 미나모토 가문이 승리하여 가마쿠라 해안 마을에 사실상의 통치 거점을 설립하여 1333년까지 남아있었다.권력이 귀족에서 무사 계급으로 이동하면서, 예술은 새로운 청중을 만족시켜야 했다: 전투 기술에 헌신하는 사람들, 불교를 문맹 서민들에게 보급하기 위해 헌신하는 스님들, 그리고 궁정의 권력이 쇠퇴하는 것을 후회하는 보수주의자, 귀족들과 일부 스님들.따라서 사실주의, 대중화 경향, 고전적 부흥은 가마쿠라 시대의 미술을 특징짓는다.가마쿠라 시대에 교토와 나라는 예술적 생산과 고급 문화의 중심지로 남아 있었다.

운케이의 나라 고후쿠지 무차쿠 상세

조각:Kei의 조각가, 특히 운케이는 새롭고 사실적인 조각 스타일을 창조했다.나라 도대지의 대남문에 있는 두 개의 니오 수호상(1203)은 삽화를 보여준다.운케이의 역동적인 초현실적인 스타일.높이가 약 8m(약 26피트)인 이 이미지들은 약 3개월 동안 여러 개의 블록으로 조각되었는데, 이는 조각가의 지도 아래 작업하는 장인들의 발전된 스튜디오 시스템을 보여주는 위업이다.운케이의 다색 목조(나라 고후쿠지 1208)는 호소종의 전설적 창시자인 무차쿠와 세신 두 명의 인도 현인 중 가장 뛰어난 사실주의 작품으로, 운케이가 그린 것처럼 매우 개성 있고 믿을 수 있는 이미지이다.이 시기의 가장 유명한 작품 중 하나는 운케이의 후계자인 가이케이가 만든 오노 조도지의 아미타 삼존불(1195년 완성)이다.

서예 및 그림:게곤종 창건사 삽화인 '게곤엔기 에마키'는 가마쿠라 회화의 대중화 경향을 보여주는 좋은 예다.나라 시대의 가장 중요한 종파 중 하나인 게곤종은 정토파가 득세할 때 몰락했다.겐페이 전쟁(1180년-1185년) 후, 고산지 묘에 스님은 종파를 부활시키고 전쟁으로 남편을 잃은 여성들에게 피난처를 제공하기 위해 노력했다.무사의 아내들은 음절이나 사상을 표기하는 음절 체계(가나 참조) 이상의 것을 배우지 못해 대부분 한자를 사용한 글을 읽을 수 없었다.

따라서 케곤엔기 에마키는 읽기 쉬운 최대 음절로 쓰여진 텍스트 구절과 화자 옆에 쓰여진 캐릭터 간의 대화를 담은 일러스트를 조합하여 현대의 연재만화에 버금가는 기법이다.케곤종을 창시한 두 한국 승려의 삶인 e마키의 줄거리는 빠르게 진행되며 오션 킹의 궁궐 여행과 가슴 아픈 엄마 [clarification needed]이야기와 같은 환상적인 위업으로 가득 차 있다.

무라사키 시키부의 일기 삽화본은 좀 더 보수적인 맥락의 작품입니다.소설의 E-maki 버전은 계속 제작되었지만, 현실주의에 대한 새로운 관심에 맞추면서도 부와 권력의 지난 시절을 그리워하는 귀족들은 작가의 시대의 화려함을 되찾기 위해 일기를 부활시키고 삽화를 그렸다.가장 아름다운 구절 중 하나는 무라사키 시키부가 두 명의 젊은 신하들에 의해 그녀의 방에서 장난스럽게 포로로 잡혔고, 바로 밖에서는 황실 정원의 이끼 낀 강둑에 달빛이 반짝이는 에피소드를 보여준다.

무로마치 미술

아시카가 시대라고도 불리는 무로마치 시대(1338~1573년)에는 일본 문화에 큰 변화가 일어났다.아시카가 씨는 막부를 장악하고 본부를 교토, 무로마치 지방으로 옮겼다.가마쿠라 시대의 대중화 경향은 수도로 돌아오면서 종말을 고했고, 문화적 표현은 보다 귀족적이고 엘리트적인 성격을 띠게 되었다.6세기 중국에서 창건된 것으로 알려진 선종( buddhism宗)은 일본에 두 번째로 전파돼 뿌리를 내렸다.

교토시 료안지의 가레산스이

그림 그리기:선사가 조직한 중국으로의 세속적인 모험과 무역 사절단 때문에 많은 중국 그림이나 미술품이 일본에 수입되어 선사와 막부에 종사하는 일본 화가들에게 큰 영향을 끼쳤다.이러한 수입으로 그림의 소재가 바뀌었을 뿐만 아니라 색채의 사용도 바뀌었습니다.야마토에의 밝은 색채는 일반적으로 흑백 또는 단색의 다른 색조만 있는 중국식 회화의 단색화로 바뀌었습니다.

무로마치 초기 그림의 전형은 전설의 승려 겐수(hshs)의 화가 가오(15세기 초)가 깨달음을 얻는 순간 묘사하는 것이다.이런 종류의 그림은 빠른 붓놀림과 최소한의 디테일로 그려졌습니다.무로마치 회화의 전환점이 되는 것은 화가 조세쓰(15세기 초 교토시 묘신지 다이조인)의 박으로 메기를 잡는 것이다.원래는 낮은 칸막이로 제작되었지만, 위쪽에 있는 당대 인물들의 글씨가 새겨진 족자로 다시 실렸는데, 그 중 하나가 '신풍'이라고 언급하고 있다.전경에는 작은 박을 들고 커다란 미끌미끌한 메기를 바라보고 있는 한 남자가 개울가에 그려져 있다.안개는 가운데 땅을 가득 메우고, 뒷산들은 멀리 있는 것처럼 보인다.일반적으로 1413년경에 그려진 이 그림의 "새로운 스타일"은 그림 평면 내의 깊은 공간에 대한 중국적인 감각을 지칭하는 것으로 추측된다.

무로마치 시대의 일류 예술가는 승려인 슈분( s文)과 세슈(ess州)다.쇼코쿠지 교토 사원의 승려 슈분은 그림 '대나무숲에서 책을 읽다'(1446)에서 우주 깊숙이 가라앉은 사실적인 풍경을 그렸다.세슈는 당시 대부분의 화가들과 달리 중국으로 건너가 중국 회화를 공부할 수 있었다.사계절 풍경(三 ch節;, 1486)은 세슈의 가장 뛰어난 작품 중 하나로 사계절 내내 이어지는 풍경을 묘사하고 있다.

아즈치모모야마 미술

히메지 성, 1580~1609년에 축성된

아즈치모모야마 시대(1573~1603년)에는 오다 노부나가, 도요토미 히데요시, 도쿠가와 이에야스 등 군부 지도자들이 100년 가까운 전쟁 끝에 일본에 평화와 정치적 안정을 가져오려 했다.1568년 오다는 사실상 정권을 장악하고 5년 후 아시카가 쇼군을 축출하기에 충분한 권력을 얻었다.히데요시는 오다 사후 권력을 잡았으나, 1603년 도쿠가와 막부를 세운 이에야스에 의해 세습 통치 계획은 좌절되었다.

