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얼터너티브 록

Alternative rock
이 장르와 관련된 라디오 형식은 모던 록(Modern rock)을 참조하십시오.
얼터너티브 록
기타명
  • 얼터너티브 뮤직
  • 알트락
  • 대안
스타일리시한 기원
문화적 기원1970년대 말에서 1980년대 초, 미국과 영국
파생형
하위 장르
퓨전 장르
로컬 장면
기타 토픽

얼터너티브 록(Alt-Rock)은 1970년대의 언더그라운드 음악에서 발전한 록 음악의 한 범주입니다. 얼터너티브 록 액트는 1990년대에 미국과 영국에서 각각 그룬지, 슈게이즈, 브릿팝의 하위 장르와 같은 주류적인 성공을 거두었습니다. 이 기간 동안, 1980년대의 많은 회사 록, 하드 록, 글램 메탈 행위들이 음악 산업 전반에 걸쳐 진부해지기 시작했기 때문에, 많은 음반사들은 "대안"을 찾고 있었습니다. 1990년대 X세대가 문화 세력으로 등장한 것도 얼터너티브 록의 부상에 큰 기여를 했습니다.

"대안"이란 장르가 주류나 상업적인 록이나 팝과 구별되는 것을 말합니다. 이 용어의 원래 의미는 더 넓었는데, 1970년대 후반 펑크 록의 음악 스타일이나 독립적인 DIY 정신에 영향을 받은 음악가들을 지칭했습니다.[4] 전통적으로 얼터너티브 록은 그 소리, 사회적 맥락, 지역적 뿌리의 측면에서 다양했습니다. 1980년대 내내 잡지와 영화관, 대학 라디오 방송, 입소문 등이 두각을 나타냈고 노이즈 팝, 인디 록, 그룬지, 슈즈 등 얼터너티브 록의 독특한 스타일(및 음악 장면)의 다양성을 강조했습니다. 1988년 9월, 빌보드는 더 많은 언더그라운드, 독립, 비상업적인 록 아티스트들의 음악을 연주하는 로스앤젤레스의 KROQ-FM과 뉴욕의 WDRE-FM과 같은 방송국들이 미국의 라디오 방송국 전반에 걸쳐 포맷의 상승을 반영하기 위해 차트 시스템에 "얼터너티브"를 도입했습니다.[5][6]

처음에, 몇몇 다른 스타일들이 마이너 메인스트림의 주목을 받았고 R.E.M.과 Jane's Addiction과 같은 몇몇 밴드들이 주요 레이블에 계약되었습니다. 1980년대 영국의 주요 얼터너티브 록 밴드 중 하나인 스미스와 같은 당시 대부분의 얼터너티브 밴드는 독립 레이블에 서명한 상태로 남아 있었고 주류 라디오, 텔레비전 또는 신문으로부터 상대적으로 적은 관심을 받았습니다. 너바나의 획기적인 발전과 1990년대 그룬지와 브릿팝 운동의 인기로 얼터너티브 록이 음악적 주류에 진입하면서 많은 얼터너티브 밴드들이 성공을 거두게 되었습니다.

이모는 2000년대에 폴 아웃 보이(Fall Out Boy), 마이 케미컬 로맨스(My Chemical Romance), 파라모어(Paramore), 패닉(Panic!)과 같은 멀티 플래티넘 공연으로 주류의 성공을 거두었습니다. 화이트 스트라이프와 스트로크 같은 밴드들은 2000년대 초반에 상업적인 성공을 거두었고, 개러지 록, 포스트 펑크, 뉴 웨이브에서 영감을 얻은 새로운 얼터너티브 록 밴드의 유입에 영향을 미쳐 장르의 부활을 확립했습니다.

임기원천

과거에 대중음악 취향은 대형 엔터테인먼트 회사 내의 음악 임원들에 의해 좌우되었습니다. 음반 회사들은 가장 인기 있는 연예인이 될 것으로 생각되고 따라서 가장 많은 매출을 올릴 수 있는 연예인들과 계약을 맺었습니다. 이 밴드들은 값비싼 스튜디오에서 그들의 노래를 녹음할 수 있었고, 그 후 그들의 작품은 엔터테인먼트 회사가 소유한 음반 가게 체인을 통해 판매되었고, 결국 큰 박스 소매상으로 상품을 팔았습니다. 음반 회사들은 그들의 아티스트들에게 가장 많은 노출을 하기 위해 라디오 및 텔레비전 회사들과 협력했습니다. 결정을 내리는 사람들은 음악을 상품으로 취급하는 사업가들이었고, 예상 매출 수치를 내지 않는 밴드들은 이 시스템에서 제외되었습니다.[7]

얼터너티브 록이라는 용어가 1990년경에 일반적으로 사용되기 전에, 그것이 지칭하는 음악의 종류는 다양한 용어들에 의해 알려졌습니다.[8] 1979년, 테리 톨킨은 그가 쓰고 있는 그룹들을 묘사하기 위해 얼터너티브 뮤직이라는 용어를 사용했습니다.[9][page needed] 1979년 댈러스 라디오 방송국 KZEW는 "로큰롤 얼터너티브"라는 제목의 심야 뉴 웨이브 쇼를 열었습니다.[10] "College rock"는 대학 라디오 회로와의 연결과 대학생들의 취향 때문에 1980년대 미국에서 음악을 묘사하기 위해 사용되었습니다.[11] 영국에서는 펑크 서브컬처의 결과로 수십 개의 작은 두잇 유어셀프 레코드 레이블이 등장했습니다. 이러한 레이블 중 하나의 설립자에 따르면 Cherry Red, NME 및 Sounds 잡지는 "Alternative Charts"라는 소규모 음반 매장을 기반으로 차트를 발행했습니다. 1980년 1월 인디 차트라는 유통에 기반을 둔 최초의 전국 차트가 발행되었고, 이는 즉시 이 레이블들을 돕는 것을 목표로 성공했습니다. 당시 인디라는 용어는 말 그대로 독립적으로 배포된 레코드를 설명하는 데 사용되었습니다.[12] 1985년이 되자 인디는 단순히 유통 상태가 아닌 특정 장르, 즉 하위 장르 그룹을 의미하게 되었습니다.[11]

록 음악을 설명하기 위한 대안이라는 용어의 사용은 1980년대 중반쯤에 시작되었습니다.[13] 그 당시 최첨단 음악에 대한 일반적인 음악 산업 용어는 각각 신선함과 과거의 소리를 재맥락화하는 경향을 나타내는 새로운 음악과 포스트모던이었습니다.[4][14] 1985년경 비슷한 용어인 얼터너티브 팝이 등장했습니다.[15]