편백나무 병풍(가노 에이토쿠) 1590년

그림 그리기:모모야마 시대의 가장 중요한 유파는 가노파의 유파이며, 그 시대의 가장 큰 혁신은 방을 둘러싼 미닫이에 기념비적인 풍경을 만들기 위해 가노 에이토쿠에 의해 개발된 유파이다.다이토쿠지(京都의 선사)의 아류인 주코인의 정원에 면한 안방의 장식은 현존하는 에이토쿠 작품의 가장 좋은 예라고 할 수 있다.거대한 매화나무와 쌍둥이 소나무가 대각선 반대쪽의 미닫이에 그려져 있으며, 그 줄기는 모서리 기둥의 수직을 반복하고, 가지는 좌우로 뻗어 있어 인접한 판넬을 하나로 통합하고 있다.역시 교토에 있는 에이토쿠의 '차이나 라이온스'는 사무라이들이 선호하는 대담하고 밝은 색채의 화풍을 보여준다.

에이토쿠의 동시대 인물인 하세가와 도하쿠는 대형 스크린 회화에 대해 다소 다른 장식적인 스타일을 발전시켰다.현재 교토의 치사쿠인(: the院)에 있는 그의 단풍(楓風)에서 그는 나무 줄기를 중앙에 두고 사지를 구도의 가장자리까지 뻗어 에이토쿠보다 더 평평하고 덜 건축적인 작품을 만들었지만 시각적으로 아름다운 그림을 그렸다.그의 6중 스크린인 소나무 숲은 안개에 싸인 나무숲을 흑백 잉크로 멋지게 표현했다.

에도시대의 미술

바람의 신과 천둥의 신 다와라야 소타츠 17세기

도쿠가와 막부는 1603년에 평온과 경제적, 정치적 안정을 가져오겠다는 의지로 정권을 장악했고, 대체로 성공적이었다.막부는 1867년까지 존속하였고, 그 후 서구 국가들의 대외 무역 개방 압력에 대처하지 못하여 항복할 수밖에 없었다.에도시대의 지배적인 주제 중 하나는 막부의 억압적인 정책과 이러한 제약에서 벗어나려는 예술가들의 시도였다.그 중 가장 중요한 것은 외국인들에 대한 국가의 폐쇄와 그들 문화의 적응, 삶의 모든 면에 영향을 미치는 엄격한 행동 규범, 입는 옷, 결혼하는 사람, 그리고 추구할 수 있는 활동과 하지 말아야 할 활동을 강요하는 것이었다.

그러나 에도시대 초반에는 도쿠가와 정책의 영향을 제대로 느끼지 못하고 교토의 가쓰라궁과 린파파의 선구자 다와라야 소타츠의 그림 등 건축과 회화에 있어서 일본의 가장 훌륭한 표현들이 그려졌다.

서킷식 일본식 정원 오카야마 고라쿠엔, 1700년

목판 인쇄:목판화는 원래 8세기 일본에서 불경을 번역하는 데 사용되었다.목판 인쇄는 나무 조각에 이미지나 그림을 새긴 다음 종이에 대고 누르는 것으로 구성됩니다.8세기에 목판은 인쇄된 텍스트를 복제하는 편리한 방법으로 여겨졌고, 이후 새로운 혁신으로 색채가 종이에 번역되거나 니식 인쇄물로 더 잘 알려지게 되었다.목판 인쇄는 11세기부터 19세기까지 일반적인 인쇄 방식이었다.니시키에 판화는 에도시대 부유층에게 흔히 팔리는 달력 등의 상품을 생산했다.에도시대에는 이 판화들은 저명한 배우들의 사건이나 장면을 묘사했다.그 후 우키요는 에도시대 초기에 목판 인쇄와 관련되었다.이 우키요 그림들은 사회 저명인사들의 일상을 그렸다.우키요는 처음에는 평범한 서민으로서의 삶을 그린 손으로 조각한 두루마리로부터 시작되었다.

건축: 겐지의 궁전을 모방한 가쓰라 별당에는 일본 고전 건축의 요소와 혁신적인 개조가 결합된 쇼인 빌딩이 밀집되어 있습니다.단지 전체가 산책로가 있는 아름다운 정원으로 둘러싸여 있다.많은 막강한 다이묘들이 서킷식 일본식 정원을 만들어 아름다움을 겨루었다.

그림: 소타츠는 금박을 배경으로 한 자연계의 선명한 색채의 인물과 모티브를 사용하여 고전 문학의 주제를 재현함으로써 뛰어난 장식 스타일을 진화시켰다.그의 가장 훌륭한 작품 중 하나는 워싱턴 D.C. 프리어 갤러리의 마쓰시마에 있는 한 쌍의 스크린이다. 한 세기 후, 고린은 소타츠의 스타일을 재창조하여 그의 독특한 시각적인 멋진 작품을 만들었다.아마도 그의 가장 훌륭한 작품은 홍매화와 백매화의 스크린화일 것이다.

조각:엔쿠 스님은 12만 점의 불상을 개략적으로 조각했다.

우타마로( three田馬郞, 1793년)의 '오늘날의 세 가지 미녀'
호쿠사이 시리즈 '레드 후지' 후지산 36경
1856년 히로시게 아타케 다리에서 소나기

우키요에와 낭가(분진가):서양에서 가장 잘 알려진 예술은 데미몬데의 우키요에 회화와 목판화, 가부키 극장과 유원지입니다.우키요에 판화는 17세기 후반에 제작되기 시작했고, 1765년 하루노부는 최초의 다색 판화를 제작했다.도리이 키요나가, 우타마로 등 차세대 판화 디자이너는 우아하고 때로는 통찰력 있는 궁인 묘사를 만들어냈다.

19세기에는 호쿠사이와 히로시게가 지배적인 인물이었는데, 그는 낭만적이고 다소 감상적인 풍경화의 창시자였다.히로시게가 자주 풍경을 보는 기묘한 각도와 모양, 평평한 평면과 강한 선형 윤곽을 강조한 키요나가와 우타마로의 작품은 에드거 드가나 빈센트 반 고흐와 같은 서양 예술가들에게 깊은 영향을 미쳤다.서양 박물관에서 소장된 예술작품을 통해, 이러한 판화 제작자들은 나중에 에즈라 파운드, 리처드 알딩턴, 그리고 H.D.[21]와 같은 초기 모더니즘 시인들이 사용했던 이미지와 미학적 접근법에 강력한 영향을 미칠 것이다.

우키요에와 동시대의 회화 유파는 중국의 선비들이 그린 그림을 바탕으로 한 분진가였다.우키요에 화가가 도쿠가와 막부의 속박에서 벗어난 인물화를 선택한 것처럼, 분진 화가는 중국 문화에 눈을 돌렸습니다.이케노타이가, 요사부손, 다노무라치쿠덴, 야마모토바이츠 등이 대표적이다.

세라믹스

주요 기사 : 일본 도자기 및 일본 수출 도자기

일본 각지에서 주로 석기 양식이 지속되었지만, 1590년대 임진왜란 때 한국 도공들이 대거 몰려들면서 일본 도자기가 변형되었다.그 대부분이 규슈 남쪽 섬에 정착해, 고온을 보다 정밀하게 제어할 수 있는 일본의 노보리가마라고 불리는 중국식 모따기 등산 가마 체험을 가져왔다.1620년경에는 카오리나이트의 퇴적물을 발견하고 일본 최초로 도자기를 만들기 시작했다.초기 제품들('이마리'라고 불림)은 비교적 작았고 일본이 오랫동안 [22]수입해 온 중국의 청백자를 모방했다.

도자기 산업은 1650년대 후반 내전으로 인한 중국 산업의 붕괴로 인해 중국 무역상들과 네덜란드 동인도 회사로부터 매우 많은 주문을 받았고, 그 무렵에는 일본 내에서만 사업을 할 수 있었다.일본 수출 도자기의 첫 번째 전성기는 약 1740년대까지 지속되었고, 일본 도자기의 대부분은 [23]유럽뿐만 아니라 일본의 서쪽과 남쪽의 이슬람권에도 수출하기 위해 만들어졌다.

칠기:

주요 기사 : 일본식 칠기

경제와 문화가 발달함에 따라 옻칠한 가구의 예술성이 향상되었다.호나미 코에츠와 오가타 코린은 린파파의 도안을 칠기에 담았다.에도시대 중엽 이후 휴대용 약용기의 인로는 마키에와 라덴으로 화려하게 장식되기 시작해 조닌계급의 무사계급과 부유한 상인들 사이에서 인기를 끌었고, 에도시대 말기에는 실용적인 액세서리에서 미술품 수집으로 [24][25]바뀌었다.칠기의 수출은 아즈치모모야마 시대 이후에도 계속되었다.마리 앙투아네트와 마리아 테레사는 이 [2]시기의 일본 칠기 수집가로 알려져 있다.

전전기의 예술

상세 정보:메이지(明治)★미술

1868년 일본 천황이 통치권을 되찾았을 때, 일본은 다시 한번 새롭고 이국적인 문화의 침략을 받았다.전후 서양의 문화적 가치의 도입은 일본 미술과 문화의 거의 모든 면에서 전통적인 가치관과 다양한 충돌하는 새로운 사상을 복제하고 동화하려는 시도 사이의 이분법으로 이어졌다.이 분열은 20세기 후반에도 뚜렷하게 남아 있었지만, 그 무렵에는 이미 많은 합성이 이루어졌고, 국제적인 문화 분위기를 조성하고, 한층 더 혁신적인 형태로 일본의 현대 미술을 자극했다.

정부는 1873년 비엔나 [26][27]세계박람회를 시작으로 세계박람회에서 일본 미술을 잇달아 홍보하는 등 미술 수출 시장에 적극적으로 관심을 보였다.정부는 박람회에 막대한 자금을 지원할 뿐만 아니라, 일본의 문화가 세계에 어떻게 소개되었는지를 조직하는 데 적극적인 역할을 했다.미술품[28] 수출을 촉진·사업화하기 위해 반공기업인 기리쓰 고쇼카이샤를 설립하고,[27] 품질기준을 유지하기 위해 하쿠란카이 지무쿄쿠(전시국)를 설립했다.1876년 필라델피아에서 열린 '100주년 국제박람회'를 위해 일본 정부는 3만 점의 [29]전시물을 보관할 공간을 확보하기 위해 센테니얼 사무소를 만들고 특사를 파견했다.황실도 예술과 공예에 적극적으로 관심을 가져 외국 [30]고위관료에게 선물하기 위해 작품을 의뢰했다.1890년에 걸출한 예술가를 표창하기 위한 데시쓰 기게인 제도가 창설되어 1890년부터 [31]1944년까지 70명이 임명되었다.화가와 옻칠 화가 시바타 제신, 도예가 마쿠즈 고산, 화가 하시모토 가호, 클로종네 에나멜 화가 나미카와 야스유키 [31]등이 그 중 한 명이다.

  • Byōbu Dragon and tiger (竜虎図) left side, 1895, by Hashimoto Gahō

    by, dragon g gō side side side side side side side by by by g 1895년 하시모토 가호(橋本高ah)의 왼쪽 측면

  • Byōbu Dragon and tiger right side, 1895, by Hashimoto Gahō

    1895년 하시모토 가호 by hash hash의 ō부 용과 호랑이 오른쪽

서양의 수입품이 보급되면서 일본 미술품에 대한 수요는 [32]일본 내에서 감소했다.유럽과 미국에서는 일본 미술의 새로운 보급이 일본 문화에 대한 매력으로 이어졌고, 유럽에서는 Japonisme로 [33]알려져 있다.제국주의적 후원, 정부의 후원, 새로운 관객에 대한 홍보, 그리고 서양의 기술이 결합되어 일본 예술 혁신의 시대를 조성했습니다.장식예술에서는 일본 예술가들이 새로운 수준의 기술적 [28]정교함에 도달했다.

현재, 무라타 마사유키는 1만 점 이상의 메이지 미술품을 소유하고 있으며, 가장 열성적인 수집가 중 한 명이다.이후 메이지 미술의 우수한 작품은 대부분 외국 수집가가 구입해 일본에 남아 있었지만, 그가 외국에서 많은 작품을 사들여 기요미즈 산넨자카 [34]박물관을 열었기 때문에 메이지 미술에 대한 연구와 재평가는 [35]21세기 이후 급속히 발전했다.나세르 칼릴리는 메이지 미술의 세계 최고 수집가 중 한 명이며, 그의 컬렉션은 메이지 미술의 다양한 카테고리를 망라하고 있다.일본 황실도 메이지 미술의 우수한 작품을 소유하고 있으며, 그 중 일부는 국가에 기증되어 현재 황실 컬렉션 박물관에 소장되어 있다.

건축과 정원

오가와 지헤이가 1894~1898년에 설계한 무린안의 정원

20세기 초까지 유럽의 예술 양식이 잘 도입되어 도쿄역이나 국회의사당 같은 눈에 띄는 건물이 탄생했다.벽돌과 유사 유럽식 건물로 가득 찬 도쿄역.이런 건축양식은 도시지역에 지어졌다.

오가와 지헤이에 의해 많은 예술적인 새로운 일본 정원이 지어졌다.

페인팅

쿠메씨 [쿠메 케이이치로], 구로다 세이키, 구로다 키넨칸 작성

서양 미술에 대한 일본인의 첫 반응은 개방적인 수용이었고, 1876년 기술 예술학교(ja:서양법을 가르치기 위해 이탈리아 교사를 고용하여 개교했다.두 번째 반응은 오카쿠라 가쿠조와 미국인 어니스트 페놀로사가 이끄는 반대 방향의 추 흔들림이었다.그는 일본 작가들에게 전통적인 주제와 기법을 유지하면서 현대적 취향에 맞는 작품을 만들도록 장려했다.결국 멀리 캘커타, 런던, 보스턴은년에서 세계 대전 I.[36]까지 예술적theory—derived 유럽에서 이 두극과 동 아시아에서 respectively—developedyōga("서구식 그림")과 Nihonga("일본 그림"), 범주 th중 일본 유수 예술의 영향력을 확장하기 위해 봉사했다 이것은 전략이다.에서통화량을 유지하고 있다.

에나멜스

꽃과 새 무늬 꽃병, 나미카와 야스유키 지음

메이지 시대에는,[37] 종래의 에나멜보다 고도의 아이템이 생산되어 기술적인 정점에 달했습니다.1890년부터 1910년까지의 기간은 일본 에나멜의 [38]황금기로 알려져 있었다.예술가들은 클로이슨(금속 스트립을 [37]닫는 것)의 필요성을 줄이면서 훨씬 더 큰 에나멜 블록을 만들기 위해 페이스트와 소성 과정을 실험했다.그래서 에나멜은 전통적인 [39]그림과 비슷하거나 모방한 무늬가 더 회화적인 매개체가 되었다.꽃, 새, 곤충을 테마로 한 일본 특유의 디자인의 에나멜이 인기를 끌었다.특히, 나미카와 야스유키와 나미카와 소스케의 작품이 세계 박람회에 출품되어 많은 [40][41][42][43]상을 수상했다.2개의 나미카와와 함께, 안도 클레이슨네 컴퍼니는 고품질의 클레이슨느를 다수 생산하고 있다.일본의 에나멜은 디자인과 [44]색채에 있어서 새로운 업적으로 인해 타의 추종을 불허했다.