1987년, 스핀 잡지는 대학 록 밴드 캠퍼 반 베토벤을 "대체/인디"로 분류하면서, 그들의 1985년 노래 "Where the Hell Is Bill" (Phone Free Sandlom Victory)는 "대체/독립적인 장면을 불러내고 건조하게 찢어버렸다"고 말했습니다.[16] 당시 캠프 반 베토벤의 지도자였던 데이비드 로위(David Lowery)는 나중에 "저는 그 단어가 우리에게 적용되는 것을 처음 본 것을 기억합니다. 제가 파악할 수 있는 가장 가까운 것은 우리가 펑크 밴드처럼 보였지만, 우리는 팝 음악을 연주하고 있었기 때문에, 그들은 우리를 위해 이 단어를 대안으로 만들었습니다."[17] 1980년대의 DJ와 프로모터들은 이 용어가 1970년대의 미국 FM 라디오에서 유래했다고 주장합니다. 이 라디오는 더 긴 노래를 특징으로 하고 DJ에게 곡 선택의 자유를 줌으로써 상위 40개 라디오 포맷에 대한 진보적인 대안 역할을 했습니다. 한 전직 DJ이자 프로모터에 따르면, "어쩌다 보니 '대안'이라는 용어가 80년대 대학 라디오 사람들에 의해 재발견되고 그들은 새로운 포스트 펑크, 인디, 언더그라운드 등 어떤 음악에도 이 용어를 적용했습니다."[18]

처음에는 "헤비 메탈 발라드, 레어라이즈 뉴 웨이브"와 "고에너지 댄스 앤서"의 영향을 받지 않은 의도적인 비주류 록 행위를 언급했습니다.[19] 이 용어의 사용은 뉴 웨이브, 팝, 펑크 록, 포스트 펑크, 그리고 때때로 "대학"/인디" 록으로 확장될 것이며, 이는 모두 로스앤젤레스의 KROQ-FM과 같은 당시 미국 "상업 대안" 라디오 방송국에서 발견됩니다. 저널리스트 짐 제르는 얼터너티브가 "랩, 쓰레기, 금속 및 산업"과 같은 변형도 포함한다고 썼습니다.[20] 제인스 어딕션의 리더 페리 파렐이 구상한 북미 순회 축제인 제1회 롤라팔루자의 법안은 헨리 롤린스, 버트홀 서퍼스, 아이스-T, 나인 인치 네일스 등 '얼터너티브 록 커뮤니티의 다른 요소들'을 재결합시켰습니다. 수시와 밴시(두 번째 헤드라이너로)와 제인스 어딕션(헤드라이너로).[20] 1991년 7월 피닉스에서 롤라팔루자의 개막일을 MTV에서 취재하면서 데이브 켄달은 영화제가 "얼터너티브 록의 가장 다양한 라인업"을 선보였다는 보도를 소개했습니다.[21] 그 해 여름, Farrell은 Alternative Nation이라는 용어를 만들었습니다.[22]

1991년 12월, Spin 잡지는 다음과 같이 언급했습니다. "올해 처음으로 얼터너티브 록으로 여겨졌던 것이, 제한적이나마 수익성이 상당히 높은 대학 중심의 마케팅 그룹이 사실상 주류로 자리 잡았음이 분명해졌습니다."[20]

1990년대 후반에, 그 정의는 다시 더 구체적이 되었습니다.[4] 1997년, 뉴욕 타임즈의 닐 스트라우스는 얼터너티브 록을 "부드러지고 70년대에 영감을 받은 기타 리프와 가수들이 서사적인 비율을 차지할 때까지 그들의 문제에 대해 고민하는 것으로 구별되는 단단한 가장자리의 록"이라고 정의했습니다.[19]

음악을 대안으로 정의하는 것은 단어의 두 가지 상반된 적용으로 인해 종종 어렵습니다. 대안은 현상에 도전하는 음악을 설명할 수 있으며, 그것은 "치열하게 아이콘적이고, 반상업적이고, 반주류적"이며, 음악 산업에서도 "음반점, 라디오, 케이블 텔레비전, 인터넷을 통해 소비자가 선택할 수 있는 것"을 나타내는 용어로 사용됩니다.[23] 하지만 얼터너티브 음악은 역설적으로 주류 록과 마찬가지로 상업적이고 시장성이 있게 되었고, 음반 회사들은 주류 록이 도달하지 못하는 청중들에게 음악을 마케팅하기 위해 "얼터너티브"라는 용어를 사용했습니다.[24] 장르에 대한 광범위한 정의를 사용하여 데이브 톰슨은 그의 책 얼터너티브 록에서 얼터너티브 록을 탄생시킨 세 가지 주요 사건으로 섹스 피스톨스의 결성과 패티 스미스의 앨범 Horses와 Lou Reed의 Metal Machine Music의 발매를 언급합니다.[25] 인디 록이 미국에서 현대 팝과 록을 설명하는 가장 일반적인 용어가 된 2000년대 초반까지는 인디 록과 얼터너티브 록이라는 용어가 혼용되곤 했습니다.[26] 두 장르 모두 공통점이 있는 측면이 있는 반면, 인디 록은 더 미국의 얼터너티브 록과 달리 영국에 기반을 둔 용어로 여겨졌습니다.[27]

특성.

얼터너티브 록이라는 이름은 1980년대 중반 이후 펑크 록을 계기로 등장한 언더그라운드 음악의 포괄적인 용어입니다.[28] 얼터너티브 록은 대부분의 역사를 통해 주류 문화의 상업주의에 대한 거부로 정의되었지만, 주요 얼터너티브 아티스트들 중 일부가 1990년대부터 (특히 2000년대까지) 주류의 성공을 거두거나 주요 레이블과 공동 작업을 했기 때문에 이의가 제기될 수 있습니다. 그 이상). 1980년대 얼터너티브 밴드는 일반적으로 소규모 클럽에서 연주하고 인디 레이블에서 녹음했으며 입소문을 통해 인기를 확산시켰습니다.[29] 1989년 뉴욕 타임즈는 이 장르가 "파워 화음을 터뜨리고, 치밍 리프를 골라내고, 퍼지톤으로 버즈를 울리고, 피드백에서 삐걱거리는 기타로 우선 기타 음악"이라고 단언했지만, 이와 같이 얼터너티브 록 전체에 정해진 음악 스타일은 없습니다.[30] 록 음악이 주류를 이룬 이후로 다른 록 스타일보다 대체 록 가사는 약물 사용, 우울증, 자살 및 환경주의와 같은 사회적 관심사를 다루는 경향이 있습니다.[29] 가사에 대한 이러한 접근 방식은 1980년대와 1990년대 초 미국과 영국의 사회적, 경제적 긴장을 반영하여 발전했습니다.[31]

1960년대와 1970년대: 선구자들

얼터너티브 록의 선구자들은 1960년대에 원시 펑크와 함께 존재했습니다.[32] 얼터너티브 록의 기원은 벨벳 언더그라운드(The Velvet Underground & Nico)로 거슬러 올라갈 수 있으며,[33] 이는 이후에 나올 많은 얼터너티브 록 밴드에 영향을 미쳤습니다.[34] 시드 배럿(Syd Barrett)과 같은 1960년대의 엉뚱하고 별난 인물들은 대체 록에 일반적으로 영향을 미칩니다.[35]

1980년대 : 초기역사

Male singer in white shirtsleeves and trousers, with a band behind him on a small stage.
최초의 인기 얼터너티브 록 밴드 중 하나인 R.E.M.은 대학 라디오 방송, 지속적인 투어, 풀뿌리 팬층에 의존하여 주류에 진입했습니다.