칠기

1872년 시바타 제신 마키에후지 타고노우라

메이지 시대에는 예술가들이 새로운 디자인을 개발하고 새로운 질감과 마무리를 실험하면서 옻칠에 대한 관심이 다시 생겼습니다.[45] 마끼에( in in)는 이 [46]시기에 가장 일반적인 질 좋은 칠기 기술이었다.시바타 제신은 바쿠마츠 시대부터 메이지 시대까지의 작품으로 높은 평가를 받은 조각가였다.에도시대에 만들어진 시바야마와 소마다라는 칠기는 금, 은, 조개, 상아, 형형색색의 금속과 유리를 상감한 화려한 스타일로 인기를 끌었고, 이 [47]시기에 절정에 달했다.일본 작업장의 옻칠은 세계 어느 [48]곳에서도 생산될 수 있는 것보다 기술적으로 우수하다고 인정받았다.

금속 세공

코로, 1890년 귀금속과 암석으로 장식된 은.

메이지 시대 초, 일본의 금속 세공은,[49] 지금까지 수출되어 온 칠기나 도자기와는 달리, 나라 밖에서는 거의 알려지지 않았다.금속 세공은 예를 들어 종이나 향솥에 청동을 사용하는 것과 같은 불교 관습과 연관되어 있었기 때문에, 불교가 [49]국교로 대체된 후에는 금속공의 기회가 적었습니다.국제 전시회에서 일본의 청동 주조를 새로운 외국인 관객에게 선보여 [49]큰 찬사를 받았다.사무라이의 과거 무기는 다양한 색상의 금속 마감재를 만들 수 있는 일본 금속공장을 갖추고 있다.구리, 은, 금을 다른 비율로 조합하여 가공함으로써 샤쿠도, 시부이치 등의 특수 합금을 만들었습니다.이 다양한 합금과 마감으로 예술가는 풀컬러 [50]장식의 느낌을 줄 수 있다.

상아 조각

꽃바구니약 1900년 메이지 시대칼릴리 일본미술품 소장품

메이지 시대에는 일본옷이 서양화되기 시작해 기모노를 입는 사람이 줄어들었기 때문에 상아와 나무로 네츠케와 키세루를 만드는 장인의 수요가 줄어들었다.그래서 그들은 새로운 들판, 실내 장식용 상아 조각품을 만들려고 노력했고, 많은 정교한 작품들이 외국으로 수출되거나 황실에 의해 구입되었다.특히 이시카와 고메이와 아사히 교쿠산의 작품은 일본에서 [51]찬사를 받았다.

도자기와 토기

야부메이잔의 도자기 그릇, 1910년경

메이지 시대의 기술과 예술적 혁신은 도자기를 국제적으로 가장 성공적인 일본의 장식 예술 형태 [52]중 하나로 만들었다.사쓰마 도자기는 원래 사쓰마 지방에서 유래한 도자기로, 금과 법랑으로 정교하게 장식되어 있습니다.이 제품들은 서양에서 매우 높이 평가되었다.서양에서 보면 일본 특유의 색소나 서양의 영향을 많이 받아 수출을 [53]염두에 두고 탄생한 스타일이다.많은 도시의 워크숍들은 유럽과 미국의 수요를 충족시키기 위해 종종 빠르고 저렴하게 이러한 스타일을 생산하기 위해 경쟁했다.그래서 '사쓰마야키'라는 용어는 원산지가 아니라 순수하게 [54]수출용으로 만들어진 질 낮은 도자기와 관련지어지게 되었다.그럼에도 야부 메이잔, 마쿠즈 고산 등의 예술가들은 최고의 예술 수준을 유지하면서 [55]수출에도 성공했다.1876년부터 1913년까지 고산은 세계박람회, 전국산업박람회 [56]등 51개 전시회에서 입상했다.

직물

일본의 종합상상관: 실크 직물 아트워크

1902년판 브리태니커 백과에서는 "일본의 장식적 천재성이 직물보다 더 매력적인 결과를 보인 것은 없다"며 "최근 몇 [57]년 동안 그 어느 분야도 눈에 띄는 발전을 이루지 못했다"고 썼다.쿄토에서는, 매우 크고 다채로운 회화 작품이 제작되고 있다.자수는 키아로스쿠로와 공중 [57]원근법 같은 다양한 그림 기법을 채택하면서 그 자체로 예술의 형태가 되었다.

전후 예술

1945년 일본이 제2차 세계대전에서 패전한 직후, 많은 일본 예술가들이 전전 및 전시 일본 [58]경찰의 오랜 탄압 끝에 미국 주도의 일본 군사 점령에 의해 합법화된 일본 공산당의 영향을 받았거나 심지어 합류했다.이것은 전후 초기에 공산당이 전시 군국주의에 [59]저항한 유일한 집단이라는 개념을 퍼뜨린 것과 관련이 있었다.또 공산주의 혁명의 반가르(vanguard)와 마찬가지로 반가르(vanguard)라는 일본어도 아방가르드(avant-garde)와 예술적 아방가르드(avant-garde)[60]와 같은 말이 될 수 있다.일본공산당은 곧 일본의 주요 미술회와 전시를 장악하게 되었고, 따라서 전쟁 직후의 미술의 지배적인 형태는 모든 예술은 목적에 부합해야 한다는 공산당 원칙에 따라 빈민과 노동자 계층의 고귀한 고통을 묘사한 사회주의 사실주의였다.혁명의 [59]대의를 발전시키는 것.1952년 공산당은 가쓰라가와 히로시 등 예술가와 새로 결성된 아방가르드예술협회(前方家arde Art Association, 젠에이비주쓰카이) 회원들에게 [61]산간 유격대를 지원하며 사회주의 리얼리즘 예술을 생산하도록 지시하기도 했다.

1950년대 사회주의 현실주의에서 벗어나기 위해 고군분투하다

1950년대에 많은 일본 예술가들은 공산당이 [62]강요한 엄격하고 제한적인 "예술"의 정의에 점점 환멸을 느끼게 되었다.하지만, 예술 사회와 전시 배심원 중 공산당 당원과 지지자들의 계속되는 우세로 인해, 예술가들은 당의 [63]지침에 따르지 않으면 그들의 예술을 보여주는 것조차 매우 어렵다는 것을 알게 되었다.일부 예술가들은 공식적인 공개 전시를 피했다.1954년 설립된 구타이(,臺) 개념예술가 그룹 등 해외에서의 인지, 재정 지원, 미술 전시 기회를 노린 사람도 있었다.그러나 요미우리신문이 주최하는 요미우리 인디펜던트전 등 일본에서는 몇 안 되는 독립전시를 누구나 [64]참가할 수 있는 작가들도 있었다.

1960년 미일 안보조약에 반대하는 대규모 안포 시위(일본어로 "안포"라고 한다)가 일어난 것은 반체제 공산당의 극히 소극적인 역할 때문이었다.시위들이 조약을 중단시키는데 실패했을 때, 일련의 비난이 공산당과 사회주의 현실주의 예술에 대한 환멸을 더욱 불러일으켰고, 더 많은 예술가들이 당의 영향력에서 [65]이탈하게 만들었다.