데드 케네디스는 1979년 독립 음반사 얼터너티브 텐타클스(Alternative Tentacles)를 결성하여 버톨 서퍼스(Butthole Surfers)의 1983년 자칭 EP와 같은 영향력 있는 언더그라운드 음악을 발표했습니다. 1984년까지 인디 레이블과 계약한 대부분의 그룹은 다양한 록, 특히 1960년대 록의 영향을 받았습니다. 이것은 미래 지향적이고 초합리적인 포스트 펑크 시대로부터의 급격한 단절을 나타냅니다.[36]

"얼터너티브 음악은 아직 주류 관객을 달성하지 못한 음악이고, 얼터너티브는 더 이상 새로운 물결이 아니라 마음의 성향입니다. 대체 음악은 더 많은 청중에게 다가갈 수 있는 잠재력이 있는 모든 종류의 음악입니다. 그것은 또한 진정한 힘, 진정한 품질, 진정한 흥분을 가지고 있으며, 인기가 많은 휘트니 휴스턴과 달리 사회적으로 중요해야 합니다."

—Mark Josephson, Executive Director of the New Music Seminar speaking in 1988[37]

1980년대 내내 대체 암석은 주로 지하 현상으로 남아 있었습니다. 때때로 노래가 상업적으로 히트하거나 롤링 스톤과 같은 주류 출판물에서 음반이 비평적인 찬사를 받는 반면, 1980년대 얼터너티브 록은 주로 독립 음반사, 팬진 및 대학 라디오 방송국에 등장했습니다. 얼터너티브 밴드는 끊임없이 투어를 하고 정기적으로 저예산 앨범을 발표함으로써 지하 팬층을 구축했습니다. 미국에서는 이전 밴드들을 계기로 새로운 밴드들이 생겨날 것이고, 이 밴드들은 미국 각지에서 다양한 장면들로 채워진 광범위한 지하 회로를 만들었습니다.[28] 대학 라디오는 새로운 대체 음악을 깨는 데 필수적인 부분을 형성했습니다. 1980년대 중반 캘리포니아주 샌 루이스 오비스포에 있는 대학 방송국 KCPR은 DJ 핸드북에서 "대체 라디오"에서 재생되는 대중적인 노래와 "최첨단" 노래 사이의 긴장감을 설명했습니다.[38]

비록 1980년대 미국의 얼터너티브 아티스트들이 화려한 음반 판매량을 만들어낸 적은 없었지만, 그들은 후대 얼터너티브 뮤지션들에게 상당한 영향력을 행사했고, 그들의 성공을 위한 기반을 마련했습니다.[39] 1988년 9월 10일, 미국의 얼터너티브 및 모던 록 라디오 방송국에서 가장 많이 재생된 40곡을 나열한 얼터너티브 송 차트가 빌보드에 의해 만들어졌습니다. 첫 번째 1위는 수시와 밴시의 "Peek-a-Boo"였습니다.[40] 1989년까지 이 장르는 뉴오더, 퍼블릭 이미지 리미티드, 슈가큐브가 출연하는 패키지 투어가 미국 아레나 서킷을 순회할 정도로 인기를 끌었습니다.[41]

초기에 영국 얼터너티브 록은 팝 지향적인 (앨범과 싱글을 동등하게 강조하고 댄스와 클럽 문화의 요소를 통합하는 데 더 큰 개방성으로 특징지어짐)과 특히 영국의 관심사에 대한 서정적인 강조로 인해 미국의 얼터너티브 록과 구별되었습니다. 그 결과 미국에서 상업적 성공을 거둔 영국의 얼터너티브 밴드는 거의 없습니다.[42] 1980년대 이후 영국에서는 라디오에서 얼터너티브 록이 광범위하게 연주되었는데, 특히 존 필(BBC 라디오 1에서 얼터너티브 음악을 옹호했던), 리처드 스키너, 애니 나이팅게일과 같은 디스크 자키들에 의해 연주되었습니다. 미국에서 컬트 추종자를 가진 아티스트들은 영국 국영 라디오와 주간 음악 언론을 통해 더 많은 노출을 받았고, 많은 대체 밴드들이 그곳에서 차트 성공을 거두었습니다.[43]

1980년대 미국 땅속

A woman and a man playing guitar in performance. The woman on the left is dressed in a short dress and the man on the right is in jeans and a shirt.
소닉 유스의 킴 고든과 서스턴 무어

드림 신디케이트, 봉고스, 10,000 매니아스, R.E.M., 필리스, 폭력적인 팜스와 같은 초기 미국 얼터너티브 밴드들은 펑크 영향과 포크 음악 및 주류 음악 영향을 결합했습니다. R.E.M.이 가장 즉각적으로 성공을 거두었습니다; 그들의 데뷔 앨범인 Murmur (1983)는 탑 40에 진입했고 많은 장글 팝 팔로워를 낳았습니다.[44] 1980년대 초반의 많은 장글 팝 장면 중 하나인 로스앤젤레스의 페이즐리 언더그라운드는 1960년대의 사운드를 부활시켰고, 벨벳 언더그라운드와 같은 펑크와 언더그라운드의 영향뿐만 아니라 사이키델리아, 풍부한 보컬 하모니, 포크 록의 기타 인터플레이를 통합했습니다.[28]