1960년대: 새로운 장르의 폭발적 증가

사회주의 리얼리즘의 지배가 사라지면서, 1960년대 일본에서는 "포스트모던"[66]이라고 불리는 새로운 방향으로 예술이 확장되면서 새로운 형태의 예술이 폭발적으로 증가하였다.Neo-Dada Organizers, Zero Dimension, Hi-Red Center와 같은 예술가 집단은 "비예술"과 "반예술"과 같은 개념을 탐구했고, "이벤트"와 "해프닝" 그리고 예술과 일상생활의 경계를 허물기 위해 고안된 다양한 형태의 공연 예술을 수행했습니다.모노하 그룹도 마찬가지로 예술, 공간, 풍경, 환경을 구분하는 경계를 확장했다.그래픽 디자이너 요코 다다노리와 같은 다른 작가들은 1960년대 반문화와 새로운 형태의 성인 만화에서 영감을 얻었다.공연예술에서는 히지카타 다쓰미가 부토라고 불리는 새로운 형태의 포스트모던 댄스를 개척했고, 주로 카라, 사토 마코토 등의 극작가가 급진적인 언더그라운드 [67]극장의 앙구라 스타일을 창조했다.또, 사진에서는, 모리야마 다이도와 같은 사진작가가, 세심한 구도보다 자발성을 중시해, 「거칠고 흐릿하고 초점이 맞지 않는」(말 그대로 「거칠고 흐릿한」)[68][69]의 특징을 칭찬한, 전후 사진의 매우 영향력 있는 새로운 유파를 개척했다.

일본 경제의 기적으로 알려진 1960년대 일본 경제가 크게 성장하면서 새로운 형태의 예술이 확산됐다.1960년대에 걸쳐 일본 경제는 매년 10% 이상 성장했습니다.부의 증가는 예술에 돈을 쓰고 다른 종류의 예술가와 예술가를 지원할 수 있는 새로운 계층의 소비자들을 만들었다.일본 근대사에서 처음으로 많은 예술가들이 순수하게 작품을 팔아 생계를 유지할 수 있게 되었다.1960년대 일본의 건축 붐은 일본의 전통 목판지와 종이의 건축을 평탄하게 하고, 그것을 반짝이는 유리와 강철의 거대도시로 대체하면서, 전통적인 모델로부터 과감히 탈피한 겐조 단게가 이끄는 신진 일본 건축학파에 영감을 주었다.전 세계에 영향력이 있는 것으로 판명되었습니다.

그러나 동시에 미술계는 특정(보통 남성) 작가의 작품을 남들보다 홍보하는 파벌에 의해 지배되었다.1960년대 들어 일본인의 해외여행이 쉬워지면서 쿠사마 야요이, 오노 요코 등 일부 여성 아티스트는 해외에서의 평판이 좋아져 런던, 파리, 뉴욕 등 예술 중심지로 진출하는 등 남성 아티스트도 많았다.

1970년 오사카 세계 박람회에서는 수십 명의 아방가르드 및 개념 예술가들이 채용되어 박람회 [70]참가자들을 위한 전시관과 예술 체험을 디자인했다.일본의 아방가르드 예술은 세계화되었고, 보수적인 정부조차도 세계에 자랑할 만한 것이 되었다.

1970년대와 1980년대: 경제 거품을 타고

1970년대와 1980년대 일본 미술은 1950년대와 1960년대에 시작된 많은 방향에서 지속되었지만, 종종 훨씬 더 많은 예산과 더 비싼 재료를 가지고 있었다.일본의 경제는 급속히 성장해, 결국 역사상 가장 큰 경제 버블의 하나로 성장했습니다.1985년 플라자 합의 이후 일본 통화가 엄청나게 강세를 보이면서 일본 개인과 기관이 국제 미술 시장의 주요 주체가 되었다.일본의 대기업은, 독자적인 사립 미술관을 건설해, 근현대 미술의 컬렉션을 획득하기 시작해, 일본 작가도 큰 메리트를 얻고 있다.

특히 그래픽 디자인, 팝아트, 웨어러블아트, 퍼포먼스아트, 컨셉아트, 설치아트 등 전통적인 회화와 조각에서 벗어나 예술적 연출이 계속됐다.다양한 종류의 "하이브리드" 예술이 점점 더 유행하게 되었다.기술이 발전함에 따라, 예술가들은 점점 더 전자, 비디오, 컴퓨터, 음악과 소리를 합성하고 비디오 게임을 그들의 예술에 통합했습니다.많은 젊은 작가들이 빠져들면서 성장해 온 만화나 애니메이션의 미학은 때로는 미묘한 영향을 끼쳤다.무엇보다도, 예술가들은 "하이 아트"나 "파인 아트"를 연상시키는 어떤 것도 피하고 개인적인 것, 절충적인 것, 환상적인 것, 그리고 장난스러운 것을 선호했다.에디션에서는 요시자와 미카 등 여성 아티스트가 일본 미술계에서 점점 더 받아들여지고 지지를 받고 있다.

일본의 현대 미술

일본 현대미술은 전 세계 현대미술과 같은 다양한 형식을 취하며 다양한 생각을 표현한다.광고, 애니메이션, 비디오 게임, 건축에서부터 조각, 그림, 그림 등 다양한 형태로 구성되어 있습니다.일본 작가들은 건축, 비디오 게임, 그래픽 디자인, 패션, 그리고 아마도 무엇보다도 애니메이션 분야에서 세계적인 현대 미술에 특히 큰 공헌을 했다.애니메이션은 처음에는 주로 만화 [citation needed]이야기에서 파생되었지만, 오늘날에는 다양한 애니메이션이 풍부하고, 많은 아티스트와 스튜디오가 아티스트로서 큰 명성을 얻고 있다. 미야자키 하야오, 스튜디오 지브리의 아티스트와 애니메이션 제작자는 일반적으로 애니메이션 세계에서 가장 뛰어난 존재 중 하나로 여겨진다.

또, 종이나 도예의 전통적인 형태나 종이나 비단에 흑색 잉크로 그린 그림 등, 근대 이전의 일본의 전통 예술 기법과 소재를 계속 사용하고 있는 일본 작가도 많다.이 작품들 중 일부는 전통적인 주제를 전통적인 스타일로 묘사하고 있는 반면, 다른 것들은 전통적인 매체나 재료를 사용하면서 새롭고 다른 모티브와 스타일을 탐구하거나 전통과 현대 예술 형태를 혼합한 것을 창조한다.그러나 다른 사람들은 서양의 유화 물감이나 다른 형태들을 수용하면서 토종 미디어와 스타일을 기피한다.

조각에서도 마찬가지이다; 어떤 예술가들은 전통적인 방식을 고수하고, 어떤 예술가들은 현대적인 감각으로 그것을 하고, 어떤 예술가들은 서양적이거나 완전히 새로운 방식, 스타일, 그리고 미디어를 선택한다.요아키야마는 많은 현대 일본 조각가 중 한 명일 뿐이다.그는 주로 점토 도기와 도자기를 다루며 매우 단순하고 직설적인 작품을 만들고 있는데, 마치 흙에서 만든 것처럼 보인다.또 다른 조각가는 철과 다른 현대적인 재료들을 사용하여 하나비라고 불리는 이스라엘의 항구 도시 하이파에 커다란 현대 예술 조각을 세웠다.코지마 나호코는 3D로 걸려 있는 종이 절단 조각의 기술을 개척한 현대 기리에 예술가입니다.

무라카미 다카시는 서양에서 가장 유명한 일본 현대 예술가 중 한 명일 것이다.무라카미씨와 그의 스튜디오에 있는 다른 아티스트들은 그가 "슈퍼 플랫"이라고 부른 애니메이션에서 영감을 얻어 스타일로 작품을 만든다.그의 작품들은 그림에서 조각에 이르기까지 다양한 형태를 취하며 일부는 정말로 거대한 크기이다.그러나 대부분은 밝은 색상과 단순화된 디테일을 이용하여 이 애니메이션의 영향을 명확하게 보여주지는 않는다.

쿠사마 야요이, 나라 요시토모, 스기모토 히로시, 시오타 치하루, 모리야마 다이도, 모리 마리코, 다카노 아야, 다바이모 등은 일본 [71]현대미술 분야에서 중요한 예술가들이다.예술가 모임인 그룹 1965는 현대 미술가 아이다 마코토를 멤버로 [72]꼽는다.

공연 예술

일본의 전통 음악, 무용, 연극이 현대에 많이 남아 있으며, 일본의 문화적 가치와의 재인식을 통해 어느 정도 인기를 누리고 있다.노, 가부키, 분라쿠의 극적 공연에는 불교, 신토, 민속 등 고대 종교적 용도에서 유래한 전통음악과 춤이 보존되어 있다.대륙에서 유래한 고대 궁중음악과 무용은 궁중음악가와 절과 신사의 악단을 통해 보존되었다.세계에서 가장 오래된 악기는 일본에서 조몬 시대부터 계속 사용되어 온 것으로, 돌과 점토, 2에서 4개의 현을 가진 치더가 발견되어 야요이 시대의 금속 종과 징이 추가되어 초기의 앙상블을 만들었다.초기 역사 시대(6~7세기)에는 수입 만돌린과 같은 비파와 평평한 6현 지더 등 크고 작은 북, 징, 차임, 플루트, 현악기가 등장하여 13현 고토로 발전하였다.이들 악기는 대륙에서 유래한 7세기 궁중음악의 관현악단을 형성했으며, 궁중음악은 궁중음악, 사찰, 신사 등에서 행해지는 가장 오래된 형식이다.불교에서는 지금도 사용되고 있는 율동적인 구호를 도입하여 시진을 뒷받침하고, 노와 같은 성악의 발달을 뒷받침하는 토속적인 사상과 결합하였다.

미적 개념

보디달마 서예 '천은 인간의 마음을 직접 가리키고, 자신의 본성을 들여다보고 부처가 된다', 하쿠인 에카쿠, 17세기
주요 기사 : 일본의 미학

일본 미술은 독특한 양극성이 특징입니다.예를 들어, 선사시대의 도자기에는 절제되고 세련된 예술성이 뒤따랐다.또 다른 예로는 16세기 건축물이 극과 극의 차이를 보이고 있다.가쓰라 별장은 천연자재를 중시하고 거칠고 조잡하지 않은 단순한 운동이며, 우연에 의해 달성된 아름다움에 대한 친화력이다.닛코 도시궁은 선명한 색상의 부조 조각으로 가득 찬 견고한 대칭 구조이다.눈에 보이는 모든 표면을 울린다.일본 미술은 단순함뿐만 아니라 화려한 색채로도 평가되어 19세기 서양화와 20세기 서양 건축에 큰 영향을 끼쳤다.

다양한 문화 전통에서 파생된 일본의 미적 개념은 독특한 예술 형태를 만들어 왔다.수세기에 걸쳐 다양한 예술적 모티브가 발달하고 다듬어져 상징적인 의미가 묻어나왔다.진주처럼, 그들은 여러 겹의 의미와 높은 광택을 얻었다.일본의 미학은 서양의 전통과는 확연히 다른 예술작품을 이해하는 열쇠가 된다.

동아시아의 예술 전통에서 중국은 인정받는 스승, 일본은 헌신적인 학생이었다.그럼에도 불구하고 몇몇 일본 예술은 중국 예술과 차별화될 수 있는 그들만의 스타일을 발전시켰다.중국 미술의 기념비적이고, 대칭적이고, 이성적인 접근은 일본인의 손에 의해 축소되고, 불규칙적이며, 미묘하게 암시적이게 되었다.소수가 정원을 상징하는 미니어처 암석원, 작은 식물(분재), 꽃꽂이는 천 년 동안 세련된 귀족들이 즐겨 찾는 꽃꽂이로, 현대 문화 생활의 일부가 되어 왔다.

고정된 삼각형이 아닌 자연스러운 흐름을 반영하는 대각선은 그림, 건축 또는 정원 디자인, 댄스 스텝, 음악 표기 등에서 선호되는 구조적 장치가 되었다.중국 마스터 패턴의 규칙성에서는 홀수가 짝수를 대체하고, 한쪽으로 쏠리면 모티브가 입체 물체의 모서리를 회전할 수 있어 정면 디자인에는 없는 연속성과 움직임을 얻을 수 있다.일본 화가는 12세기 무렵의 컷오프, 클로즈업, 페이드아웃의 장치를 야마토에, 즉 일본식 스크롤 회화에 사용했는데, 어쩌면 현대 영화 제작이 일본에서 이처럼 자연스럽고 성공적인 예술 형태였던 이유 중 하나일지도 모른다.직접적인 진술보다는 암시가 사용된다; 비스듬한 시적 암시와 암묵적이고 결론적이지 않은 멜로디와 생각들은 문학, 음악, 그림, 그리고 심지어 일상 언어의 의미를 이해하려고 하는 서양인들에게 좌절감을 안겨주었다.

일본인들은 적어도 10세기 또는 11세기 무렵부터 이러한 미적 사상을 환기시키는 여러 문구로 정의하기 시작했다.헤이안 시대의 궁정적인 세련됨은 절제된 예술인 시부이(西ib)에서 좋은 취향의 본질로 보이는 우아한 소박함으로 발전했다.선불교의 명상 수행에서 유래한 두 가지 용어는 평온함의 정도를 나타낸다: 하나는 겸손한 우울함에서 발견되는 휴식이고, 다른 하나는 가라앉은 아름다움을 즐기는 것을 동반하는 고요함이다.선 사상은 또한 깨달음의 목표를 향해 사람의 의식을 동요시키는 데 사용되는 예기치 못한 것과 놀라운 것을 결합하는 데에도 기여했습니다.예술에서, 이 접근법은 옻칠에 상감된 납과 같은 있을 수 없는 재료의 조합과 충돌하는 시적 이미지로 표현되었다.의외로 유머러스하고 때로는 기괴한 이미지와 모티브도 선관( (官)에서 비롯됐다.에도시대부터 예술은 주로 세속적이었지만, 일반적으로 종교적 근원에 기인하는 전통적인 미학이나 수련법은 예술 작품의 근간을 이루고 있다.

현대 개념

오늘날 일본은 종종 쇼조 만화에 관련된 더 현대적인 문화적 미학을 발전시켰고, 쇼조 만화는 "귀여운"으로 알려져 있다.만화나 애니메이션으로 대표되는 카와이는 문화적으로도 큰 영향을 미쳤으며, 일본의 [73]광고와 소비에도 큰 역할을 하고 있다.현재 가와이에 전시되어 있는 '귀여움'의 개념은 15세기 [74]에도 시대의 일본 문화에서 전통적으로 추앙되어 왔다.

  • Manga style.

    만화 스타일.

  • Kawaii fashion found in Tokyo, Japan

    東京에서 볼 수 있는 카와이 패션

  • Osaka Kawaii à Japan Expo 2014.

    오사카 카와이 아 재팬 엑스포 2014.

전통적인 미학

일본의 전통적인 미학은 일본 문화에서 가장 이른 세기에서 유래한 아름다움의 한 형태이다.적어도 200년 전에요.이러한 초기 미학의 일부는 일본의 미학을 전체적으로 구성하고 있다.싱크로텍 불교미술, 와비사비, 미야비, 시부이, 조하규.

싱크로테식 불교 미술

일본의 불교 건축물을 보세요.