미국 인디 음반사인 SST 레코드, 트윈/톤 레코드, 터치 앤 고 레코드, 디스코드 레코드는 당시 미국 언더그라운드 씬을 지배했던 하드코어 펑크에서 새롭게 부상하고 있는 얼터너티브 록의 더 다양한 스타일로 변화를 주도했습니다.[45] 미니애폴리스 밴드인 휴스커 뒤(Hüsker Dü)와 리셉터즈(Replacements)가 이러한 변화를 나타냈습니다. 둘 다 펑크 록 밴드로 시작했지만, 곧 그들의 소리를 다양화하고 더 멜로디컬하게 되었습니다.[28] 마이클 아제라드(Michael Azerrad)는 휴스커 뒤(Hüsker Dü)가 하드코어 펑크와 대학 록의 더 멜로디컬하고 다양한 음악 사이의 핵심 연결고리라고 주장했습니다. 아제라드는 "휘스커 뒤는 멜로디와 펑크 록이 상반되지 않는다는 것을 언더그라운드에 설득하는 데 큰 역할을 했습니다."라고 썼습니다.[46] 이 밴드는 또한 미국 인디계 최초로 메이저 음반사에 계약을 체결함으로써 모범을 보였고, 이는 대학 록을 "실행 가능한 상업적 기업"으로 확립하는 데 도움이 되었습니다.[47] Replacements는 정치적 우려 대신 진심 어린 작곡과 말장난에 집중함으로써 수많은 언더그라운드 씬 컨벤션을 뒤집었습니다. Azerrad는 "R.E.M.과 함께 주류 사람들이 좋아하는 몇 안 되는 언더그라운드 밴드 중 하나"라고 언급했습니다.[48]

1980년대 후반까지, 미국의 얼터너티브 씬은 기발한 얼터너티브 팝(The Maybe Giants and Camper Van Beethoven)부터 노이즈 록(Sonic Youth, Big Black, Jesus Lizard[49]), 그리고 인더스트리얼 록(Ministry, Nine Inch Nails)에 이르는 스타일에 의해 지배되었습니다. 이 소리들은 차례로 보스턴의 픽시스와 로스앤젤레스의 제인스 어딕션의 출현으로 이어졌습니다.[28] 비슷한 시기에 워싱턴주 시애틀에서 처음에는 "시애틀 사운드"로 불렸던 그룬지 하위 장르가 1990년대 초에 인기를 얻기 전까지 등장했습니다.[50] Grunge는 헤비 메탈과 펑크 록을 혼합한 지저분하고 탁한 기타 사운드를 특징으로 했습니다.[51] 시애틀 인디 레이블인 서브 팝(Sub Pop)이 주로 홍보한 그룬지 밴드는 현지 날씨에 적합한 플란넬 셔츠와 전투화를 선호하는 중고품 매장 패션으로 유명했습니다.[52] 초창기 그룬지 밴드 사운드가든과 머드허니는 각각 미국과 영국에서 비평가들의 찬사를 받았습니다.[28]

10년이 끝날 무렵, 많은 얼터너티브 밴드들이 주요 레이블에 계약하기 시작했습니다. 초기 메이저 레이블 계약인 Hüsker Dü and the Replacements가 거의 성공을 거두지 못했지만, R.E.M.과 Jane's Addiction과 같은 메이저와 계약한 행위들은 골드와 플래티넘 기록을 달성하여 얼터너티브의 이후 돌파구를 마련했습니다.[53][54] 픽시스와 같은 일부 밴드는 국내에서는 무시당했지만 해외에서는 엄청난 성공을 거두었습니다.[28]

10년 중반에 Hüsker Dü의 앨범 Zen Arcade는 개인적인 문제를 해결함으로써 다른 하드코어 활동에 영향을 미쳤습니다. 워싱턴 D.C.의 하드코어 장면에서 "emocore" 또는 나중에 "emo"라고 불렸던 것이 등장했고 감정적이고 매우 개인적인 주제를 깊이 파고든 가사(보컬리스트는 때때로 울기도 함)와 자유로운 연상 시와 고백적인 어조를 추가한 가사로 주목받았습니다. 봄의 의식은 최초의 "이모" 밴드로 묘사되었습니다. 전 마이너 위협 가수 이안 맥케이(Ian MacKaye)는 도시 이모 씬(emo scene)의 중심이 된 디스코드 레코드(Dischord Records)를 설립했습니다.[55]

1980년대 영국의 하위 장르와 경향

Head and shoulders shot of man, with wild, tangled hair and lipstick on, playing in a stage spotlight.
로버트 스미스 오브 더 큐어

고딕식 암석은 1970년대 말 영국의 포스트 펑크에서 발전했습니다. "가장 어둡고 우울한 형태의 지하 바위"로 명성이 나있는 고딕 록은 포스트 펑크에서 가져온 신디사이저 및 기타 기반 사운드를 사용하여 "선상, 슬픔, 종종 서사적 사운드스케이프"를 구성하고 하위 장르의 가사는 종종 문학적 낭만주의, 질병, 종교적 상징주의 및 초자연적 신비주의를 다룹니다.[56] 이 하위 장르의 밴드는 두 개의 영국 포스트 펑크 그룹인 수시와 밴시,[57] 그리고 조이 디비전에서 영감을 얻었습니다.[58] 1979년 발표된 바우하우스의 데뷔 싱글 '벨라 루고시의 죽음'은 고딕 록의 하위 장르의 적절한 시작으로 평가받고 있습니다.[59] The Cure의 Pornography (1982)를 포함한 "압도적으로 낙담한" 앨범들은 그러한 스타일로 그 그룹의 위상을 굳히고 대규모 컬트 팔로워를 위한 기반을 마련했습니다.[60]

1980년대에 등장한 영국의 얼터너티브 록 밴드는 맨체스터의 스미스였습니다. 음악 저널리스트 사이먼 레이놀즈(Simon Reynolds)는 스미스(Smiths)와 그들의 미국 동시대 R.E.M.을 "오늘날 가장 중요한 두 개의 알트록 밴드"로 꼽으며, 그들이 "80년대에 대항한다는 의미에서만 80년대 밴드였다"고 언급했습니다.[61] 스미스 부부는 가수 모리시의 영어 중심의 서정적인 주제와 기타리스트 조니 마(Johnny Marr)의 장들리 기타 연주 스타일에서 다양한 밴드가 이끌어내면서 10년 말까지 영국 인디계에 영향력을 행사했습니다.[42] 1986년 NME 프리미엄인 C86 카세트는 Primal Scream, The Wedding Present 등이 등장하여 인디 팝과 영국 인디 씬 전반의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.[62][63]