와비사비

에도시대 호나미 고에쓰의 '후지산' 백라쿠찻잔(국보)

이 일본문화의 미학은 모든 것의 아름다움, 심지어 불완전한 것들로 알려져 있다.겸손함과 파격적인 것들이 와비사비의 미학으로 여겨진다.와비와 사비는 미의 미학을 불완전함 속에서 함께 구성하고 있습니다.분리하면 둘 다 다른 용어로 사용됩니다.와비는 신선하고 심플한 일의 약자로, 모든 복잡함을 나타내며, 관련된 모든 것에 매우 촌스러운 느낌을 줍니다.자연에서 만들어지고 인간으로부터 만들어지고 동시에 만들어지죠.만약 우연히 만들어진다면, 그것은 작품에 어떤 독특함을 가져온다.사비는 아름다움이고 나이에서 유래한 것이다.시간의 경과에 따라 노화에 의한 피해를 입는 작품에서 미의식이 더해져, 생명의 순환이 사비에 큰 역할을 한다.와비와 사비를 조합하면, 모든 심플한 작품이 복잡한 디자인을 필요로 하지 않는 심미성을 얻을 수 있습니다.또한 아름다움은 절대적인 완성도를 필요로 하지 않으며, 나이가 들수록 섬세한 아름다움이 찾아옵니다.

와비사비는 일본 문화에서 항상 다도와 관련이 있었다.이러한 의식은 심오한 와비사비 행사라고 한다.와비사비는 건축, 패션, 철학 같은 활동과도 관련이 있다.와비사비의 모든 부분은 같은 주제를 가지고 있다: 불완전한 작품과 같은 모든 결점은 부인할 수 없는 아름다움을 지니고 있다.하지만 물론 모두가 와비사비의 이면에 있는 아이디어를 선호하는 것은 아니다.이것이 사실이지만, 다른 사람들의 믿음에도 불구하고 그 믿음을 유지하기를 원하는 많은 사람들이 있다.전반적으로 와비사비는 일상생활에 매우 신경 쓰는 접근법인 것 같다.평온한 시각으로 판단하지 않고 살 수 있는 방법.와비사비를 이해할 때 심미적인 의미도 강하게 관련되어 있습니다.

비대칭성, 불규칙성
간장: 심플함
기본, 풍화.
겉치레 없이 자연스럽다.
미묘하게 심오한 우아함, 명백하지 않다.
다쓰조쿠: 관습에 얽매이지 않고, 자유롭다.
세이자쿠: 평온, 침묵.

이 용어들은 각각 와비사비의 완전한 이해를 분석하기 위해 사용된다.그것은 전체 미의 철학적인 측면과 자신의 주변을 바라보는 방법과 더 관련이 있다.이것들은 인간의 생각, 삶의 특정한 측면 뒤에 있는 주제, 또는 자연 그 자체를 포함한 여러 가지를 암시할 수 있다.각각의 용어는 와비사비가 불완전하거나 [citation needed]불완전한 작은 것들을 감상하는 미학이라는 점으로 귀결된다.

미야비

현재 일본의 역사에서 미야비는 많은 것을 상징한다.하지만, 우아함, 아름다움, 세련됨, 그리고 우아함의 개념이 중심인 것 같습니다.그 때문에, 문화내의 대부분의 일본 미학 중, 오래된 미학 중 하나입니다.그래서 미야비에 비해 새로운 것 같은 다른 것만큼 인기가 없는 것이군요.그것은 귀족 문화를 표현하기 위해서도 사용되는 용어이다.미야비는 문화에서 모든 형태의 무례함과 천박함을 없앤다.이것은 귀족문화의 올바른 그림과 형태를 가져온다.미야비는 이러한 변화를 가져옵니다.미야비는 사랑, 문학, 감정, 예술의 교양을 일본 문화에서 인정받고 있다.세련미를 환영한다.

시부이

시부이는 물건이나 예술작품이 무엇인지를 이해하게 된다.심플하고 미묘한 아름다움을 특정 디자인이나 리뷰에서 찾는 것이 목표입니다.시부이는 여러 면에서 와비사비와 매우 비슷하지만 와비사비는 아니다.시부이는 물건이나 사물을 단순한 존재로 소중히 여긴다.시부이에 관한 한 복잡함이나 비이성적인 생각은 없다.일본 문화의 미학과 마찬가지로 시부이에 관해서는 시부미가 시부이의 맛, 시부사가 시부이의 상태라는 두 가지 용어가 있습니다.

이 두 용어 모두 미묘하고 눈에 띄지 않는 아름다움과 관련이 있다.예술이나 패션뿐만 아니라 시부이 미의 일부라고 할 수 있는 물건이나 물건이 몇 가지 있습니다.사람, 동물, 노래, 영화 등 여러 종류의 미디어를 시부이로 볼 수 있습니다.예를 들어, 신발, 카메라, 오토바이, 그리고 일상 활동에 사용되는 여러 다른 예술품이나 물건들은 시부이라고 볼 수 있다.직설적이고 간단한 것이 시부이의 방법이다.과장된 것도, 너무 화려한 것도 없어요.

조하규

이것은 노극장에서 유래하여 14세기에 등장하기까지 한 미학이다.지금도 일본에서는 다양한 예술 형태로 사용되고 있습니다.그것은 조, 하, 규가 각각의 사물의 정의를 이루는 것을 나타내는 여러 다른 예술에서 적용된 운동이다: 조, '시작', 하, '브레이크', '크랙', 규: '급속', '오버'

기본적으로, 이 미적인 의미는 움직임을 다루는 부분들이라면, 적절한 빌드업으로 천천히 시작되어야 한다는 것입니다.이야기가 전해지는 방식과 거의 비슷합니다.그리고 나서 그것이 절정에 도달하면, 그것은 속도를 낸다.그것이 종말에 도달했을 때, 그때가 바로 일이 빠르게 진행되기 시작해서 갑자기 종말에 도달하는 시기이다.

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전통적으로 예술가는 표현의 매개체였고, 사회적 지위가 낮은 장인이나 연예인의 역할에 걸맞게 개인적으로 말을 하지 않았다.서예가는 유교 문인계급, 즉 일본 사무라이계급의 일원인 반면, 가마쿠라 시대에는 대천재의 예술가가 봉건 영주로부터 이름을 받아 사회적으로 출세하는 경우가 많았다.그러나 가부키 초기의 여배우들의 부도덕한 행동으로 인해 도쿠가와 정권은 여성을 무대 밖으로 내보냈고, 이후 가부키와 노에서 여성 역할은 남성이 맡았다.

제2차 세계대전 이후 예술가들은 주로 예술협회에 모여들었는데, 그 중 일부는 오랫동안 확립된 전문사회였고 다른 일부는 최근의 예술운동을 반영했다.예를 들어 일본예술인연맹은 매년 열리는 권위 있는 니튼(일본미술전)을 비롯해 가장 많은 수의 주요 전시를 담당했다.일본 펜클럽(PEN Club of Japan)은 30여 개 주요 작가협회 중 가장 규모가 컸다.배우, 무용수, 음악가, 기타 공연 예술가들은 1987년 현대 혁신에 의해 위험에 처했다고 여겨졌던 가부키 예술의 전통적인 높은 수준을 유지하기 위해 조직된 가부키 협회를 포함한 그들만의 사회를 자랑했다.그러나 1980년대까지 아방가르드 화가와 조각가들은 모든 그룹을 피하고 "애착 없는" 예술가였다.