1980년대 동안 영국에서 다른 형태의 얼터너티브 록이 개발되었습니다. 지저스 앤 메리 체인의 사운드는 벨벳 언더그라운드의 "멜랑콜리 노이즈"와 비치 보이스의 팝 멜로디 및 필 스펙터의 "월 오브 사운드" 프로듀싱을 결합한 반면,[64][65] 뉴 오더는 포스트 펑크 밴드 조이 디비전의 몰락에서 벗어나 디스코와 댄스 음악을 실험했습니다.[42] 메리 체인은 공룡 주니어, C86, 콕토 트윈즈의 꿈의 팝과 함께 1980년대 후반 신발을 신는 운동의 형성적인 영향이었습니다. 밴드 멤버들이 관객과 상호작용하기보다는 무대 위에서 발과 기타 효과 페달을[66] 응시하는 경향에 따라 명명된 마이 블러디 발렌타인과 슬로우다이브와 같은 신발을 신는 행위는 길고 드롱드롱한 리프, 왜곡 및 피드백으로 보컬과 멜로디를 가리는 압도적으로 큰 "음향의 세탁"을 만들었습니다.[67] 신발을 신는 밴드들이 매드체스터 장면과 함께 10년 말 영국 음악 언론을 지배했습니다. 뉴오더와 팩토리 레코드가 소유한 맨체스터의 나이트클럽인 하치엔다에서 대부분 공연을 하는 매드체스터의 밴드 해피 먼데이와 스톤 로즈는 산성의 하우스 댄스 리듬과 멜로디컬한 기타 팝을 혼합했습니다.[68]

1991-1997: 최고의 인기

80년대 초반의 아메린디는 얼터너티브 또는 알트록으로 알려지게 되었고, 1996년경까지 너바나의 후손이었지만 현재는 매우 유행에 뒤떨어지고 있습니다. 음악이 여전히 존재한다는 것을 신경 쓰지 마세요.

— Christgau's Consumer Guide: Albums of the '90s (2000)[69]

1990년대 초, 음악 산업은 얼터너티브 록의 상업적 가능성에 이끌려, 주요 레이블들은 이미 제인스 어딕션, 레드 핫 칠리 페퍼스, 공룡 주니어와 계약을 맺었습니다.[53] 1991년 초, R.E.M.은 많은 얼터너티브 밴드들의 청사진이 되면서, Out of Time으로 전세계적으로 주류를 이루게 되었습니다.[28]

롤라팔루자 축제의 첫 번째 판은 1991년 7월과 8월에 북미에서 가장 성공적인 투어가 되었습니다. 로스앤젤레스 인근 야외 원형극장에서 이를 포착한 너바나의 데이브 그롤은 "마치 무슨 일이 일어나고 있는 것 같았고, 그것이 그 모든 것의 시작이었다"고 말했습니다. 그 투어는 음악 산업의 정신을 바꾸는데 도움을 주었습니다: "그 가을까지 라디오와 MTV와 음악은 바뀌었습니다. 저는 정말로 페리 [파렐]이 없었다면, 롤라팔루자가 없었다면, 당신과 저는 지금 이 대화를 나누지 못했을 것이라고 생각합니다."[70]

커트 코베인(포그라운드)과 크리스 노보셀릭(Krist Novoselic)이 1992년 MTV 비디오 뮤직 어워드에서 라이브 공연을 하고 있습니다.
2016년 크랜베리의 돌로레스 오리오단 공연

1991년 9월 너바나의 싱글 "Smells Like Teen Spirit"의 발매는 "그런지 음악 현상의 선동"을 의미했습니다. 그들의 앨범 Nevermind는 MTV에서 그 노래의 뮤직 비디오를 계속 방송하는 것에 도움을 받아, 1991년 크리스마스까지 매주 40만장이 팔렸습니다.[71] 그것의 성공은 음악계를 놀라게 했습니다. 대중화된 그루지뿐만 아니라 "대체 록의 문화적, 상업적 생존력"을 확립했습니다.[72] 마이클 애저라드(Michael Azerrad)는 네버마인드(Nevermind)가 당시 록 음악을 지배하고 있던 헤어 메탈(hear metal)이 정통적이고 문화적으로 적합한 음악에 직면하여 인기가 떨어지는 "록 음악의 바다 변화"를 상징한다고 주장했습니다.[73] 너바나의 획기적인 성공은 1990년대 얼터너티브 록의 광범위한 대중화로 이어졌습니다. 그것은 상업 라디오 방송국들 사이에서 "얼터너티브 록에 대한 새로운 개방성"을 예고했고, 특히 더 무거운 얼터너티브 밴드들에게 문을 열었습니다.[74] 네버마인드의 결과로 얼터너티브 록은 질질 끌며 비명을 지르는 것을 발견했습니다. 이 장르의 성공에 혼란스러워하면서도 이를 이용하려는 음반사들은 앞다퉈 밴드를 결성했습니다.[75] 뉴욕 타임즈는 1993년에 "대안 록은 더 이상 그렇게 대안적이지 않은 것 같습니다. 모든 주요 레이블에는 모양이 없는 셔츠와 실베어 청바지를 입은 기타로 구동되는 소수의 밴드가 있으며, 자세가 나쁘고 비스듬하고 회피하는 사람들을 길러내는 좋은 리프를 가진 밴드가 있으며, 이들은 잡음으로 귀에 거슬리는 곡조를 숨기고 침착하지 못한 뒤에 장인정신을 숨깁니다."[76] 그러나 많은 얼터너티브 록 아티스트들은 성공을 거부했습니다. 왜냐하면 장르가 주류에 노출되기 전에 지지했던 반항적인 DIY 윤리와 예술적 진정성에 대한 그들의 생각과 충돌했기 때문입니다.[77]

그룬지

주요기사 : Grunge

그 후 다른 Grunge 밴드들이 Nirvana의 성공을 재현했습니다. 펄 잼은 1991년 네버마인드보다 한 달 전에 데뷔 앨범 텐을 발매했지만, 앨범 판매는 1년 후에야 회복되었습니다.[78] 1992년 하반기까지 텐은 빌보드 200 앨범 차트에서 골드 인증을 받고 2위에 오르는 등 획기적인 성공을 거두었습니다.[79] 사운드가든의 앨범 Badmotorfinger, Alice in Chains' Dirt and Stone Temple Pilots' Core와 함께 Pearl Jam과 Soundgarden의 멤버들이 참여한 Temple of the Dog 앨범 콜라보레이션도 1992년 가장 많이 팔린 100개의 앨범에 포함되었습니다.[80] 롤링 스톤이 시애틀에 "새로운 리버풀"이라는 별명을 붙이게 된 계기는 이들 그룬지 밴드의 대중적인 성공이었습니다.[52] 주요 음반사들은 시애틀의 유명한 대부분의 그룬지 밴드들과 계약을 맺었고, 두 번째로 유입된 밴드들은 성공을 기원하며 그 도시로 이동했습니다.[81] 동시에 비평가들은 광고가 그룬지의 요소들을 조합하여 유행으로 바꾸고 있다고 주장했습니다. 엔터테인먼트 위클리(Entertainment Weekly)는 1993년 기사에서 "60년대 언론이 히피를 발견한 이후 하위 문화에 대한 이러한 종류의 착취는 없었다"고 논평했습니다.[82] 뉴욕 타임즈는 "미국의 갈림길"을 예년의 펑크 록, 디스코, 힙합의 대중 마케팅에 비유했습니다. 장르의 인기에 힘입어 시애틀에서는 그룬지에 대한 반발이 형성되었습니다.[52]

2008년 스매싱 펌킨스의 빌리 코건 공연
Two-thirds body shot of a singer wearing a coat with wide lapels; a guitar player is in the background. Both have short, blond hair.
오아시스의 리암과 노엘 갤러거

너바나의 후속 앨범인 In Utero (1993)는 너바나 베이시스트 Krist Novoselic이 "와일드 어그레시브 사운드, 진정한 얼터너티브 레코드"라고 묘사한 의도적으로 거친 앨범이었습니다.[83] 그럼에도 불구하고, In Utero는 1993년 9월에 발매되자마자 빌보드 차트에서 1위를 차지했습니다.[84] 펄 잼은 또한 발매 첫 주에 기록적인 950,378장을 판매하여 빌보드 차트에서 1위를 차지한 두 번째 앨범 Vs. (1993)로 상업적으로도 좋은 성적을 이어갔습니다.[85] 1993년, 스매싱 펌킨스는 빌보드 200에서 10위로 데뷔하고 1996년까지 400만 장 이상의 판매고를 올리며 RIAA로부터 멀티 플래티넘 인증을 받았습니다. 1995년, 이 밴드는 더블 앨범인 Mellon Collie & the Infinite Sadness를 발매했고, 이 앨범은 미국에서만 1,000만 장이 팔리며 다이아몬드 음반으로 인정받았습니다.[86]

브릿팝

주요기사 : 브릿팝

매드체스터 장면의 쇠퇴와 구두닦이의 화려하지 않은 매력으로 1990년대 초 미국에서 건너온 그룬지의 물결이 영국의 대체 장면과 음악 언론을 지배했습니다.[42] 이에 대한 반응으로 '그런지를 없애라', '미국과의 전쟁을 선포하라'는 영국 밴드들이 쏟아져 나와 대중과 원주민 음악 언론을 열광시켰습니다.[87] 펄프, 블러, 스웨이드, 오아시스로 대표되는 미디어에 의해 "브릿팝"으로 명명된 이 운동은 아티스트들이 얼터너티브 록을 고국의 차트 정상에 올려놓았다는 점에서 그룬지 폭발의 영국적 대응이었습니다.[42]

브릿팝 밴드들은 과거의 영국 기타 음악, 특히 영국 침공, 글램 록, 펑크 록과 같은 움직임과 장르에 영향을 받았고 존경을 나타냈습니다.[88] 1995년, 브릿팝 현상은 두 주요 그룹인 오아시스와 블러 사이의 경쟁으로 절정에 이르렀고, 그들은 같은 날 경쟁 싱글을 발표함으로써 상징됩니다. 블러는 "The Battle of Britpop"에서 우승했지만, 그들의 두 번째 앨범인 "What's the Story?" (1995)[89]가 영국 역사상 세 번째로 가장 많이 팔린 앨범이 된 오아시스에 의해 곧 인기가 가려졌습니다.[90]

인디록

1993년 인디 록 밴드 '포장'
주요 기사: 인디록

인디 록은 미국에서 얼터너티브 록 전체의 대명사로 오랫동안 사용되어 왔으며, 너바나의 대중적인 돌파구 이후 독특한 형태가 되었습니다.[91] 인디 록은 얼터너티브 록이 주류로 흡수되는 것을 거부하거나 넘기기를 거부하는 예술가들과 그것의 "마초" 미학에 대한 경계로 공식화되었습니다. 인디 록 아티스트들은 상업주의에 대한 펑크 록의 불신을 공유하지만, 장르는 "애초에 인디 록의 다양한 음악적 접근을 주류 취향과 양립시키는 것은 사실상 불가능하다는 것이 일반적인 가정"이기 때문에 이에 대해 전적으로 정의하지는 않습니다.[91]

Matador Records, Merge Records, Dischord와 같은 레이블과 Padhing, Superchunk, Fugazi, Sleater-Kinney와 같은 인디 록커들은 1990년대의 대부분 동안 미국 인디계를 지배했습니다.[92] 1990년대의 주요 인디 록 운동 중 하나는 로파이(lo-fi)였습니다. 저음질 카세트 테이프에 음악을 녹음하고 유통하는 것에 초점을 맞춘 이 운동은 1980년대에 처음 등장했습니다. 1992년에 이르러, 포장, Guided by Voices와 Sebadoh는 미국에서 인기 있는 로파이 공연이 되었고, 그 후 Beck과 Liz Phair와 같은 예술가들은 주류 관객들에게 미학을 가져다 주었습니다.[93] 이 시기에는 대체 고백형 여성 싱어송라이터도 등장했습니다. 앞서 언급한 리즈 페어 외에도 PJ 하비가 이 하위 그룹에 속합니다.[94]

1990년대 중반, 써니데이 부동산(Sunny Day Real Estate)은 이모(emo) 장르를 정의했습니다. Weezer의 앨범 Pinkerton (1996)도 영향력이 있었습니다.[55]

포스트 록

주요 기사: 포스트 록

Post-rock는 1991년에 발매된 Talk Talk의 Laugh Stock과 Slint의 Spiderland 앨범에 의해 설립되었습니다.[95] 포스트 록은 크라우트록, 프로그레시브 록, 재즈 등 다양한 장르의 영향을 받습니다. 장르는 록 관습을 전복하거나 거부하며 종종 전자 음악을 통합합니다.[95] 장르의 이름은 1994년 음악 저널리스트 사이먼 레이놀즈가 런던 그룹 바크 사이코시스의 헥스를 언급하며 만든 것이지만,[96] 장르의 스타일은 시카고 그룹 거북이의 Millions Now Living Will Never Die(1996) 발매로 굳어졌습니다.[95] 포스트 록은 1990년대에 실험적인 록 음악의 지배적인 형태였으며 장르의 밴드들은 스릴 조키, 크랜키, 드래그 시티, 투 퓨어와 같은 레이블에 서명했습니다.[95]

관련 장르인 수학 록은 1990년대 중반에 정점을 찍었습니다. 수학 록은 포스트 록과 비교하여 좀 더 복잡한 시간 부호와 얽히고 설킨 구절에 의존합니다.[97] 십 년이 끝날 무렵, 포스트 록에 대한 반발이 나타났는데, 이는 "열정적인 지적 능력"과 증가하는 예측 가능성 때문이었습니다. 하지만 이 장르를 더욱 확장시킨 Godspeed You! Black Emperature와 Sigur Rós와 같은 포스트 록 밴드의 새로운 물결이 나타났습니다.[95]