미술학교

일본에는 국립대를 중심으로 예술 전문대학이 많이 있습니다.가장 중요한 것은 국립대학 중 가장 입학이 어려운 도쿄예술대학이다.또 다른 중요한 중심지는 20세기 후반 일본의 혁신적인 젊은 예술가들을 배출한 타마 예술 대학이다.중국 전통 방식에서 유래한 전통 예술 훈련이 남아 있습니다. 전문가들은 가정이나 본교에서 주종 관계 안에서 가르칩니다.학생은 최고 수준의 훈련을 받거나 예술학교를 졸업하거나 교장이 될 때까지 자신의 스타일을 실험하지 않는다.많은 젊은 예술가들은 이 시스템이 창의성과 개성을 억압한다고 비판해 왔다.새로운 세대의 아방가르드들은 이 전통을 깨고 종종 서양에서 훈련을 받는다.그러나 전통 예술에서는 마스터-푸필 시스템이 과거의 비밀과 기술을 보존한다.가마쿠라 시대부터 명가의 문체나 테마를 계속 사용하고 있는 것도 있습니다.일본 예술가들은 기술적 기교를 직업의 핵심이 아닌 것으로 간주하고 있으며, 이는 세계 각국에서 일본 미술의 특징 중 하나로 인식되고 있다.

1968년 교육부 특별기구로 설립된 문화진흥원을 통해 예술에 대한 국가 지원도 활발해졌다.동청의 1989년도 예산은 5년간의 삭감 후 378억엔으로 증가했지만, 여전히 일반 예산의 1%를 훨씬 밑돌고 있다.문화청 문화과는 국내외 예술에 관한 정보를 전파하고 문화재보호과(文化 protectionion과, 현재 문화재보호과)는 국가의 문화유산을 보호하였다.문화부는 예술과 문화 진흥, 예술 저작권, 국어 향상 등과 같은 분야에 관심을 가지고 있다.또한 국가 및 지역 예술 및 문화 축제를 지원하고 음악, 연극, 무용, 미술 전시회, 영화 제작 등의 문화 행사를 위한 기금을 마련하고 있다.젊은 예술가와 저명한 실무자들을 격려하기 위해 특별상이 제공되며, 해외 연수를 위해 매년 일부 보조금이 지급된다.동청은, 교토와 도쿄의 국립 현대 미술관과 도쿄의 국립 서양 미술관에 자금을 대어, 일본과 국제 양쪽의 전시회를 개최하고 있다.또, 문단의 저명인사를 기리는 재팬 아트 아카데미도, 입회시켜 상금으로 350만엔을 내걸고 있다.가장 높은 영예인 문화훈장을 수여하는 황제가 직접 임석하는 가운데 상을 수여한다.도쿄예술대학은 예년에도 여러 예술행사에 적극적으로 참여하고 있다.그들의 다른 캠퍼스들 또한 다양한 과정들을 포함하고 있다.

민간 후원 및 재단

정부의 예술 후원·홍보는 문화청의 빠듯한 예산을 넘어 기업 일본과의 새로운 협력 노력을 포함하도록 확대되고 있다.다른 많은 공공 기관과 민간 기관들이 참여하는데, 특히 급성장하고 있는 예술상 시상 분야에는 더욱 그렇습니다.점점 더 많은 대기업들이 주요 신문에 참여하여 전시회와 공연을 후원하고 매년 상을 수여하고 있다.많은 문학상 중 가장 중요한 것은 존경받는 나오키상과 아쿠타가와상이며, 아쿠타가와상은 미국의 퓰리처상과 맞먹는 상이다.

1989년, 크로스 컬쳐 교류를 촉진하기 위한 대처로, 일본 미술 협회에 의한 일본 「노벨상」의 「프리미엄 임페리얼상」이 제정되었습니다.이 상금 10만 달러는, 매스 미디어 대기업 후지산케이·커뮤니케이·그룹에 의한 자금 조달로, 전 세계 선정으로 수여되었습니다.

특히 내아시아의 실크로드와 중국의 둔황에 있는 해외 유적지를 보존하기 위해 설립된 문화재 재단 등 예술 진흥 재단이 1980년대에 생겨났다.또 다른 국제적 협정은 1988년 미국 스미스소니언 협회와 아시아 유물에 대한 첨단 기술 연구의 공동 교류를 위해 이루어졌다.정부는 일본국제교류재단에 대한 자금조달, 학술교류 효과, 연례상 수여, 출판물 및 전시회 지원, 일본 전통예술단체 해외공연 등 큰 역할을 하고 있다.매년 가을 두 달 동안 모든 공연예술을 대상으로 열리는 예술제는 문화청의 후원을 받는다.주요 도시들 또한 예술에 대한 상당한 지원을 제공하고 있다; 1980년대에 점점 더 많은 도시들이 공연 예술을 위한 큰 센터를 건설하고 정부 자금에 자극받아 마쓰에 시에 의해 시작된 Lafcadio Hearn Prize와 같은 상을 수여하고 있었다.1980년대에는 많은 새로운 시립 박물관들이 이전에 이용 가능했던 것보다 약 3분의 1 더 많은 시설을 제공하고 있었다.1980년대 후반, 도쿄는 20개 이상의 새로운 문화 홀을 증축했는데, 특히 도큐 그룹에 의해 지어진 큰 분카무라, 셰익스피어 글로브 극장의 재건축이 눈에 띄엄띄엄.이 모든 노력은 예술에 대한 대중의 열의를 반영한다.일본의 미술품 구매자들은 1980년대 후반 서양 미술 시장을 휩쓸며 인상주의 회화에 사상 최고가를 기록했고, 피카소 한 대에만 5천170만 달러를 지불했다.

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레퍼런스

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  12. ^ 초기 일본 불교 조각에 대한 한국의 영향 buddhapia.com 2011년 1월 11일 웨이백 머신에 보관 "한국 불교 예술은 중국에서의 발전에 직접적으로 기초하고 있기 때문에 궁극적으로 일본에 대한 한국의 영향 연구는 한국에 대한 중국의 영향에 대한 이해에 기초해야 한다는 분명한 점을 강조해야 한다.북위의 영토는 고구려와 인접해 있기 때문에 북위 궁정의 불교 사상과 예술적 흐름이 고구려로 직행하는 것은 당연하다.백체도 위와 같이 중국 남부로부터 직접적인 영향을 받았음에도 고구려가 남방 백체와 신라에 상당한 영향을 미쳤다는 점도 지적해야 한다.한글 아이콘을 일본에 가져와서.
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  15. ^ 한국: 제임스 헌틀리 그레이슨의 종교사
  16. ^ 「일본의 바람의 신상은, 서양의 것과 별개로 다른 전통에 속하지 않고, 같은 기원을 가지고 있다.이 극동 바람의 신상의 특징 중 하나는 이 신이 양손으로 들고 있는 바람 주머니로, 그 기원은 보레아스 오아도가 메고 있는 것으로 거슬러 올라간다.(다나베 가쓰미 대왕, 그리스에서 일본으로의 동서 문화 접촉 페이지 21)
  17. ^ 바자파니 이미지의 기원을 설명해야 한다.이 신은 석가모니의 수호신이자 인도신이다.그의 이미지는 헤라클레스의 이미지를 본떠 만들어졌다.간다란 바자라파니는 중앙아시아와 중국에서 변형된 뒤 일본으로 전해져 구아디나 신상의 레슬링 스타일에 영향을 미쳤다.(다나베 가쓰미, 그리스에서 일본으로의 알렉산더 대왕, 동서 문화 접촉, 페이지 23).
  18. ^ 서양에서 동양으로의 꽃 두루마리 무늬의 전승은 도쿄국립박물관에서 열리는 일본 고대미술의 정기전시에 전시되어 있다.
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