기타동향

1993년 스매싱 펌킨스의 앨범 샴 드림은 상업적으로 큰 성공을 거두었습니다. 음반에 대한 헤비메탈과 프로그레시브 록의 강한 영향력은 주류 라디오 프로그래머들에게 얼터너티브 록을 합법화하고 얼터너티브 록과 미국 1970년대 앨범 오리엔티드 록 라디오에서 재생되는 록의 종류 사이의 격차를 줄이는 데 도움이 되었습니다.[86]

1997년 ~ 2010년 : 포스트 그룬지, 포스트 펑크 리바이벌, 이모

푸 파이터스(Foo Fighters, 2017년 사진)는 1990년대 후반에 권력 공백을 메우는 데 도움을 주었으며 포스트 그룬지(post grunge)를 확립한 것으로 평가됩니다.
2002년 포스트 그룬지 밴드 크리드

1994년 4월 너바나의 커트 코베인이 자살한 사건, 콘서트 장소 프로모터인 티켓마스터를 상대로 한 펄 잼의 소송 실패, 1997년 사운드가든의 해체 등 1990년대 주류의 성공을 거두었던 얼터너티브 록 밴드들의 대부분이 여러 사건들로 인해 골절되었고, 2000년 스매싱 펌킨스의 해체, 2001년 L7의 공백기 발표, 2002년 레이네 스탤리의 사망 및 앨리스 인 체인스의 해체, 2003년 크랜베리와 스톤 템플 파일럿의 해체.[77] 브릿팝은 그룬지 밴드의 해체 외에도 오아시스의 세 번째 앨범 Be Here Now(1997)가 무성한 평가를 받았고 블러가 미국 얼터너티브 록의 영향을 통합하기 시작하면서 빛이 바랬습니다.[98]

얼터너티브 록의 변화의 상징은 1998년 헤드라이너를 찾는 데 실패한 후 롤라팔루자 축제의 공백이었습니다. 스핀은 그 해 축제의 어려움에 비추어 "롤라팔루자는 지금 얼터너티브 록만큼 혼수상태입니다."라고 말했습니다.[99] 그러나 스타일의 이러한 변화에도 불구하고, 얼터너티브 록은 21세기 초까지 상업적으로 실행 가능한 상태로 남아 있었습니다.

포스트그랜지

주요 기사: 포스트그랜지

1990년대 후반에 그룬지는 포스트 그룬지로 대체되었습니다. 많은 포스트 그룬지 밴드들은 그룬지의 지하 뿌리가 부족했고 주로 그룬지가 된 것에 영향을 받았습니다. 즉, "내향적이고 진지한 마음을 가진 하드 록의 엄청나게 인기 있는 형태입니다."; 많은 포스트 그룬지 밴드들이 그룬지의 사운드와 스타일을 모방했습니다. "하지만 반드시 원래 아티스트들의 개별적인 특이점은 아닙니다."[100] 포스트 그룬지는 그룬지의 왜곡된 기타를 세련되고 라디오 준비가 가능한 제작으로 완화시킨 더 상업적으로 실행 가능한 장르였습니다.[100]

원래 포스트 그룬지는 그룬지가 주류일 때 등장한 밴드에서 거의 경멸적으로 사용되는 레이블이었고 그룬지 사운드를 모방했습니다. 레이블은 포스트 그룬지라고 불리는 밴드들이 단순히 음악적으로 파생적이거나 "진정한" 록 운동에 대한 냉소적인 반응이라고 제안했습니다.[101] About.com 의 팀 그리어슨(Tim Grierson)에 따르면 부시(Bush), 캔들박스(Candlebox), 콜렉티브 소울(Collective Soul)은 거의 비판적으로 포스트 그룬지(post-grunge)로 분류되었으며, 이는 "그들이 그 자체로 음악적 운동이라기보다는 록 음악의 합법적인 스타일 변화에 대한 계산적이고 냉소적인 반응일 뿐이라는 suggest"이라고 말했습니다. 1990년대 후반과 2000년대에 Foo Fighters, Matchbox Twenty, Creed 및 Nickelback과 같은 새로운 밴드가 등장하면서 포스트 그룬지는 미국에서 가장 인기 있는 록 밴드 중 하나가 되었습니다.[101]

포스트 브릿팝

브릿팝이 쇠퇴하기 시작한 동시에 라디오헤드는 세 번째 앨범 OK Computer (1997)와 후속 앨범 Kid A (2000)와 Amnesiac (2001)으로 비평가들의 호평을 얻었는데, 이는 브릿팝의 전통주의와 현저한 대조를 이룹니다. 라디오헤드는 트래비스, 스테레오포닉스, 콜드플레이와 같은 포스트 브릿 팝 그룹과 함께 그 후 몇 년 동안 영국 록의 주요 세력이었습니다.[102]

제3파 스카

2008년 릴 빅피쉬 공연

언더그라운드에서 거의 10년이 지난 후, 초기 영국 스카(sca)와 펑크(punk) 행위가 혼합된 스카 펑크(sca punk)는 미국에서 인기를 끌었습니다. 랜시드는 "제3의 물결 스카 부활" 행위 중 첫 번째로 깨졌습니다. 1990년대 중반부터 2000년대 초반까지 마이티 마이티 보스스톤즈, 노 다웃, 서브라임, 골드핑거, 릴 빅피쉬, 레쓰 댄 제이크, 세이브 페리스가 차트에 올랐거나 라디오 노출을 받았습니다.[103][104]

포스트 펑크 리바이벌과 개러지 록 리바이벌

주요 기사: 포스트 펑크 리바이벌과 개러지 록 리바이벌

1990년대 후반과 2000년대 초반에 여러 얼터너티브 록 밴드들이 등장했는데, 그 중에는 스트로크, 프란츠 퍼디낸드, 인터폴, 랩쳐 등이 포스트 펑크와 뉴웨이브에서 주요 영감을 얻어 포스트 펑크 부활 운동을 세웠습니다.[105] 10년 초 스트로크와 화이트 스트라이프와 같은 밴드의 성공에 앞서, 여러 포스트 펑크 리바이벌 아티스트와 킬러스, 예예예예스와 같은 다른 아티스트를 포함한 새로운 얼터너티브 록 밴드의 유입은 2000년대 초와 중반에 상업적 성공을 거두었습니다. 이 밴드들의 성공 덕분에, 엔터테인먼트 위클리는 2004년에 "거의 10년 동안 랩 록과 누 메탈 밴드들에 의해 지배된 후, 주류 알트 록이 마침내 다시 좋습니다"라고 선언했습니다.[106] Arctic Monkeys는 [107]두 개의 영국 1위 싱글과 영국 차트 역사상 가장 빨리 팔린 데뷔 앨범이 된 What People Say I Am, That's What I'm Not (2006)과 함께 인터넷 소셜 네트워킹을 사용하여 초기 상업적 성공을 거둔 저명한 행동이었습니다.[108]

이모

주요기사 : 이모
2007년 이모밴드 지미 잇 월드 공연

2000년까지 그리고 새로운 10년까지 이모는 가장 인기 있는 록 음악 장르 중 하나였습니다.[55] 인기 있는 활동에는 지미 잇 월드(2001)의 블리드 아메리칸(Bleed American)과 대시보드 컨페셔널(Dashboard Confessional)의 "당신이 가장 두려워하는 곳"(2003)의 판매 성공이 포함되었습니다.[109] 새로운 이모티콘은 1990년대보다 훨씬 더 주류적인 사운드를 가지고 있으며 청소년들 사이에서 이전의 화신보다 훨씬 더 큰 매력을 가지고 있습니다.[109] 동시에 "emo"라는 용어의 사용은 음악 장르를 넘어 확장되어 패션, 헤어스타일 및 감정을 표현하는 모든 음악과 연관되었습니다.[110] 이모의 주류 성공은 폴 아웃 보이[111], 마이 케미컬 로맨스와[112] 같은 멀티 플래티넘 액트와 파라모어[111], 패닉 앳 더 디스코와 같은 주류 그룹을 포함하여 2000년대에 등장한 밴드들과 함께 계속되었습니다.[113]

기타동향

2010년 1월 멜버른 뮤즈 공연

미국의 록 밴드 레드 핫 칠리 페퍼스(Red Hot Chili Peppers)는 그들의 앨범 캘리포니아(1999)가 발매된 후 2000년대 내내 지속적인 성공을 거두며 1999년에 새로운 인기를 얻었습니다. Three Seconds to Mars는 2000년대 후반 동안 눈에 띄는 인기 상승을 경험했습니다.[114]

2010-현재: 미래.

지난 2010년 미국에서 얼터너티브 록 음악에 대한 언급은 대부분 인디 록 장르에 대한 것으로, 이전에는 얼터너티브 록 채널과 미디어에서 제한적으로 사용되던 용어입니다.[26] 2010년대 라디오 방송국들은 얼터너티브 록에서 벗어나 포맷을 변경해 왔지만, 이는 대부분 판매를 위해 상위 40개/상위 100개 방송국을 더 많이 찾는 광고주들과 결합된 집적 노력에 의해 동기가 부여됩니다.[115] 2010년 이후 주류 시청자들에게 얼터너티브 록의 관련성에 대해 의견이 엇갈리는 반면,[116][117] 데이브 그롤은 2013년 12월 29일자 뉴욕 데일리 뉴스의 기사에서 록은 죽었다고 언급했습니다:[118] "스스로 말하라... 바위는 제게 꽤 살아있는 것 같습니다."[119]

2010년대의 동향

2016년 2월, 런던 브릭스턴 아카데미에서 21명의 조종사들이 공연을 하고 있습니다.

현대 주류 얼터너티브 록 밴드는 키보드와 기타에 중점을 두면서 하드 록, 일렉트로니카, 힙합, 인디, 펑크의 음악적 요소를 융합하는 경향이 있습니다. 2010년대에, 영국의 록 밴드 뮤즈는 그들의 앨범 The Resistance and Drones로 그래미 상을 수상하며 세계적인 명성을 얻었습니다.[120][121]

미국의 얼터너티브 듀오 트웬티 원 파일럿츠(Twenty One Pilots)는 힙합, 이모, 락, 인디 팝 및 레게를 포함한 장르 간의 경계를 모호하게 만들고 수많은 기록을 깨는데 성공했습니다.[122] 그들은 미국에서 두 개의 톱 5 싱글을 동시에 보유한 최초의 대안적인 활동이 되었고, 그들의 네 번째 정규 앨범 블러디드페이스(2015)는 모든 곡이 적어도 미국 음반 산업 협회로부터 골드 인증을 받은 역사상 첫 번째 앨범이었습니다.[123][124][125] Twenty One Pilots는 또한 스포티파이에서 노래가 10억 스트리밍에 도달한 최초의 록 액트가 되었습니다.[126] 그들의 브레이크아웃 히트 싱글 "Stressed Out"은 스트리밍 플랫폼에서 최소 10억 회 재생이라는 드문 위업을 달성한 25번째 곡이었습니다. 이 이정표는 스포티파이와 같은 스트리밍 플랫폼에서 대표되는 음악 장르가 힙합, EDM 및 성인 컨템포러리 스타일의 팝과 같은 장르에 의해 지배되는 상당히 동질적인 시기에 나온 것입니다.[126]

얼터너티브 팝

2012년 6월 어빙 플라자에서 라나 델 레이 공연

얼터너티브 팝(Alt-pop)은 주류 밖의 인물들에 의해 만들어지거나 전통적인 팝 음악보다 더 독창적이고 도전적이거나 절충적이라고 여겨지는 광범위한 상업적 매력을 가진 팝 음악을 설명하기 위해 사용되는 용어입니다.[127] 인디펜던트는 알트팝을 "실제 10대의 경험에 훨씬 더 가까운 주류를 집에서 만든 개인화된 모방"으로 묘사했으며, 일반적으로 불안, 후회, 약물 및 불안에 대한 가사와 함께 어둡고 우울한 감정 톤이 특징입니다.[128]

올뮤직에 따르면 영국 얼터너티브 팝 밴드 수시(Soussie)와 밴시(Banshees)가 10년 동안 성공을 거두었지만,[129] 얼터너티브 씬의 "레프트 오브 센터 팝"은 1980년대 동안 주류의 성공을 경험하지 못했습니다.[130] 2000년대 초반 캐나다 가수 에이브릴 라빈의 히트 싱글 "Sk8er Boi"를 포함한 성공은 후속 세대의 여성 알트 팝 가수들을 위한 발판을 마련하는 데 도움이 되었습니다.[131] 2000년대 후반, 미국 가수 산티골드는 명백한 예술적 신념으로 인해 "대안 팝 영웅"으로 자리매김했습니다.[132]

2010년대 초, 미국 가수 라나 델 레이(Lana Del Rey)는 "유혹적인 슬픔과 멜로 드라마"가 특징인 "시네마틱하고 비트가 무거운 알트팝"으로 "컬트적인 추종자"를 발전시켰습니다.[133] 뉴질랜드의 알트팝 가수 로드(Lorde)는 2013년과 2014년에 차트 1위와 상을 수상하며 세계적인 성공을 거두었습니다.[134] 2022년, 미국 가수 빌리 아일리시(Billie Eilish)는 어둡고 우울한 팝으로 주류에서 얼터너티브 팝의 "등장"을 기록했습니다.[128]

참고 항목

라디오 포맷

참고문헌

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서지학

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